Escuela de Espectadores de Teatro cierra ciclo 2008 con "Domus Aurea"

La última sesión 2008 de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada al análisis del montaje "Domus Aurea", de Raúl Miranda y la compañía Minimale, que se presenta actualmente en el Salón Blanco del Museo de Bellas Artes.

Invitados:
Raúl Miranda
Iñigo Urrutia
Eduardo Paxeco

Lunes 17 de noviembre.
19.30 horas.
Teatro del Puente.

Entrada liberada.
Inscripciones:
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es

"Una relación pornográfica" y "Filóctetes" en nueva sesión de Escuela de Espectadores

La sesión 15 de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada al análisis de las obras "Una relación pornográfica" (en cartelera en la sala San Ginés Chucre Manzur) y "Filóctetes" (que se repondrá en enero como parte de Santiago a Mil).

Invitados:
- Heidrun Breier
- Daniel Muñoz
- Paulo Meza

Lunes 10 de noviembre.
19.30 horas.
Teatro del Puente.
Entrada liberada.

Inscripciones:
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es

Claves para el análisis de "Lágrimas, Celos y Dudas"

Montaje: “Lágrimas, Celos y Dudas”

Invitadas:
- Marcela Salinas (Lágrimas)
- Manuela Oyarzún (Celos)
- María Paz Grandjean (Dudas)

Sobre el montaje
En una línea que se aparta significativamente de lo que ofrece la cartelera santiaguina, “Lágrimas, Celos y Dudas” propone un viaje hacia las baladas románticas y melodramáticas que a fines de los ‘70 y buena parte de los ‘80 se popularizaran en la voz de intérpretes latinas.
El montaje está concebido como un show que revisa el repertorio de un trío ficticio surgido en 1980, de acuerdo a una biografía publicada en la web.
Además de cinco discos, el grupo exhibe a manera de trofeos una Gaviota de Oro del Festival de Viña del Mar y un Quíntuple Cassette de Oro, emulando los tributos que en el medio reportan valoración, estatus o prestigio.
Sus integrantes —Lágrimas (Marcela Salinas), Celos (Manuela Oyarzún) y Dudas (María Paz Grandjean)— son una variante de las cantantes hispanoparlantes que acuñaran un discurso adolorido, trágico y a ratos cursi sobre los vínculos de pareja, en particular en torno al abandono, el desamor y el endiosamiento del masculino.
La estética y el estilo de interpretación sintetizan los modos de Rocío Jurado, Mari Trini, Angela Carrasco, Amanda Miguel, Paloma San Basilio, Daniela Romo, Yuri y Pandora, entre otras, de quienes se recrean los títulos más conocidos.
Las actrices han realizado un intenso coaching junto al fonoaudiólogo y profesor de canto Ricardo Alvarez, quien las ha preparado para enfrentar el género, armonizar la disparidad vocal e interpretar en vivo una veintena de canciones con el acompañamiento de Marcello Martínez.
En la práctica, el público es involucrado desde el ingreso a la sala en la convención del show.

Citas al contexto
La puesta emplaza a un costado cuatro pequeños monitores, donde se proyectan las imágenes que contextualizan la época y aportan claves para entender que en paralelo al brillo del vestuario, las hombreras, las chasquillas lacadas y el colorido maquillaje del trío transcurre la historia de un país que, de alguna manera, la balada difumina.
Entre los registros se cuenta la aplaudida llegada de Augusto Pinochet a la Quinta Vergara en febrero de 1975, en mitad de una jornada del Festival de Viña del Mar, cuando recibe un espontáneo homenaje.
También se escuchan audios de transmisiones radiales de la época: tandas publicitarias, jingles, relatos deportivos y una proclama del Frente Patriótico Manuel Rodríguez.
Estos materiales operan en el contexto como complementos silenciosos y contrastan con los contenidos de las canciones, volcadas a la vivencia íntima de mujeres enamoradas, traicionadas o insatisfechas.


El repertorio
El atractivo del montaje se sustenta en las interpretaciones en vivo que llevan a cabo las tres actrices, teatralizadas en más de un caso y exacerbadas gestualmente para hacer evidentes las citas.
El registro de Manuela Oyarzún encuentra en Amanda Miguel una adecuada correspondencia y entrega una inspirada recreación de “El me mintió”. También revitaliza y dota de humor la sorprendente “Yo no soy esa”, de Mari Trini.
María Paz Grandjean tiene a cargo uno de los momentos que remueve a la platea con “Paloma infiel”, de Paloma San Basilio, que en algunas funciones es coreada, además de versiones de temas de Daniela Romo.
Marcela Salinas se aproxima a la ejecución de una baladista gracias a sus dotes de cantante que la llevan a protagonizar uno de los puntos altos del show con “Ese hombre”.

Fragmentos de un discurso amoroso
Tras apelar al imaginario en que permanecen intactas las letras, el recorrido por el repertorio del trío (incluida una incursión en solitario de Dudas) deriva en un desenlace sombrío, que parece sugerir el ocaso de un modo de expresión del femenino.
Aun así, el espectáculo reinstala un tópico de tantas aristas como las que Roland Barthes sistematizó en “Fragmentos de un discurso amoroso” a fines de los 70, cuando estas canciones e intérpretes comenzaban a hacer carne en el país.

Claves para el análisis:
- La condición de la mujer en la balada romántica.
- Melodrama y cantantes latinas.
- Contraste entre actrices y cantantes.
- Discurso romántico versus discurso político.
- Género musical.

"Lágrimas, Celos y Dudas" llegan a la Escuela de Espectadores

La sesión número 14 de la Escuela de Espectadores de Teatro estará destinada a comentar y analizar el montaje musical "Lágrimas, Celos y Dudas" que se presenta en la sala Mori Bellavista.

La puesta revisa la balada femenina y el cancionero romántico de fines de los 70 y comienzos de los 80.

Invitadas:

Marcela Salinas (Lágrimas)

Manuela Oyarzún (Celos)

María Paz Grandjean (Dudas)

Lunes 03 de noviembre.

A las 19.30 horas.

Teatro del Puente.

Entrada liberada.

Inscripciones:

escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es

Claves sobre "Readymade baby": teatro para menores de 3 años

Montaje: “Readymade baby”, de Karstein Solli
Invitados: Karstein Solli, director del montaje, y Maybritt Jensen, responsable de registro e investigación.

Sobre el montaje:
“Readymade baby” forma parte de un programa de formación de público que se centra en niños de 0 a 3 años de edad.
El montaje tiene una duración de 30 minutos y emplea recursos del teatro, la danza y la performance para interpelar cara a cara al público que forman los menores y sus padres (o los adultos que los acompañan).
Las presentaciones resaltan la cercanía y exhiben un marcado carácter lúdico a fin de generar la atmósfera adecuada para cautivar a los mini-espectadores.
La escena es una gran sala blanca sobre la cual se han distribuido coloridos elementos de uso cotidiano, cuyo tamaño en algunos casos ha sido alterado.
Una serie de paraguas de color naranjo comparten lugar con un coche, una alfombra roja circular, mullidos botines verdes y megáfonos, entre otros objetos diseñados especialmente para el espectáculo.
Tres intérpretes visten indumentarias también coloridas (verdes, celestes y a rayas) que emulan los pijamas y las prendas de los recién nacidos.
Son ellos quienes interactúan con los elementos siguiendo una coreografía que reproduce la sorpresa de todo niño al descubrir las posibilidades de movimiento del cuerpo: saltan, se aquietan, se apegan a la superficie, mientras cantan o modulan juegos vocales con el apoyo de los megáfonos. También ejecutan instrumentos, realizan efectos sonoros con un micrófono de mano y demuestran un afinado registro lírico.
Las escenas se suceden con el ritmo adecuado para atrapar la atención de los pequeños. Los bebés de meses se muestran cautivados por los desplazamientos y los colores; los niños de mayor edad se prestan al juego de sorpresas, se reconocen en algunos elementos y se arriesgan a entrar a escena.
La convención que establece el montaje permite al mismo tiempo confrontar a los padres y a los adultos con el control que ejercen sobre los menores en un espacio público y en el primer acercamiento a una experiencia estética.
El montaje resalta las dinámicas que se ponen en juego en la percepción de las obras o elementos del entorno y el contexto en que pueden adquirir un estatus artístico. En este sentido, toma como referente el concepto de ready-made acuñado por el artista franco-americano Marcel Duchamp.
La expresión puede traducirse como “lo ya visto” y se vincula con la conceptualización de “objeto encontrado” del surrealismo.
Es resultado de un acto practicado por Duchamp en 1915, cuando comenzó a titular de modo artístico objetos producidos industrialmente con una mínima o ninguna intervención porque, en sus palabras, “arte es lo que se denomina arte”. Por ende, lo puede ser cualquier cosa.
Los primeros ready-made fueron una rueda de bicicleta y el célebre urinario con que Duchamp (“La fuente”, 1917) provocó a la crítica al poner en crisis las categorías estéticas.
En el montaje, los mini-espectadores parecen cuestionar la forma habitual de mirar el arte, al igual que Duchamp.

Sobre Karstein Solli
Director, académico, coreógrafo y performancista noruego. Ganador del Premio de la Asociación de Críticos de Noruega.
Realizó sus estudios en la Escuela de Jacques Le Coq en Francia. También en la Desmond Jones School of Mime, de Londres, y en la Escuela Nacional de Teatro de Amsterdan.
En la actualidad, es Director del Departamento de Entrenamiento Teatral de la Academia de Teatro Figurativo de Noruega.
Participa en el programa Glitterbird de la Comunidad Europea, que se orienta a la formación de público de 0 a 3 años, y en el proyecto de danza Isadora Duncan, dirigido a niños y adolescentes.
Ha presentado sus espectáculos en Alemania, España, Italia, Francia, Dinamarca, Finlandia, Brasil, Hungría y Estados Unidos.
Sus propuestas artísticas son difíciles de clasificar y trabajan con recursos de la danza, el teatro, la música y la perfomance.

Sobre Maybritt Jensen
Master en Teatro y Filosofía por la Universidad de Oslo, Noruega. Especializada en teatro físico y circo. Participa en “Readymade baby” como encargada de registro e investigación a partir de una serie de encuestas que se aplican entre quienes asisten.

Ficha técnica
Concepto y coreografía: Karstein Solli.
Intérpretes: Marianne Skjeldal y Beata Kretcocicova Iden.
Música y composición de sonidos: Oyestein Elle.
Vestuarios: Ebba Johansson.
Escenografía: Stephan Ostensen.
Co-productor de América del Sur: Vitor Truzzi.

Claves para el análisis:
- Teatro familiar / Teatro infantil
- Percepción y experiencia estética
- Ready-made Control y categorizaciones estéticas

Teatro para menores de 3 años en Escuela de Espectadores

La sesión número 13 de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada al análisis del montaje "Readymade baby", del director noruego Karstein Solli, que se presentará durante el fin de semana en la sala Finis Terrae.

De inusual concepción, la puesta está orientada a formar espectadores entre 0 a 3 años y es parte del proyecto Glitterbird de la Comunidad Europea que apunta a la creación de nuevas audiencias.

Invitados:
Karstein Sollis y compañía.

Lunes 27.
A las 19.30 horas
Teatro del Puente.
Entrada liberada.

Inscripciones:
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es

Claves para el análisis de "La muerte de un vendedor"

Obra: “La muerte de un vendedor”, de Arthur Miller. Dirección de Raúl Osorio.

Sobre la dramaturgia norteamericana:
Existe unanimidad entre los especialistas en literatura de habla inglesa, que la dramaturgia norteamericana se desarrolló tardíamente en relación a la narrativa y la poesía.
Aun así, se reconocen factores decisivos para su consolidación en los primeros años del siglo pasado:
· La influencia del naturalismo y de las piezas de Ibsen y Chéjov.
· El impulso que diera el autor, actor y empresario David Belasco (1853-1931) a producciones de corte realista, con la configuración de escenografías y ambientaciones ad hoc.
· El trabajo del director Arthur Hopkins que también avanzó en el ideal de una puesta realista y en el trabajo con los actores.
· La difusión del Método de Interpretación de Constantin Stanislavsky (desarrollado por la compañía Teatro de Arte de Rusia) que a mediados del siglo XX se sistematizaría gracias a la labor de Lee Strasberg (1901-1982) y la apertura en Nueva York del Actor’s Studio.
· La fundación del Taller 47 en la Universidad de Harvard en 1905 a instancias de George Pierce Baker que acogió cursos de dramaturgia elemental y avanzada y que se adoptó como modelo en otras instituciones universitarias del país.
· La apertura de pequeños teatros. El primero de ellos comenzó a operar en 1914 en la trastienda de una librería del Washington Square en New York, donde se montó un escenario. Fue el germen de los “Washington Square Players” hasta trasladarse a Broadway. Similar modelo operó en Provincetown, Massachussets (el “Teatro del Muelle”). Estos proyectos alentaron la formación de elencos y de un movimiento de aficionados en los 20 y 30, donde estrenaron las figuras insignes de la dramaturgia antes de pasar a Broadway (como Eugene O’Neill). También permitieron ensayar estructuras que rompían con los convencionalismos formales, constatar que existía una audiencia potencial para el teatro y tentar a novelistas y poetas a probar suerte en la escritura dramática.

Sobre los grandes autores teatrales de Norteamérica:
La gran renovación del teatro norteamericano vino de la mano de Eugene O’Neill (1888-1953), de influencias simbolistas, expresionistas e ibsenianas. Ganó el Premio Nobel de Literatura y 4 veces el Pulitzer
Su enfoque sobre la acción dramática está en línea con Strindbeg, Chéjov e Ibsen, como se constata en “Largo viaje del día hacia la noche”.
Arthur Miller (1915-2005) ensayó también con las estructuras y la inserción de contrapuntos en escena, aunque su gran aporte fue la escenificación arquetípica del sueño americano en “La muerte de un vendedor viajero” y la fuerte crítica social a la persecución política en “Las brujas de Salem” y en “Una mirada desde el puente” que le reportaron el título de “conciencia social de Norteamérica”.
Tennessee Williams (1911-1983) es postulado junto a Miller como la figura mayor de la escritura teatral estadounidense. Su estilo osciló entre el realismo y altas cuotas de lirismo y dio voz a los inadaptados, perdedores, marginados y desamparados en piezas como “Un tranvía llamado deseo” y “La gata sobre el tejado caliente”, donde además asoman las pulsiones sexuales como un territorio a descubrir.
El diálogo de estos autores con el cine (en especial Miller y Williams) siguió un curso y fuerza paralelos al ser parte del sistema y desarrollar vínculos con figuras relevantes en Hollywood que se tradujo en el período dorado de los 50.
El relevo de esta herencia en las generaciones más recientes se atribuye a Edward Albee (1928), el implacable autor de “Quién le teme a Virginia Woolf?” y “Tres mujeres altas”; David Mamet (1947), ligado estrechamente al cine y al nuevo realismo en los 70 gracias a “Búfalo americano”, un título que indaga en el lado sombrío del sueño americano, como también lo consigue “Glengarry Glen Ross” en los ’80 y “Oleanna”, en los 90, frente al discurso políticamente correcto; Sam Shepard (1943), guionista de cine (“Paris, Texas”), actor y músico, además de dramaturgo, que emplea la sátira, el absurdo, argumentaciones oblicuas, personajes desencantados y elementos de la cultura contemporánea y de los géneros visuales en títulos como “Niños enterrados” y “Locos de amor”.
Las historiografías más recientes han apostado además por rescatar a las llamadas “madres del teatro norteamericano” y han redescubierto a Louisa Medina, Charlotte Barnes y Anna Cora Mowatt.

Sobre “La muerte de un vendedor” en versión del Teatro Nacional:
Calificada como “la obra del siglo XX” en la votación que organizara el Royal National Theatre, “La muerte de un vendedor viajero” se presenta en la sala Antonio Varas en una producción del Teatro Nacional Chileno bajo la dirección de Raúl Osorio.
La pieza se escenifica con el título de “La muerte de un vendedor” y su puesta en escena es resultado de la gestión del protagonista, Oscar Hernández, quien adquiriera los derechos de representación para Chile.
El texto se estrenó en Filadelfia en 1949 y obtuvo los premios Pulitzer de Teatro y del Círculo de Críticos de Teatro de Nueva York. Un año después fue montada en Santiago por el Teatro Experimental de la Universidad de Chile.
En ella se pesquisan referentes biográficos por el paralelo del protagonista, Willy Loman, con el padre del autor, un inmigrante vienés que se estableció en Norteamérica con una fábrica de abrigos, pero que terminó en la ruina a causa de la Gran Depresión.

Loman se ha convertido con el tiempo en un arquetipo o paradigma de las fisuras del sueño americano a partir de su oficio de vendedor viajero.
La pieza lo presenta como un fracasado en el trabajo que intenta erigirse en modelo ciudadano al interior de su familia, pero que deriva en víctima trágica de la utopía fallida, forzado a sacrificar su vida para que el grupo familiar cobre un seguro y pague las deudas.
La escritura resultó particularmente innovadora en su momento por el uso de elipsis y la superposición de planos que desentrañan los fantasmas del personaje, quien transita por los niveles del cotidiano y pronto salta a la dimensión de sus pesadillas.
Llevada a escena en medio del actual derrumbe que experimentan los sistemas económicos de Norteamérica y Europa, el texto recobra su capacidad de interpelación, retrata con agudeza las dinámicas de especulación que rondan a la caída de Wall Street y ofrece nuevas aristas sobre el complejo vínculo que enlaza a Loman con sus hijos (Biff y Happy), como si el autor se hubiera anticipado también a la crisis actual del poder masculino.
La dirección se apoya en la escenografía de Pablo Núñez, una estructura metálica de distintos niveles que sirve como soporte a todas las situaciones, e introduce las notas musicales compuestas por Patricio Solovera.
Respetuoso del original, el montaje tiene una duración de 2 horas y 20 minutos.
El elenco lo integran Oscar Hernández (Willy Loman), Carmen Disa Gutiérrez (Linda),
Ignacio Hurtado (Biff, el hijo mayor), Nicolás Pavez (Happy, el hijo menor), Hugo Medina (Tío Ben), Eduardo Soto (Stanley), Marcela Solervicens (Jenny y Letta), Javiera Osorio (Srta. Forsythe), Pablo Teillier (Howard), Luis Wigdorsky (Charley), Luis Wigdorsky hijo (Bernardo) y Cecilia Cucurella (la Mujer).

Sobre la versión del Teatro Experimental de 1950:
El Teatro Experimental de la Universidad de Chile estrenó en 1950 la pieza de Arthur Miller bajo el título de “La muerte de un vendedor (conversaciones privadas en dos actos y un réquiem)”.
La dirección estuvo a cargo de Agustín Siré.
Emilio Martínez asumió el rol protagónico de Willy Loman en un elenco que integraron Anita del Valle (Betty), Domingo Tessier (Biff), Rubén Sotoconil (Happy), Eugenio Guzmán y Bernardo Trumper (Bernardo), María Cánepa (La Mujer), Roberto Parada (Charley), Jorge Lillo (Tío Ben), Pedro Orthous (Howard), Vidia Arredondo (Jenny), Carlos García (Stanley), Flavio Candia ( El Mozo), Coca Melnick (Srta. Forsythe) y María Teresa Fricke (Letta). El diseño y la iluminación estuvieron a cargo de Oscar Navarro. La música incidental fue compuesta por Héctor Carvajal y fue interpretada por músicos de la Orquesta Sinfónica.

Sobre la revisión del vendedor viajero:
En 1991, Arthur Miller estrenó en Londres una obra que ha sido vista como una extensión de “La muerte de un vendedor viajero”. Se trata de “The ride down Mr. Morgan”, que también tiene por protagonista a un vendedor viajero, Lyman Felt.
La pieza exhibe un tono sarcástico y muestra cómo el personaje debe enfrentarse a las fantasías persecutorias de un padre autoritario una vez que sufre un accidente que deja en evidencia la doble vida que ha llevado hasta entonces, al estar casado en dos ciudades distintas y sostener dos familias.
Esta obra se estrenó en Chile en el Teatro de la Universidad Católica con dirección de Ramón Núñez durante la temporada 2002, con el título de “El derrumbe” y actuaciones de Cristián Campos, María Izquierdo y Esperanza Silva.
En una entrevista realizada a mediados de los 90, en momentos en que la pieza debutaba en Broadway, Miller reconoció los paralelos entre Willy Loman y Lyman Felt.
Entonces afirmó: “Creo que la mayoría de las cosas terminan mal. La mayoría de las empresas humanas decepcionan”.

Sobre el realismo sicológico:
La escritura de Athur Miller suele asociarse con el realismo sicológico a causa del modo en que se las lleva a escena y las convenciones actorales que se ponen en juego.
El realismo es un movimiento que rompió con las corrientes románticas, melodramáticas y clásicas del siglo XIX. Busca convencer al espectador sobre la verdad escénica tanto en el tema como en el montaje. Es decir, lograr que la acción represente a la vida diaria en todo sentido: emociones, forma de pensar, situaciones, etc.
El realismo sicológico es la escuela de actuación que deriva de esta mirada. De ella se apropió el cine norteamericano a través del llamado Método de Lee Strasberg, que se asentaba en el trabajo del intérprete con su memoria emotiva. Prima el estudio de las motivaciones sicológicas de los personajes y es la cuna de lo que en dramaturgia se conoció a mediados del siglo XX como el realismo norteamericano.

Claves para el análisis:
- Dramaturgia norteamericana.
- Sueño americano.
- Arquetipo y paradigma.
- Realismo sicológico y realismo norteamericano.