Apuntes sobre el Festival de Dramaturgia Europea Contemporánea

Sesión 03

Realizada el lunes 18 de agosto.
Invitados:
- Heidrun Breier, directora de “Pánico escénico”, de Mirjam Neidhart (Suiza)
- Héctor Noguera, director de “Enemigo interior”, de José Sanchis Sinisterra (España)
- Kathy Salosny, protagonista de “La Madonna de Shoreditch”, de Rebecca Lenkiewicz (Reino Unido)
- Luis Ureta, director de “Los Mountainbikers”, de Volker Schmidt (Austria).

Sobre el festival:
El Festival de Dramaturgia Europea Contemporánea se realiza desde el año 2000 en Santiago por iniciativa de misiones diplomáticas e institutos binacionales.
Su objetivo es difundir textos de autores europeos contemporáneos que no han sido estrenados en Chile.
Conforme se han ido sucediendo las versiones, se han ido sumando países a la organización del certamen. La programación de 2008 incluye un total de 16 obras provenientes de Alemania, Austria, Croacia, España, Francia, Italia, Reino Unido y Suiza.
Los textos son elegidos durante el primer semestre de cada año por un comité asesor y su escenificación se encarga a directores y elencos chilenos en dos formatos: lecturas dramatizadas y semi-montajes.El ejercicio de cruce de escrituras europeas y estéticas locales permite ahondar en nuevas lecturas de los textos y confrontar miradas respecto de los temas de las obras.

Claves para el análisis:
- Dramaturgia y fragmentación: “Para quien ya no tiene una imagen global y unificada del mundo, la reproducción de la realidad por el teatro sigue siendo necesariamente fragmentaria. En tal caso ya no se intenta elaborar una dramaturgia que reúna artificialmente una ideología coherente y una forma adecuada, de modo que una única representación recurre a menudo a varias dramaturgias. (Patrice Pavis en “Diccionario del teatro”):
- Nueva Dramaturgia: Calificativo que suele darse a un movimiento de autores teatrales que estrenan con posterioridad a la década de los ’80 y a la caída del Muro de Berlín, cuyas obras retratan el nuevo escenario occidental tras la desaparición de las utopías colectivas. Se caracterizan por la renuencia a emplear estructuras clásicas de escritura y por ensayar formas heterogéneas en que fusionan corrientes, modelos y citas (incluso a otras disciplinas artísticas). Su desarrollo es particularmente significativo en los países de habla alemana e inglesa.

- Superficie textual: Expresión acuñada para categorizar textos contemporáneos que no incluyen indicaciones, didascalias ni caracterización de personajes. Suelen leerse como una suma de voces y estados internos, aunque es corriente que se titule cada escena. En ellos predominan las elipsis y se transforman en un material que el director habrá de poblar con su poética en la puesta en escena.

Tópicos corrientes de la dramaturgia europea contemporánea:
- Nostalgia por un espacio de pertenencia en contraposición a un entorno de desamparo;
- Descripción de la ciudad como un espacio inhóspito que activa la desazón en el individuo;
- Estructuras sociales y familiares en crisis a causa de un sistema económico que demuele todo vínculo;
- Predominio de la enajenación, la indolencia y el ensimismamiento como barreras de defensa frente a la violencia cotidiana y los conflictos bélicos en curso;
- Reelaboración del absurdo como una herramienta para encubrir un sistema hostil y una convivencia en precario equilibrio;
- Retrato del fracaso de las utopías personales tras el derribamiento de las utopías colectivas;
- Imposición de una visión de mundo individual tributaria del zapping, del consumo y la insatisfacción;
- Carencia, desconfianza o improbabilidad de elaborar discursos o desarrollar sicologías;
- Retrato de comunidades atrofiadas en sus vínculos por el desarrollo tecnológico (en particular, por los medios audiovisuales, la comunicación virtual y la interacción digital); Fracaso en Occidente de un mundo civilizado libre de las pulsiones básicas, el abuso y la violencia

Cartelera:
Festival de Dramaturgia Europea Contemporánea.
Desde el jueves 21 de agosto al 5 de septiembre.
Semi-montajes:
Horario: 20.00 horas
Sedes: Goethe Institut (Esmeralda 650) y Centro Cultural de España (Providencia 927)
Lecturas dramatizadas:
Horario: 17.30 horasSede: Instituto Italiano de Cultura (Triana 843, Providencia)

Claves para el análisis de obra "Un roble", de Tim Crouch

Sesión 02
Invitados:
- Marcelo Alonso, protagonista
- Constanza Brieba, traductora
- Claudia di Girolamo, actriz invitada

Sobre la obra:
“Un roble” fue escrita, dirigida y protagonizada por el inglés Tim Crouch en el año 2005. Tuvo un preestreno en Alemania y luego ha cumplido temporada en Londres y Nueva York.
Las condiciones para llevarla a escena son inusuales: un actor o actriz es informado poco antes de la función de la estructura general del texto y, una vez en escena, debe seguir las indicaciones específicas que le susurra el protagonista, su único compañero de reparto.
La pieza se desarrolla a la manera de una rutina de hipnosis en la que el actor/actriz invitado/a toma parte como voluntario. La sesión está fechada en el futuro (un año después de que se lleva a cabo la representación) y es dirigida por un hipnotizador que ha perdido sus dotes.
Conforme avanzan las 8 escenas, se hace evidente que el vínculo que enlaza a los personajes es un accidente donde ha muerto una menor, que el hipnotizado es el padre de la víctima y el hipnotizador, el responsable de la colisión.
El primero ha recurrido aparentemente para procesar el duelo y dilucidar el acto de transferencia por el cual ha trocado a su hija muerta en un roble.
No obstante, el texto no entrega una lectura definitiva de la situación y la deja en un punto incierto, ya que la anécdota puede ser descifrada también como un contenido de la psiquis del hipnotizado que emerge durante la sesión.
El título de la obra alude a una mini instalación que en 1973 presentara el artista irlandés Michael Craig-Martin y que mostraba un vaso de agua arriba de una repisa, con un cartel que indicaba que allí se habían transportado las cualidades físicas de un roble.
Además de las indicaciones sobre la puesta en escena, el texto original detalla las composiciones que se escucharán durante la representación: el aria de las “Variaciones de Goldberg”, de Johann Sebastian Bach, y un fragmento de la cantata “Carmina Burana”, de Carl Orff (la primera parte del preludio: “O Fortuna”).
La actuación de Crouch en el montaje original fue premiada en el Festival de Teatro de Brighton, en 2006. En Nueva York y Londres han sido incorporados célebres actores como invitados. Entre ellos, Mike Myers (“Austin Powers”) y Frances McDormand (“Fargo”).

Sobre el autor:
Tim Crouch es actor, director y dramaturgo. Además de “Un roble” (“An oak tree”) ha montado y protagonizado “My arm”, “I, Caliban” y recientemente “England”.
En estos trabajos ha sellado un discurso que le otorga una valoración prioritaria al espectador. En su opinión, “el teatro sólo puede ser completado por el público” y “demasiado a menudo se ignora la implicación del espectador”, al que también considera autor.
En igual sentido, afirma que quienes “pueden cambiar el mundo son los espectadores, no los actores”. Con ese fin, sus creaciones ofrecen a la audiencia instancias de variado tipo: lecturas abiertas (“Un roble”) u objetos que luego se emplean en escena (“My arm”). El objetivo es permitir que cada uno “escriba” su propio montaje.
Respecto a “Un roble” ha dicho:
- “Lo que hago es contar historias. Cuando escribí esta obra, me interesaba cuestionar el poder del director en el teatro. Quería demostrar al público que había un camino distinto de representación”.
- “De algún modo, la estructura le indica a los actores que no hay nada que puedan hacer mal. No los encierra, sino les invita a confiar en las instrucciones que son visibles y audibles”.
- “La reflexión en torno al control es importantísima. En un montaje tradicional, está siempre difuminado a través de las instrucciones escondidas de la dirección. Y lo que el espectador ve es a un elenco siguiendo esas indicaciones. Por tanto, hay un truco que explica que uno crea en aquello que ve. En «Un roble», todas estas dinámicas se hacen visibles”.
- “La hipnosis es una metáfora. Soy un convencido de que en el teatro el público efectivamente está hipnotizado: creen en cosas que no son ciertas y que operan en el subconsciente. El hipnotizador de esta obra es una alegoría del artista por el hecho de trabajar con el poder de la sugestión. Es lo que hace cualquier creador. La historia es la muerte de una niña y lo que me interesa es la respuesta del intérprete a esta pérdida. Pienso que la metáfora traspasa a los personajes y queda como una idea. Uno es el artista y el otro no es el artista. Después del accidente, el artista pierde sus habilidades y el padre crea una obra de arte en el árbol”.
- “Siempre me preguntan si el próximo trabajo tendrá esta modalidad. Es un área que estoy investigando. Lo que me interesa es indagar en la reacción del espectador”.
(Citas correspondientes a entrevista concedida al diario La Segunda).

Sobre el montaje chileno:
La obra fue traducida al español el año 2007 por la directora chilena Constanza Brieba, quien conoció el trabajo de Tim Crouch en Londres junto a Alfredo Castro.
El texto tuvo una primera versión en formato de lectura dramatizada en el contexto del Festival de Dramaturgia Europea Contemporánea bajo dirección de Constanza Brieba.
El pasado viernes 8, Alfredo Castro estrenó una versión que protagoniza Marcelo Alonso. El listado de actores invitados incluye a Claudia di Girolamo, Amparo Noguera, Catalina Saavedra, Luis Gnecco, Néstor Cantillana y Rodrigo Pérez.
Durante agosto, la puesta ofrecerá una mini temporada de 6 funciones.

Conceptos asociados al montaje:
- Distanciamiento (o extrañamiento): Concepto acuñado por el teatro épico de Bertolt Brecht que apunta a distanciar la realidad representada en escena para que sea vista bajo una nueva perspectiva y se ponga de manifiesto un lado que hasta entonces ha permanecido oculto. Para este fin se emplean distintos componentes de la puesta en escena: la fábula, el decorado, la gestualidad, las interpelaciones al público, las canciones o la interpretación actoral (el actor no encarna al personaje: lo muestra, manteniéndolo a distancia). Según Brecht, “el efecto del distanciamiento transforma la actitud aprobadora del espectador basada en la identificación, en una actitud crítica… Una imagen distanciadora es una imagen hecha de tal modo que el objeto sea reconocible pero que al mismo tiempo le dé un aspecto extraño” (Pequeño Organon, 1963).
- Transferencia: Concepto de uso frecuente en la terapia psicoanalítica que alude a la proyección inconsciente que el paciente hace de sus complejos o conflictos (especialmente de la infancia) sobre el vínculo que establece con su terapeuta. Es usual que a este último se le identifique con alguna de las figuras parentales. El proceso de transferencia se desarrolla de modo intenso al inicio de la terapia y decanta conforme se avanza en el análisis. Los contenidos que se transfieren pueden ser de distinta naturaleza (hostiles, eróticos, etc).
- Hipnosis: Inducción de estado de trance individual o grupal que se lleva a cabo a través de técnicas verbales o no verbales de sugestión. Es usual que los sentidos de quien es hipnotizado se mantengan en estado de alerta, aunque no registre los comportamientos que lleva a cabo. Aparentemente, durante la hipnosis se produce una disolución de los contornos de la identidad del yo y la persona se identifica con la psique de quien le hipnotiza. Los estados hipnóticos o de trance son propios del éxtasis místico y se los sistematiza desde el antiguo Egipto. Su estudio en Occidente data del siglo XVIII cuando Franz Anton Mesmer aplicó estas técnicas para curar a numerosos pacientes con crisis de histeria, lo que se considera el primer acercamiento al inconsciente y antecedente del psicoanálisis. De hecho, hay quienes sostienen que la persona histérica se auto-hipnotiza inconscientemente y se sume en un estado somático determinado para evitar un conflicto interno.
- Texto sugerido: “Las bacantes”, de Eurípides.
- Película sugerida: “Solaris”, de Andrei Tarkovsky .

Cartelera:
“Un roble”.
Funciones: 21, 22, 29 y 30 de agosto a las 21.00 horas.
Teatro La Memoria. Bellavista 0503.
Reservas: 732 30 00.
Valor entradas público general: $7.000.
Convenio Escuela de Espectadores: $3.000**

Para hacer uso del convenio es requisito estar inscrito en la Escuela de Espectadores, hacer reservas previamente dado que los cupos son limitados y presentar en la boletería del teatro la tarjeta distribuida en la sesión del lunes 11 de agosto.

Entradas rebajadas para inscritos en Escuela de Espectadores

La obra “LA OMISION DE LA FAMILIA COLEMAN”, de Claudio Tolcachir, ofrecerá descuentos a los inscritos en la Escuela de Espectadores en las funciones de las 22.00 horas del martes 12 y miércoles 13 en la sala Mori Bellavista (Constitución 183. Fono: 7776246).
Las entradas tendrán un valor de $3.000 para quienes presenten la tarjeta distribuida en la sesión del 11 de agosto.
El análisis del montaje se incluye en el libro editado con las sesiones del primer ciclo.

"Un roble", de Tim Crouch, en nueva sesión de Escuela de Espectadores

La obra "Un roble", de Tim Crouch (en la imagen), será analizada en la sesión de la Escuela de Espectadores del lunes 11 de agosto.

De estructura atípica, la pieza ha sido estrenada en la sala La Memoria con dirección de Alfredo Castro y ofrecerá durante agosto una breve temporada.

La puesta es protagonizada por Marcelo Alonso, quien en cada función es acompañado por un actor o actriz invitado para tomar parte en una sesión de hipnosis teatral.

El original fue traducido al español por Constanza Brieba.

La sesión de análisis contará con la participación de Marcelo Alonso, Constanza Brieba y Claudia di Girolamo (una de las actrices invitadas en la temporada).

Lunes 11 de agosto.

19.30 horas.

Sala Lastarria 90.

Entrada liberada previa inscripción en:

escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.com

Claves para el análisis de "La pequeña historia de Chile"

Apuntes de la sesión del lunes 4 de agosto.

Invitado:
Marco Antonio de la Parra, dramaturgo

Sobre el texto:
La obra “La pequeña historia de Chile” fue escrita por Marco Antonio de la Parra en el año 1994. Fue seleccionada en la Muestra de Dramaturgia Nacional en 1996 y estrenada esa misma temporada por el Teatro Nacional con dirección de Raúl Osorio.
El texto muestra a un grupo de profesores en una zona incierta (acaso el purgatorio) pugnando por llevar a cabo una clase de historia en medio de trastos desperdigados, mapas extraviados y referentes clásicos desdibujados.
El Rector y sus cuatro colaboradores parecen condenados a persistir con la rutina escolar pese a la ausencia del alumnado.
En los comentarios que acompañan a la pieza original, el autor indica que los personajes “parecen más espectros que seres de carne y hueso. Se diría recuerdos deformados por el mal trato del olvido”.
Ello explica que en las 19 escenas que integran la obra se formulen citas recurrentes a los patrones clásicos de la instrucción pública local, como el empleo de tiza, pizarrón y pupitres o el ejercicio de pasar la lista.
En clave de sátira, farsa y absurdo, el texto configura progresivamente un espejo del modo en que la sociedad chilena enfoca la memoria colectiva. A la vez, rinde tributo al magisterio y retrata las condicionantes que deben enfrentar los llamado “profesores fiscales”.
Al desplazar la situación hacia un territorio no realista, la dramaturgia explora en una narrativa onírica en que se entrecruzan los delirios y pesadillas de los protagonistas.

Sobre el autor:
Marco Antonio de la Parra (1952) suma 30 años abocado a la dramaturgia. En ese período ha escrito cerca de 50 obras y se ha mostrado proclive a experimentar con las formas.
Estrenó sus primeras creaciones en 1978 (“Matatangos”, “Lo crudo, lo cocido y lo podrido’’) en paralelo a su ejercicio como médico psiquiatra. Desde entonces ha dado pie a una significativa producción literaria, no sólo teatral, y ha impulsado una variedad de iniciativas.
Su producción de tres décadas es posible parcelarla en cuatro campos temáticos:
- Revisión crítica de la historia local con recursos expresionistas, deformación del realismo y matices esperpénticos (“Lo crudo, lo cocido y lo podrido’’, “La pequeña historia de Chile’’).
- Reescritura de grandes mitos universales y de relatos de la cultura pop subvirtiendo cánones (“King Kong Palace’’) o apegándose a la narrativa del sueño (“Tristán e Isolda’’, “Ofelia o la madre muerta’’).
- Reubicación de los discursos y las escrituras que han modelado el pensamiento de Occidente en formatos fílmicos (“Dostoievski va a la playa’’), claves humorísticas (“La secreta obscenidad de cada día’’) o simbólicas (“Dios ha muerto’’).
- Retrato de los vaivenes que han seguido las relaciones de pareja –en particular, en la clase media – en un mundo en que se desdibuja la utopía del amor (“Infieles’’) merced a la traición de la memoria (“El continente negro’’).
En la última etapa conserva su interés por revisitar la historia, aunque desde el relato doméstico (“Las costureras’’) o poniendo en perspectiva íconos latinoamericanos (musical “Pancho Villa”). Junto a ello ha acrecentado el uso de la plataforma escénica como espacio para denostar los vicios de la sociedad del espectáculo (“La vida privada’’) o llamar la atención sobre el abandono infantil (“La cruzada de los niños’’).
De gran elocuencia y exacerbación verbal, el conjunto de su dramaturgia es ecléctico e híbrido. A causa de esto se le califica de postmoderno.

Sobre el montaje:
Las dos versiones que ha tenido “La pequeña historia de Chile” se han presentado en la sala Antonio Varas y han sido dirigidas por Raúl Osorio.
En 1996, el elenco lo integraron Sergio Aguirre, Gaby Hernández, Alex Zisis, Rebeca Ghigliotto y Pablo Macaya. En la puesta estrenada en junio de 2008, intervienen Blanca Mallol, Víctor Rojas, Nicolás Zárate, Rodrigo Muñoz-Medina y Priscila Huaico.
El actual montaje enfatiza el tono grotesco insinuado en el original de un país renuente a reconocerse en su historia y establece vínculos con el debate en torno a la calidad de la educación que se ha venido desarrollando.
Tácitamente contrasta además técnicas rudimentarias de instrucción que han sido objeto de una revisión crítica a partir de la incorporación de las nuevas tecnologías en las aulas.
La producción introduce pasajes musicales (composición: Patricio Solovera) y las actuaciones adoptan un estilo esperpéntico (según la terminología de Valle Inclán: es decir, una realidad excéntrica y distorsionada).

Claves de análisis:
- Vínculo de la obra con otras creaciones del autor
- Convención ideada por la dramaturgia (mundo onírico, absurdo, purgatorio) y la dirección (sátira, farsa)
- Metáfora o alegoría que ofrece el montaje respecto de la contingencia
- Estilo de actuación que adopta el elenco (farsa, esperpento)


Cartelera:
“La pequeña historia de Chile”.
Funciones: de jueves a sábado a las 20.00 horas.
Sala Antonio Varas. Morandé 25.
Reservas: 6961200.
Valor entradas: $6.000 y $3.000.
Convenio Escuela de Espectadores: $2.000*



* Para hacer uso del convenio es requisito estar inscrito en la Escuela de Espectadores y presentar en la boletería del teatro la tarjeta distribuida en la sesión del lunes 4 de agosto.

"La pequeña historia de Chile" abre nuevo ciclo de Escuela de Espectadores

Con la participación de la actriz Blanca Mallol, el director Raúl Osorio y el dramaturgo Marco Antonio de la Parra se abre el nuevo ciclo de la Escuela de Espectadores de Teatro el próximo lunes 4 de agosto.

La sesión estará dedicada a la obra "La pequeña historia de Chile" que se encuentra en cartelera en la sala Antonio Varas y abordará los distintos aspectos de la puesta en escena.

La Escuela de Espectadores es un programa de análisis y discusión de los espectáculos y lenguajes teatrales en que los responsables de cada creación abordan la trastienda del proceso artístico y se entregan claves de interpretación.

La sesión del lunes 11 de agosto estará dedicada a la obra "Un roble", del inglés Tim Crouch, y en ella intervendrán el director Alfredo Castro y el actor Marcelo Alonso.

Cada encuentro se desarrollará a las 19.30 horas en la sala Lastarria 90.

Invita: Minera Escondida

Nuevo ciclo de Escuela de Espectadores de Teatro a partir de agosto

La Escuela de Espectadores de Teatro realizará un nuevo ciclo a partir del mes de agosto.
Las sesiones serán semanales, se realizarán los días lunes a las 19.30 horas en la sala Lastarria 90 y estarán dedicadas a las obras que se encuentren en cartelera en las distintas salas de Santiago.
Desde ya se reciben inscripciones en el siguiente correo:
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es

O en el teléfono:
02-328 18 65
Cupos limitados.
El ciclo está dirigido a todo público y es gratuito.