ESCUELA DE ESPECTADORES DE TEATRO

Escuela de Espectadores vuelve en abril con nuevo ciclo, libro y extensión a regiones

2010-01-30T12:40:00.000-08:00

Tras la alta acogida de público e invitados del ciclo dedicado al Festival Santiago a Mil 2010, la Escuela de Espectadores anuncia la realización de una nueva serie de encuentros de análisis de obras a partir de abril en las salas Mori de Bellavista, Vitacura y Parque Arauco.

El nuevo ciclo estará orientado a todo público, aunque pondrá énfasis en su convocatoria en estudiantes universitarios, quienes tendrán rebaja de entradas. El detalle de la programación (fechas, horarios y obras a analizar) se dará a conocer durante ese mes.

Durante junio, se realizará una serie especial como parte del Festival de Dramaturgia Norteamericana Contemporánea en la sala Lastarria 90. Cada semana se comentarán los estrenos de textos de autores estadounidenses que serán parte de la muestra organizada por el Instituto Chileno Norteamericano.

Los veinte encuentros realizados durante enero en el marco de Santiago a Mil serán compilados en un libro que se presentará en el mes de septiembre. La publicación incluirá los análisis realizados junto a directores y compañías nacionales e internacionales de los montajes participantes en el festival que estuvieron presentes en la Escuela de Espectadores en los foros moderados a diario por Javier Ibacache y Soledad Lagos en el salón Antártica del hotel Crowne Plaza.

En el libro –que se distribuirá gratuitamente- se incluirán las intervenciones de Eva Yerbabuena, Daniel Veronese, Peter Pabst, Dominique Mercy, Jesusa Rodríguez, Liliana Felipe, Egon Wolff, Juan Radrigán, Nissim Sharim, Marco Antonio de la Parra, Gustavo Meza, Ramón Núñez, Ramón Griffero, Alejandro Goic, Patricia Rivadeneira, Rosa Ramírez, Raúl Osorio, Guillermo Calderón, Alexis Moreno, Manuela Infante, Luis Ureta, Alejandro Castillo, Francisco Sánchez, Trinidad González, Paula Zúñiga, Jorge Bécker, Luis Alarcón, Mauricio Pesutic, Francesca Lombardo y Luciano Cruz-Coke, entre otros.

El ciclo Escuela de Espectadores Santiago a Mil congregó a un total de 1800 asistentes, con una media de 90 personas por sesión durante los 20 encuentros que se realizaron de lunes a viernes entre el 4 y el 29 de enero.

Durante el segundo semestre de 2010, la Escuela de Espectadores realizará además sesiones de extensión en regiones y difundirá un estudio cualitativo de público de artes escénicas actualmente en curso.

La iniciativa cuenta con el auspicio de Minera Escondida a través de la Ley de Donaciones Culturales y es coproducida por el Teatro del Puente.

Los interesados en participar en los próximos ciclos de la Escuela de Espectadores y en recibir gratuitamente las publicaciones del proyecto, pueden escribir a:
info@escueladeespectadores.cl

En enero de 2010 vuelve Escuela de Espectadores Santiago a Mil

2009-12-17T18:57:00.000-08:00

Orientada a entregar a todo público herramientas de análisis y contenidos de apreciación teatral, la Escuela de Espectadores Santiago a Mil 2010 se realizará de lunes a viernes a partir del 4 de enero en el salón Antártica del Hotel Crowne Plaza (Alameda 136) a las 13.30 horas.
La serie de 20 encuentros – conducidos por el crítico Javier Ibacache, con la participación de la traductora y dramaturgista Soledad Lagos – estarán dedicados a las obras nacionales y extranjeras participantes del festival.
Cada día se comentarán aspectos de la dramaturgia y la puesta en escena junto a autores, directores e integrantes de las compañías y se privilegiará la reflexión en torno a la muestra especial “200 Años de Teatro Chileno”. En este contexto, se realizará una sesión especial con los reconocidos dramaturgos Juan Radrigán y Egon Wolff.
El público recibirá apuntes con pautas de análisis y –lo más importante- podrá contrastar con los invitados sus lecturas en torno a las creaciones.
Durante el ciclo se presentará además el libro compilatorio con las sesiones correspondientes a la temporada 2008 y al Festival Santiago a Mil 2009.
La Escuela de Espectadores es un programa de formación de audiencias y mediación cultural que se realiza con aportes de Minera Escondida gracias a la Ley de Donaciones Culturales, en co-producción con Teatro del Puente y Santiago a Mil.
Las inscripciones están abiertas a todo público y son gratuitas.
Pueden cursarse en info@escueladeespectadores.cl

Escuela de Espectadores Santiago a Mil.
Con:
Javier Ibacache (crítico de teatro y danza)
Soledad Lagos (investigadora, dramaturgista y traductora)

Lunes a viernes a las 13.30 horas.
Desde el 4 al 29 de enero de 2010.
Sesión jueves 7 con Tanztheater Wuppertal: 14.30 horas.
Salón Antártica / Hotel Crowne Plaza / Alameda 136.
Entrada liberada.

Inscripción: info@escueladeespectadores.cl
Programación día a día en: www.escueladeespectadores.cl

Presentación de libro “Escuela de Espectadores 2008-2009”
Jueves 21 de enero a las 11.30 horas / Salón Antártica. Hotel Crowne Plaza.

ESCUELA DE ESPECTADORES LLEGA A RADIO COOPERATIVA

2009-08-08T14:24:00.000-07:00

Tras posicionarse como espacio de análisis de los distintos componentes de las artes escénicas, la Escuela de Espectadores se emitirá semanalmente a partir del sábado 22 de agosto a través de radio Cooperativa.
La iniciativa resultó ganadora en el concurso del Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y de las Artes, Fondart, en la línea de Comunicación y Extensión y recibió $23.275.544 para debutar en el formato radial.
La serie de 12 programas se grabará con público en el Teatro del Puente y se emitirá en diferecto los sábados a las 22.00 horas.
Cada edición estará dedicada al análisis de montajes de teatro, danza y ópera que se presenten en cartelera, entregando contenidos que faciliten la apreciación de las obras entre espectadores y oyentes.
La conducción estará a cargo del crítico de teatro y danza Javier Ibacache e incorporará como panelistas estables a la investigadora y dramaturgista Soledad Lagos y a la periodista y crítica de ballet, Carmen Gloria Larenas.
La primera edición estará al aire el sábado 22 de agosto a las 22.00 horas y tendrá como invitados a Amparo Noguera y Marcelo Alonso para comentar la obra “Cara de fuego”, de Marius Von Mayemburg, actualmente en cartelera.
Con la llegada a la radio, la iniciativa ampliará su cobertura a regiones y se estima que será escuchada por 20 mil auditores, de acuerdo al posicionamiento de radio Cooperativa en ese horario.
Las emisiones de una hora de duración se apoyarán a lo largo de la temporada en el diálogo con autores, directores, coreógrafos e intérpretes invitados, y acogerán las interrogantes que plantee la audiencia en la sala o a través del correo electrónico.
Los auditores que deseen asistir al espacio –que será pregrabado- deberán enviar un correo electrónico a:
info@escueladeespectadores.cl
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es

El programa recreará un estudio de radio de acuerdo a la propuesta de diseño elaborada por Claudia Yolin (“Narciso”, “Cristo”) y contará con una banda sonora compuesta especialmente por Angela Acuña (“Geografía del deseo”).
La iniciativa se complementará con un sitio web interactivo (www.escueladeespectadores.cl) que acogerá el actual blog del proyecto.
Las emisiones estarán disponibles además en el sitio www.cooperativa.cl

EN JUNIO PARTE ESCUELA DE ESPECTADORES DE CINE DOCUMENTAL

2009-05-27T22:07:00.000-07:00

Tras la favorable acogida que encontrara el año pasado, el próximo 10 de junio parte la segunda versión de la Escuela de Espectadores de Cine Documental.

Concebida como un programa de análisis y discusión de los distintos lenguajes, estilos y contenidos de las creaciones pertenecientes al género, la iniciativa formará parte del Festival Internacional de Documentales de Santiago, FIDOCS 2009, y se realizará en la sala Lastarria 90 cada día a las 13.30 horas.

Bajo el formato de sesiones unitarias gratuitas y dirigidas a todo público, la serie se propone entregar herramientas necesarias para ampliar la lectura, comprensión y valoración de una selección de producciones nacionales que han sido premiadas en la muestra, con la participación de directores y equipos de realización.

La moderación de los encuentros estará a cargo de Javier Ibacache (gestor de la Escuela de Espectadores de Teatro y de la Escuela de Espectadores de Danza) y Pamela Pequeño (realizadora, investigadora y profesora universitaria especializada en el género), quienes propondrán a los/as asistentes lecturas posibles de las realizaciones que se analicen.

Además de la entrega de apuntes y material escrito, los encuentros se complementarán con la proyección de sinopsis y la intervención de los realizadores y directores nacionales, a quienes se les interrogará en un diálogo abierto con el propósito de indagar y profundizar en sus propuestas.

El programa contempla la participación de Juan Diego Spoerer por “La sombra de don Roberto” (Gran Premio FIDOCS 2007), Cristóbal Vicente por “Arcana” (Gran Premio FIDOCS 2006), Jaime Díaz por “La revolución de los pingüinos” (Gran Premio FIDOCS 2008) y Sebastián Moreno por “La ciudad de los fotógrafos” (Mención Especial FIDOCS 2006).

Las realizaciones que se analizarán en cada encuentro serán parte de la programación de FIDOCS 2009 y se proyectarán un día antes de la sesión de análisis en la misma sala.

PROGRAMACIÓN JUNIO

Miércoles 10:

Invitado: Juan Diego Spoerer, director de “La sombra de don Roberto” (Gran Premio FIDOCS 2007).

Sala Lastarria 90, 13.30 horas.

Entrada liberada.

Su película será exhibida a público el martes 9, a las 15.30 horas, en Lastarria 90.

Jueves 11:

Invitado: Sebastián Moreno, director de “La ciudad de los fotógrafos” (Mención Especial FIDOCS 2006).

Sala Lastarria 90, 13.30 horas.

Entrada liberada.

Su película será exhibida a público el miércoles 10, a las 15.30 horas, en Lastarria 90.

Viernes 12:

Invitado: Cristóbal Vicente, director de “Arcana” (Gran Premio FIDOCS 2006).

Sala Lastarria 90, 13.30 horas.

Entrada liberada.

Su película será exhibida a público el jueves 11, a las 15.30 horas, en Lastarria 90.

Sábado 13:

Invitado: Jaime Díaz, director de “La revolución de los pingüinos” (Gran Premio FIDOCS 2008)

Sala Lastarria 90, 13.30 horas.

Entrada liberada.

Su película será exhibida a público el viernes 12, a las 15.30 horas, en Lastarria 90.

INSCRIPCIONES:

Las inscripciones son gratuitas y pueden cursarse en el correo:

escueladeespectadoresfidocs@yahoo.es

O a través del grupo:

Escuela de Espectadores de Cine Documental en Facebook.

CON CICLO SOBRE DRAMATURGIA NORTEAMERICANA VUELVE ESCUELA DE ESPECTADORES EN MAYO

2009-04-18T19:14:00.000-07:00

Con un ciclo dedicado a cuatro obras de autores norteamericanos vuelve a partir del viernes 8 de mayo la Escuela de Espectadores de Teatro, programa de discusión y análisis de las creaciones escénicas que se ofrece en forma gratuita a todo público.

La serie de encuentros se desarrollará en el contexto del Segundo Festival de Dramaturgia Norteamericana Contemporánea que organiza el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura, con la participación de los directores y las compañías que intervienen en la muestra, la conducción del crítico Javier Ibacache y la intervención de la traductora y dramaturgista Soledad Lagos.

Las sesiones se llevarán a cabo cada viernes del mes de mayo a las 13.30 horas en la sala Lastarria 90.

El ciclo se reforzará con la publicación de un fanzine sobre dramaturgia norteamericana y claves de análisis de los textos programados en el festival. Las inscripciones pueden cursarse desde ya.

PROGRAMA DE MAYO DE 2009:

- Viernes 8: Análisis de "La forma de las cosas", de Neil LaBute, con Paz Martínez y elenco de compañía Teatro Artefacto.

- Viernes 15: Análisis de "Tacos aguja", de Theresa Rebeck, con Rodrigo Cabello y elenco de compañía La Furia.

- Viernes 22: Análisis de "La casa del sí", de Wendy MacLeod, con Alexandra von Hummel y elenco de compañía La María.

- Viernes 29: Análisis de "La casa limpia", de Sarah Ruhl, con Claudio Fuente y elenco de compañía La Fulana Teatro.

Las obras se estarán presentando en la misma sala de miércoles a sábado a las 20.00 y los domingos a las 19.00 horas.

HORARIO: 13.30 horas.

LUGAR: Sala Lastarria 90.

INSCRIPCIONES en el 02-677 71 87 o en el correo escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es

ENTRADA LIBERADA

Programa de enero de 2009

2008-12-30T20:04:00.000-08:00

Ciclo Santiago a Mil

Del 05 al 23 de Enero
Horario:
Lunes a viernes a las 13.30 horas
Sede:
Sala Lastarria 90
Entrada liberada previa inscripción en:

escueladeespectadores@stgoamil.cl

escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es

Lunes 5:
Montaje:
- “Norte”, de compañía RKO Fábrica de Sueños
Invitados:
- Víctor Carrasco, director
- Elenco
Martes 6:
Montaje:
- “Körper”, de Sasha Waltz & Guests (Alemania)
Invitado:
- Jochen Sandig, director artístico
Miércoles 7:
Montaje:
- “El cuarto de Isabella”, de Needcompany (Bélgica)
Invitados:
- Jan Lauwers, director
- Viviane de Muynck, primera actriz
Jueves 8:
Montaje:
- “Agustinian Melody”, de compañía Raffaello Sanzio (Italia)
Invitados:
- Scott Gibbons, músico
- Chiara Guiddi, directora
Viernes 9:
Montajes:
- “Mi mundo patria”, de compañía Territorio Particular (Chile)
- “Simulacro”, de compañía La Re-Sentida (Chile)
- “Partido”, de Thomas Bernhard (Chile)
Invitados:
- Andrea Giadach, autora y directora de “Mi mundo patria”
- Marco Layera, director de “Simulacro”
- Cristián Plana, director de “Partido”
Lunes 12:
Montaje:
- “Viento blanco”, ópera (Chile)
Invitados:
- Sebastián Errázuriz, compositor
- Rodrigo Claro, reggie
Martes 13:
Montajes:
- “Medea and its double”, de Seoul Factory for the Performings Arts (Corea)
- “Eyes”, de Milmul Modern Dance Company (Corea)
- “Binari”, de compañía Dulsori (Corea)
Invitados:
- Hyoung-Taek Limb, director de “Medea and its double”
- Shin Jong Chul, director de “Eyes”
- Kaphyun Moon, director de “Binari”
Miércoles 14:
Montaje:
- “Tercer cuerpo” (Argentina)
Invitados:
- Claudio Tolcachir, autor y director
- Elenco
Viernes 16:
Montaje:
- “La orgía de la tolerancia”, de Truobleyn-Fabre (Bélgica)
Invitados:
- Jan Fabre, autor y director
- Elenco
Lunes 19:
Montajes:
- “Hamlet”, de compañía Meno Fortas (Lituania)
Invitado:
- Andrius Mamontovas, protagonista
Martes 20:
Montaje:
- “Apoteosis final: BBB-UP” (Chile)
Invitados:
- Paulina García, autora y directora
- Elenco
Miércoles 21:
Montaje:
- “Chile Bi-200”, de compañía Teatro de Fin de Siglo (Chile)
Invitados:
- Ramón Griffero, autor y director
- Elenco
Jueves 22:
Montajes:
- “Diciembre” y “Clase” (Chile)
- “La chancha” y “Niñas araña” (Chile)
Invitados:
- Guillermo Calderón, autor de “Diciembre” y “Clase”
- Luis Barrales, autor de “La chancha” y “Niñas araña”
Viernes 23:
Montajes:
- “Orbis Vitae”, de Fura dels Baus (España)
- “Las pesadillas de Tony Travolta”, de La Gran Reyneta (Chile-Francia)
Invitados:
- Pep Gatell, director de Fura dels Baus
- Marcela Paz, actriz de La Gran Reyneta

Importante:
Los contenidos y el registro de audio de las sesiones estarán disponibles en:
http://escueladeespectadoresdeteatro.blogspot.com/
CONFERENCIA
Jueves 15
12.00 horas
“Qué significa hoy ser un Festival Internacional: conceptos y desafíos”
Presentación a cargo de Jonathan Mills, director de Festival de Edimburgo (Reino Unido)
Comentan: Rubén Szuchmacher, director de Festival de Buenos Aires (Argentina), Gerardo Kleinburg, director de Festival Cervantino (México), y Frie Leysen, Directora Festival Der Welt (Alemania).
“Camino a los 200 años del teatro chileno”
Participan: Carmen Romero, directora Festival Santiago a Mil; Javier Ibacache, Soledad Lagos y directores chilenos.

En enero vuelve Escuela de Espectadores de Teatro con ciclo dedicado a Santiago a Mil

2008-12-21T13:18:00.000-08:00

Directores y elencos nacionales y extranjeros participarán en el nuevo ciclo de la Escuela de Espectadores de Teatro que se realizará a partir del 5 de enero en Lastarria 90 como programa especial del Festival Internacional Santiago a Mil.

La serie de análisis y discusión de los montajes estará abierta en forma gratuita a todo público —previa inscripción— y se llevará a cabo de lunes a viernes a las 13.30 horas con la conducción y moderación del crítico teatral Javier Ibacache y la investigadora y dramaturgista Soledad Lagos.

Se realizarán 14 sesiones que abordarán las principales tendencias en curso en las artes escénicas a partir de los montajes que integran el programa del festival.

Entre los invitados internacionales se cuenta la compañía de Sasha Waltz. También asistirán los belgas Jan Fabre (“La orgía de la tolerancia”) y Jan Lauwers de la Needcompany (“El cuarto de Isabella”), el argentino Claudio Tolcachir y su grupo Timbre 4 (“Tercer cuerpo”, “La omisión de la familia Coleman”), los italianos de Rafaello Sanzio (“Agustinian Melody), el elenco de la versión lituana de “Hamlet”, el director Pep Gatell de la Fura dels Baus (“Orbis Vitae”) y las compañías procedentes de Corea.

El listado de montajes chilenos que serán objeto de análisis lo integran “Norte” (Víctor Carrasco), “Chile Bi” (Ramón Griffero), “Apoteosis final: BBB UP” (Paulina García), “Diciembre” (Guillermo Calderón), “Niñas araña” (Luis Barrales), “Las pesadillas de Tony Travolta” (La Gran Reyneta), “Mi mundo Patria” (Andrea Giadach), “Simulacro” (Marco Layera) y “Partido” (Cristián Plana). También se abordará la ópera “Viento blanco”, con la participación de Sebastián Errázuriz y Rodrigo Claro.

Los asistentes recibirán apuntes de apreciación teatral y el registro de audio podrá consultarse en http://escueladeespectadoresdeteatro.blogspot.com/.

El ciclo cuenta con el auspicio de Minera Escondida (operada por BHP Billiton) y es coproducido por el Festival Internacional Santiago a Mil.

Del 05 al 23 enero.
De Lunes a Viernes.
13.30 horas.
Lastarria 90.

Las inscripciones podrán cursarse escribiendo a los correos:
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es
escueladeespectadores@stgoamil.cl

Escuela de Espectadores de Teatro cierra ciclo 2008 con "Domus Aurea"

2008-11-11T19:25:00.000-08:00

La última sesión 2008 de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada al análisis del montaje "Domus Aurea", de Raúl Miranda y la compañía Minimale, que se presenta actualmente en el Salón Blanco del Museo de Bellas Artes.

Invitados:
Raúl Miranda
Iñigo Urrutia
Eduardo Paxeco

Lunes 17 de noviembre.
19.30 horas.
Teatro del Puente.

Entrada liberada.
Inscripciones:
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es

"Una relación pornográfica" y "Filóctetes" en nueva sesión de Escuela de Espectadores

2008-11-04T11:55:00.001-08:00

La sesión 15 de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada al análisis de las obras "Una relación pornográfica" (en cartelera en la sala San Ginés Chucre Manzur) y "Filóctetes" (que se repondrá en enero como parte de Santiago a Mil).

Invitados:
- Heidrun Breier
- Daniel Muñoz
- Paulo Meza

Lunes 10 de noviembre.
19.30 horas.
Teatro del Puente.
Entrada liberada.

Inscripciones:
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es

Claves para el análisis de "Lágrimas, Celos y Dudas"

2008-11-04T11:46:00.001-08:00

Montaje: “Lágrimas, Celos y Dudas”

Invitadas:
- Marcela Salinas (Lágrimas)
- Manuela Oyarzún (Celos)
- María Paz Grandjean (Dudas)

Sobre el montaje
En una línea que se aparta significativamente de lo que ofrece la cartelera santiaguina, “Lágrimas, Celos y Dudas” propone un viaje hacia las baladas románticas y melodramáticas que a fines de los ‘70 y buena parte de los ‘80 se popularizaran en la voz de intérpretes latinas.
El montaje está concebido como un show que revisa el repertorio de un trío ficticio surgido en 1980, de acuerdo a una biografía publicada en la web.
Además de cinco discos, el grupo exhibe a manera de trofeos una Gaviota de Oro del Festival de Viña del Mar y un Quíntuple Cassette de Oro, emulando los tributos que en el medio reportan valoración, estatus o prestigio.
Sus integrantes —Lágrimas (Marcela Salinas), Celos (Manuela Oyarzún) y Dudas (María Paz Grandjean)— son una variante de las cantantes hispanoparlantes que acuñaran un discurso adolorido, trágico y a ratos cursi sobre los vínculos de pareja, en particular en torno al abandono, el desamor y el endiosamiento del masculino.
La estética y el estilo de interpretación sintetizan los modos de Rocío Jurado, Mari Trini, Angela Carrasco, Amanda Miguel, Paloma San Basilio, Daniela Romo, Yuri y Pandora, entre otras, de quienes se recrean los títulos más conocidos.
Las actrices han realizado un intenso coaching junto al fonoaudiólogo y profesor de canto Ricardo Alvarez, quien las ha preparado para enfrentar el género, armonizar la disparidad vocal e interpretar en vivo una veintena de canciones con el acompañamiento de Marcello Martínez.
En la práctica, el público es involucrado desde el ingreso a la sala en la convención del show.

Citas al contexto
La puesta emplaza a un costado cuatro pequeños monitores, donde se proyectan las imágenes que contextualizan la época y aportan claves para entender que en paralelo al brillo del vestuario, las hombreras, las chasquillas lacadas y el colorido maquillaje del trío transcurre la historia de un país que, de alguna manera, la balada difumina.
Entre los registros se cuenta la aplaudida llegada de Augusto Pinochet a la Quinta Vergara en febrero de 1975, en mitad de una jornada del Festival de Viña del Mar, cuando recibe un espontáneo homenaje.
También se escuchan audios de transmisiones radiales de la época: tandas publicitarias, jingles, relatos deportivos y una proclama del Frente Patriótico Manuel Rodríguez.
Estos materiales operan en el contexto como complementos silenciosos y contrastan con los contenidos de las canciones, volcadas a la vivencia íntima de mujeres enamoradas, traicionadas o insatisfechas.

El repertorio
El atractivo del montaje se sustenta en las interpretaciones en vivo que llevan a cabo las tres actrices, teatralizadas en más de un caso y exacerbadas gestualmente para hacer evidentes las citas.
El registro de Manuela Oyarzún encuentra en Amanda Miguel una adecuada correspondencia y entrega una inspirada recreación de “El me mintió”. También revitaliza y dota de humor la sorprendente “Yo no soy esa”, de Mari Trini.
María Paz Grandjean tiene a cargo uno de los momentos que remueve a la platea con “Paloma infiel”, de Paloma San Basilio, que en algunas funciones es coreada, además de versiones de temas de Daniela Romo.
Marcela Salinas se aproxima a la ejecución de una baladista gracias a sus dotes de cantante que la llevan a protagonizar uno de los puntos altos del show con “Ese hombre”.

Fragmentos de un discurso amoroso
Tras apelar al imaginario en que permanecen intactas las letras, el recorrido por el repertorio del trío (incluida una incursión en solitario de Dudas) deriva en un desenlace sombrío, que parece sugerir el ocaso de un modo de expresión del femenino.
Aun así, el espectáculo reinstala un tópico de tantas aristas como las que Roland Barthes sistematizó en “Fragmentos de un discurso amoroso” a fines de los 70, cuando estas canciones e intérpretes comenzaban a hacer carne en el país.

Claves para el análisis:
- La condición de la mujer en la balada romántica.
- Melodrama y cantantes latinas.
- Contraste entre actrices y cantantes.
- Discurso romántico versus discurso político.
- Género musical.

"Lágrimas, Celos y Dudas" llegan a la Escuela de Espectadores

2008-10-30T08:12:00.000-07:00

La sesión número 14 de la Escuela de Espectadores de Teatro estará destinada a comentar y analizar el montaje musical "Lágrimas, Celos y Dudas" que se presenta en la sala Mori Bellavista.

La puesta revisa la balada femenina y el cancionero romántico de fines de los 70 y comienzos de los 80.

Invitadas:

Marcela Salinas (Lágrimas)

Manuela Oyarzún (Celos)

María Paz Grandjean (Dudas)

Lunes 03 de noviembre.

A las 19.30 horas.

Teatro del Puente.

Entrada liberada.

Inscripciones:

escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es

Claves sobre "Readymade baby": teatro para menores de 3 años

2008-10-30T08:02:00.001-07:00

Montaje: “Readymade baby”, de Karstein Solli
Invitados: Karstein Solli, director del montaje, y Maybritt Jensen, responsable de registro e investigación.

Sobre el montaje:
“Readymade baby” forma parte de un programa de formación de público que se centra en niños de 0 a 3 años de edad.
El montaje tiene una duración de 30 minutos y emplea recursos del teatro, la danza y la performance para interpelar cara a cara al público que forman los menores y sus padres (o los adultos que los acompañan).
Las presentaciones resaltan la cercanía y exhiben un marcado carácter lúdico a fin de generar la atmósfera adecuada para cautivar a los mini-espectadores.
La escena es una gran sala blanca sobre la cual se han distribuido coloridos elementos de uso cotidiano, cuyo tamaño en algunos casos ha sido alterado.
Una serie de paraguas de color naranjo comparten lugar con un coche, una alfombra roja circular, mullidos botines verdes y megáfonos, entre otros objetos diseñados especialmente para el espectáculo.
Tres intérpretes visten indumentarias también coloridas (verdes, celestes y a rayas) que emulan los pijamas y las prendas de los recién nacidos.
Son ellos quienes interactúan con los elementos siguiendo una coreografía que reproduce la sorpresa de todo niño al descubrir las posibilidades de movimiento del cuerpo: saltan, se aquietan, se apegan a la superficie, mientras cantan o modulan juegos vocales con el apoyo de los megáfonos. También ejecutan instrumentos, realizan efectos sonoros con un micrófono de mano y demuestran un afinado registro lírico.
Las escenas se suceden con el ritmo adecuado para atrapar la atención de los pequeños. Los bebés de meses se muestran cautivados por los desplazamientos y los colores; los niños de mayor edad se prestan al juego de sorpresas, se reconocen en algunos elementos y se arriesgan a entrar a escena.
La convención que establece el montaje permite al mismo tiempo confrontar a los padres y a los adultos con el control que ejercen sobre los menores en un espacio público y en el primer acercamiento a una experiencia estética.
El montaje resalta las dinámicas que se ponen en juego en la percepción de las obras o elementos del entorno y el contexto en que pueden adquirir un estatus artístico. En este sentido, toma como referente el concepto de ready-made acuñado por el artista franco-americano Marcel Duchamp.
La expresión puede traducirse como “lo ya visto” y se vincula con la conceptualización de “objeto encontrado” del surrealismo.
Es resultado de un acto practicado por Duchamp en 1915, cuando comenzó a titular de modo artístico objetos producidos industrialmente con una mínima o ninguna intervención porque, en sus palabras, “arte es lo que se denomina arte”. Por ende, lo puede ser cualquier cosa.
Los primeros ready-made fueron una rueda de bicicleta y el célebre urinario con que Duchamp (“La fuente”, 1917) provocó a la crítica al poner en crisis las categorías estéticas.
En el montaje, los mini-espectadores parecen cuestionar la forma habitual de mirar el arte, al igual que Duchamp.

Sobre Karstein Solli
Director, académico, coreógrafo y performancista noruego. Ganador del Premio de la Asociación de Críticos de Noruega.
Realizó sus estudios en la Escuela de Jacques Le Coq en Francia. También en la Desmond Jones School of Mime, de Londres, y en la Escuela Nacional de Teatro de Amsterdan.
En la actualidad, es Director del Departamento de Entrenamiento Teatral de la Academia de Teatro Figurativo de Noruega.
Participa en el programa Glitterbird de la Comunidad Europea, que se orienta a la formación de público de 0 a 3 años, y en el proyecto de danza Isadora Duncan, dirigido a niños y adolescentes.
Ha presentado sus espectáculos en Alemania, España, Italia, Francia, Dinamarca, Finlandia, Brasil, Hungría y Estados Unidos.
Sus propuestas artísticas son difíciles de clasificar y trabajan con recursos de la danza, el teatro, la música y la perfomance.

Sobre Maybritt Jensen
Master en Teatro y Filosofía por la Universidad de Oslo, Noruega. Especializada en teatro físico y circo. Participa en “Readymade baby” como encargada de registro e investigación a partir de una serie de encuestas que se aplican entre quienes asisten.

Ficha técnica
Concepto y coreografía: Karstein Solli.
Intérpretes: Marianne Skjeldal y Beata Kretcocicova Iden.
Música y composición de sonidos: Oyestein Elle.
Vestuarios: Ebba Johansson.
Escenografía: Stephan Ostensen.
Co-productor de América del Sur: Vitor Truzzi.

Claves para el análisis:
- Teatro familiar / Teatro infantil
- Percepción y experiencia estética
- Ready-made Control y categorizaciones estéticas

Teatro para menores de 3 años en Escuela de Espectadores

2008-10-21T20:20:00.000-07:00

La sesión número 13 de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada al análisis del montaje "Readymade baby", del director noruego Karstein Solli, que se presentará durante el fin de semana en la sala Finis Terrae.

De inusual concepción, la puesta está orientada a formar espectadores entre 0 a 3 años y es parte del proyecto Glitterbird de la Comunidad Europea que apunta a la creación de nuevas audiencias.

Invitados:
Karstein Sollis y compañía.

Lunes 27.
A las 19.30 horas
Teatro del Puente.
Entrada liberada.

Inscripciones:
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es

Claves para el análisis de "La muerte de un vendedor"

2008-10-21T20:14:00.001-07:00

Obra: “La muerte de un vendedor”, de Arthur Miller. Dirección de Raúl Osorio.

Sobre la dramaturgia norteamericana:
Existe unanimidad entre los especialistas en literatura de habla inglesa, que la dramaturgia norteamericana se desarrolló tardíamente en relación a la narrativa y la poesía.
Aun así, se reconocen factores decisivos para su consolidación en los primeros años del siglo pasado:
· La influencia del naturalismo y de las piezas de Ibsen y Chéjov.
· El impulso que diera el autor, actor y empresario David Belasco (1853-1931) a producciones de corte realista, con la configuración de escenografías y ambientaciones ad hoc.
· El trabajo del director Arthur Hopkins que también avanzó en el ideal de una puesta realista y en el trabajo con los actores.
· La difusión del Método de Interpretación de Constantin Stanislavsky (desarrollado por la compañía Teatro de Arte de Rusia) que a mediados del siglo XX se sistematizaría gracias a la labor de Lee Strasberg (1901-1982) y la apertura en Nueva York del Actor’s Studio.
· La fundación del Taller 47 en la Universidad de Harvard en 1905 a instancias de George Pierce Baker que acogió cursos de dramaturgia elemental y avanzada y que se adoptó como modelo en otras instituciones universitarias del país.
· La apertura de pequeños teatros. El primero de ellos comenzó a operar en 1914 en la trastienda de una librería del Washington Square en New York, donde se montó un escenario. Fue el germen de los “Washington Square Players” hasta trasladarse a Broadway. Similar modelo operó en Provincetown, Massachussets (el “Teatro del Muelle”). Estos proyectos alentaron la formación de elencos y de un movimiento de aficionados en los 20 y 30, donde estrenaron las figuras insignes de la dramaturgia antes de pasar a Broadway (como Eugene O’Neill). También permitieron ensayar estructuras que rompían con los convencionalismos formales, constatar que existía una audiencia potencial para el teatro y tentar a novelistas y poetas a probar suerte en la escritura dramática.

Sobre los grandes autores teatrales de Norteamérica:
La gran renovación del teatro norteamericano vino de la mano de Eugene O’Neill (1888-1953), de influencias simbolistas, expresionistas e ibsenianas. Ganó el Premio Nobel de Literatura y 4 veces el Pulitzer
Su enfoque sobre la acción dramática está en línea con Strindbeg, Chéjov e Ibsen, como se constata en “Largo viaje del día hacia la noche”.
Arthur Miller (1915-2005) ensayó también con las estructuras y la inserción de contrapuntos en escena, aunque su gran aporte fue la escenificación arquetípica del sueño americano en “La muerte de un vendedor viajero” y la fuerte crítica social a la persecución política en “Las brujas de Salem” y en “Una mirada desde el puente” que le reportaron el título de “conciencia social de Norteamérica”.
Tennessee Williams (1911-1983) es postulado junto a Miller como la figura mayor de la escritura teatral estadounidense. Su estilo osciló entre el realismo y altas cuotas de lirismo y dio voz a los inadaptados, perdedores, marginados y desamparados en piezas como “Un tranvía llamado deseo” y “La gata sobre el tejado caliente”, donde además asoman las pulsiones sexuales como un territorio a descubrir.
El diálogo de estos autores con el cine (en especial Miller y Williams) siguió un curso y fuerza paralelos al ser parte del sistema y desarrollar vínculos con figuras relevantes en Hollywood que se tradujo en el período dorado de los 50.
El relevo de esta herencia en las generaciones más recientes se atribuye a Edward Albee (1928), el implacable autor de “Quién le teme a Virginia Woolf?” y “Tres mujeres altas”; David Mamet (1947), ligado estrechamente al cine y al nuevo realismo en los 70 gracias a “Búfalo americano”, un título que indaga en el lado sombrío del sueño americano, como también lo consigue “Glengarry Glen Ross” en los ’80 y “Oleanna”, en los 90, frente al discurso políticamente correcto; Sam Shepard (1943), guionista de cine (“Paris, Texas”), actor y músico, además de dramaturgo, que emplea la sátira, el absurdo, argumentaciones oblicuas, personajes desencantados y elementos de la cultura contemporánea y de los géneros visuales en títulos como “Niños enterrados” y “Locos de amor”.
Las historiografías más recientes han apostado además por rescatar a las llamadas “madres del teatro norteamericano” y han redescubierto a Louisa Medina, Charlotte Barnes y Anna Cora Mowatt.

Sobre “La muerte de un vendedor” en versión del Teatro Nacional:
Calificada como “la obra del siglo XX” en la votación que organizara el Royal National Theatre, “La muerte de un vendedor viajero” se presenta en la sala Antonio Varas en una producción del Teatro Nacional Chileno bajo la dirección de Raúl Osorio.
La pieza se escenifica con el título de “La muerte de un vendedor” y su puesta en escena es resultado de la gestión del protagonista, Oscar Hernández, quien adquiriera los derechos de representación para Chile.
El texto se estrenó en Filadelfia en 1949 y obtuvo los premios Pulitzer de Teatro y del Círculo de Críticos de Teatro de Nueva York. Un año después fue montada en Santiago por el Teatro Experimental de la Universidad de Chile.
En ella se pesquisan referentes biográficos por el paralelo del protagonista, Willy Loman, con el padre del autor, un inmigrante vienés que se estableció en Norteamérica con una fábrica de abrigos, pero que terminó en la ruina a causa de la Gran Depresión.

Loman se ha convertido con el tiempo en un arquetipo o paradigma de las fisuras del sueño americano a partir de su oficio de vendedor viajero.
La pieza lo presenta como un fracasado en el trabajo que intenta erigirse en modelo ciudadano al interior de su familia, pero que deriva en víctima trágica de la utopía fallida, forzado a sacrificar su vida para que el grupo familiar cobre un seguro y pague las deudas.
La escritura resultó particularmente innovadora en su momento por el uso de elipsis y la superposición de planos que desentrañan los fantasmas del personaje, quien transita por los niveles del cotidiano y pronto salta a la dimensión de sus pesadillas.
Llevada a escena en medio del actual derrumbe que experimentan los sistemas económicos de Norteamérica y Europa, el texto recobra su capacidad de interpelación, retrata con agudeza las dinámicas de especulación que rondan a la caída de Wall Street y ofrece nuevas aristas sobre el complejo vínculo que enlaza a Loman con sus hijos (Biff y Happy), como si el autor se hubiera anticipado también a la crisis actual del poder masculino.
La dirección se apoya en la escenografía de Pablo Núñez, una estructura metálica de distintos niveles que sirve como soporte a todas las situaciones, e introduce las notas musicales compuestas por Patricio Solovera.
Respetuoso del original, el montaje tiene una duración de 2 horas y 20 minutos.
El elenco lo integran Oscar Hernández (Willy Loman), Carmen Disa Gutiérrez (Linda),
Ignacio Hurtado (Biff, el hijo mayor), Nicolás Pavez (Happy, el hijo menor), Hugo Medina (Tío Ben), Eduardo Soto (Stanley), Marcela Solervicens (Jenny y Letta), Javiera Osorio (Srta. Forsythe), Pablo Teillier (Howard), Luis Wigdorsky (Charley), Luis Wigdorsky hijo (Bernardo) y Cecilia Cucurella (la Mujer).

Sobre la versión del Teatro Experimental de 1950:
El Teatro Experimental de la Universidad de Chile estrenó en 1950 la pieza de Arthur Miller bajo el título de “La muerte de un vendedor (conversaciones privadas en dos actos y un réquiem)”.
La dirección estuvo a cargo de Agustín Siré.
Emilio Martínez asumió el rol protagónico de Willy Loman en un elenco que integraron Anita del Valle (Betty), Domingo Tessier (Biff), Rubén Sotoconil (Happy), Eugenio Guzmán y Bernardo Trumper (Bernardo), María Cánepa (La Mujer), Roberto Parada (Charley), Jorge Lillo (Tío Ben), Pedro Orthous (Howard), Vidia Arredondo (Jenny), Carlos García (Stanley), Flavio Candia ( El Mozo), Coca Melnick (Srta. Forsythe) y María Teresa Fricke (Letta). El diseño y la iluminación estuvieron a cargo de Oscar Navarro. La música incidental fue compuesta por Héctor Carvajal y fue interpretada por músicos de la Orquesta Sinfónica.

Sobre la revisión del vendedor viajero:
En 1991, Arthur Miller estrenó en Londres una obra que ha sido vista como una extensión de “La muerte de un vendedor viajero”. Se trata de “The ride down Mr. Morgan”, que también tiene por protagonista a un vendedor viajero, Lyman Felt.
La pieza exhibe un tono sarcástico y muestra cómo el personaje debe enfrentarse a las fantasías persecutorias de un padre autoritario una vez que sufre un accidente que deja en evidencia la doble vida que ha llevado hasta entonces, al estar casado en dos ciudades distintas y sostener dos familias.
Esta obra se estrenó en Chile en el Teatro de la Universidad Católica con dirección de Ramón Núñez durante la temporada 2002, con el título de “El derrumbe” y actuaciones de Cristián Campos, María Izquierdo y Esperanza Silva.
En una entrevista realizada a mediados de los 90, en momentos en que la pieza debutaba en Broadway, Miller reconoció los paralelos entre Willy Loman y Lyman Felt.
Entonces afirmó: “Creo que la mayoría de las cosas terminan mal. La mayoría de las empresas humanas decepcionan”.

Sobre el realismo sicológico:
La escritura de Athur Miller suele asociarse con el realismo sicológico a causa del modo en que se las lleva a escena y las convenciones actorales que se ponen en juego.
El realismo es un movimiento que rompió con las corrientes románticas, melodramáticas y clásicas del siglo XIX. Busca convencer al espectador sobre la verdad escénica tanto en el tema como en el montaje. Es decir, lograr que la acción represente a la vida diaria en todo sentido: emociones, forma de pensar, situaciones, etc.
El realismo sicológico es la escuela de actuación que deriva de esta mirada. De ella se apropió el cine norteamericano a través del llamado Método de Lee Strasberg, que se asentaba en el trabajo del intérprete con su memoria emotiva. Prima el estudio de las motivaciones sicológicas de los personajes y es la cuna de lo que en dramaturgia se conoció a mediados del siglo XX como el realismo norteamericano.

Claves para el análisis:
- Dramaturgia norteamericana.
- Sueño americano.
- Arquetipo y paradigma.
- Realismo sicológico y realismo norteamericano.

Escuela de Espectadores dedica sesión a "La muerte de un vendedor"

2008-10-16T19:50:00.000-07:00

La duodécima sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada al análisis de la nueva versión de la obra "La muerte de un vendedor", de Arthur Miller, que se presenta en la sala Antonio Varas.
El montaje es una producción del Teatro Nacional Chileno y su dirección está a cargo de Raúl Osorio.

Invitados:
Raúl Osorio (director)
Oscar Hernández (actor)
Carmen Disa Gutiérrez (actriz)

Entrada liberada.
Lunes 20 de octubre.
19.30 horas.
Teatro del Puente.

Inscripciones:
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.com

Claves para el análisis de "Niñas araña" y "Dulce"

2008-10-16T19:43:00.000-07:00

Obras: “Niñas araña”, de Luis Barrales, y “Dulce”, de Pierre Sauré.

Sobre “Niñas araña”:
La obra de Luis Barrales ficciona con las horas muertas del trío de adolescentes que ganara notoriedad por su forma de trepar y robar en comunas del sector Oriente, pese a que dos de ellas estuvieran embarazadas.
La pieza las presenta en la azotea de un edificio con algunos de los objetos sustraídos del departamento de turno, mirando la ciudad desde lo alto y debatiéndose entre dar una entrevista a la prensa o persistir en el delito.
El texto emplea el vocabulario popular y elementos del coa. Además, utiliza un sistema de métrica, rima y reiteración que cita al hip hop, el rap y las décimas locales.
Con esos recursos, el autor consigue crear una convención eficaz, dotar a los monólogos más brutales de belleza lírica sin traicionar el habla y conducir a los personajes a través de diálogos punzantes, sagaces y de un humor aplastante.
Al mismo tiempo, instala nuevas interrogantes sobre la exclusión económica y la marginalidad social y pone en crisis la demagogia que ronda el tema. El delito se muestra como resultado de tensiones sociales enquistadas y los móviles de las tres jóvenes se explican a partir del vuelco insaciable, feroz e insatisfecho de una clase desposeída hacia la cultura del consumo que endiosa la posesión de bienes y que, simbólicamente, empuja a sus miembros a trepar.
La comunidad a pequeña escala que conforma el trío da pistas de las pugnas de poder internas, de la segregación que también opera en la marginalidad y de la resistencia a aceptar su condición.
La dirección de Daniela Aguayo se apega a un tratamiento realista la mayor parte del tiempo, con algunas pausas que matizan la situación. Reproduce la atmósfera de origen de los personajes mediante una banda sonora que se apoya en el reggaeton y un vestuario falsamente vistoso.
Su foco parece estar puesto en las actuaciones y en evitar la caricaturización y los estereotipos. Cuenta con un elenco afiatado —Cecilia Herrera, Isidora Stevenson y Daniela Jiménez— que dota de contradicciones, desparpajo y encanto a los personajes

Sobre Luis Barrales:
Luis Barrales ha venido madurando un estilo de escritura frontal que se aleja de los eufemismos y de las alegorías y que documenta la viveza de la contingencia, las contradicciones sociales y el verbo de la calle.
Se formó en la Escuela de Teatro de la Universidad Arcis y hasta ahora ha estrenado las obras “La raíz del silencio” (2002), “Uñas sucias” (2003), “Santiago Flayte” (2004), “H.P.” (2007), “La chancha” (2008) y “Niñas araña” (2008), la mayoría junto a la compañía Central de Inteligencia Teatral.
Ha oficiado de director de alguno de sus textos (“La chancha”) y próximamente sumará a su producción “La epopeya de Lucho Chaveta”, un montaje callejero que cumplirá temporada en la Quinta Normal y en la Plaza de la Constitución.

Sobre “Dulce”:
“Dulce” es un monólogo escrito y dirigido por Pierre Sauré y protagonizado por Claudia García. Corresponde a la tercera producción de la compañía Teatro Sub.
El texto canaliza una mirada generacional en torno a los vínculos filiales y se deja seguir como una interpelación a las figuras materna y paterna.
Se desplaza entre escenas fragmentadas que configuran la biografía de una mujer que resiente el abandono y el maltrato verbal de infancia.
Lo que comienza como el testimonio de quien padece bulimia pronto transita hacia los complejos de autoestima y, por ende, enlaza con los discursos recibidos en los primeros años de una madre que ha debido resentir la partida del padre. Este último se instala como una figura idealizada y ronda en los anhelos afectivos de la protagonista.
La escritura adopta un estilo principalmente emotivo para construir un viaje de carácter testimonial, donde el teatro, la escena y la representación se convierten en herramientas de validación personal y reparación del ego en último caso.
El diseño, la música y el colorido que acompañan a la pieza construyen un marco de tintes melodramáticos, con elementos kitsch, que a ratos remite a estéticas de otras disciplinas y que encuentra sintonía con los juegos verbales de la dramaturgia para revisitar lugares comunes del discurso romántico.
Claudia García enfrenta en la pieza su primera interpretación en solitario y sostiene la hora de representación con un amplio rango de registros interpretativos y un aplomo en las notas más dramáticas.
La puesta enfatiza la atmósfera intimista y se aparta del tono lúdico y cándido que predominaba en anteriores creaciones, como “Conmigo tú” y “Sobre mi boca”.

Sobre Pierre Sauré:
Formado en la Escuela de Teatro de la Universidad del Desarrollo, Pierre Sauré ha venido llevando a escena sus obras junto a la compañía Teatro Sub.
Hasta ahora ha escrito y dirigido “Conmigo tú” (2006), “Sobre mi boca” (2007) y “Dulce” (2008).
En estos trabajos se constata un interés por darle realce a otros lenguajes de la escena, como el diseño escenográfico y la música (en especial, canciones), junto al ingenio creativo, la economía de recursos y el uso del relato aparentemente cándido en que se incuba una situación dolorosa. Estos se han puesto al servicio de las disquisiciones de los términos de pareja (“Comigo tú”, “Sobre mi boca”) o de los vínculos filiales (“Dulce”), aunque en todos los casos se privilegia la perspectiva femenina (las protagonistas en las tres obras han sido mujeres) con citas del melodrama.

Claves para el análisis:
- Metáforas del país actual.
- Dramaturgia como alegoría y documento de la contingencia.
- Fábula y melodrama.
- Revisión de psicología femenina.

"Niñas araña" y "Dulce" en nueva sesión de Escuela de Espectadores

2008-10-07T20:43:00.000-07:00

La undécima sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada al análisis de las obras "Niñas araña", de Luis Barrales, y "Dulce", de Pierre Sauré.
Ambos montajes se presentan actualmente en el Teatro del Puente.

Invitados:
- Luis Barrales (autor de "Niñas araña")
- Pierre Sauré (autor de "Dulce")

Entrada liberada.
Inscripciones:
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.com

Lunes 13 de octubre.
19.30 horas.
Teatro del Puente.

Travestismo y transformismo en el teatro

2008-10-07T20:31:00.001-07:00

Sesión 10. Travestismo y transformismo en el teatro. Con David Quintana (actor de “Tutti Frutti”), Fernando Quintana (actor de “Tutti Frutti”), Eduardo Soto (actor de “Travesti por mi abuela”) y Rodrigo Pérez (director de “Travesti por mi abuela”).

Sobre disfrazarse y travestirse:
El disfraz cambia lo que uno es por lo uno quisiera ser; revela más de lo que oculta en tanto manifiesta un deseo escondido; resume a quien lo lleva al sintetizar el papel que representa y el que desearía representar. Es una máscara asumida conscientemente, sobre todo en el marco de ciertos rituales religiosos y sociales.
El cambio de género a través del traje, complementado eventualmente por maquillajes y pelucas, es la forma más significativa de disfraz que recibe el nombre de travestismo, según el término acuñado por Magnus Hirschfeld, fundador del primer Instituto de Ciencia Sexual, en su estudio “Die Transvestiten”, publicado en 1910.
En opinión de la investigadora del tema Marjorie Garber, “el travestismo es un espacio de posibilidades que estructura y desorganiza la cultura: un imprevisto elemento de desorden, no solamente la categoría de la crisis de lo masculino y lo femenino sino la crisis de la categoría en sí”.

El travestismo en la historia del teatro:
Una línea de desarrollo del travestismo se encuentra estrechamente ligada con la historia del teatro.
· Grecia antigua: Su práctica estuvo presente en el teatro griego de la Antigüedad (que influyó más tarde en Roma). Era usual que en las representaciones, los roles femeninos se encomendaran a varones, de preferencia jóvenes, quienes se premunían de máscaras para la interpretación de los personajes.
· Mitología: El tema estaba presente en algunos relatos de la mitología, como el pasaje en que Hércules es comprado como esclavo por la reina Onfala, de Lidia (Asia), quien lo somete, le obliga a entregar la piel de León de Nemea que llevaba hasta entonces (símbolo de la masculinidad) y a vestir de mujer.
· Tragedias: Eurípides lo aborda también en “Las bacantes”, donde Penteo (rey de Tebas) se trasviste para espiar a su madre en el rito dionisíaco (“Tú, que estás tan ávido por ver lo que no debieras ver y te afanas en buscar lo despreciable, me refiero a ti, Penteo. Ven a la entrada de palacio, déjame verte vestido de mujer, de ménade, con el atuendo dionisíaco”, le indica el Extranjero al rey de la corte que simboliza la civilización).
· Japón y China: Para proteger la moralidad pública en Japón, se prohibió oficialmente en 1629 la actuación de mujeres en el teatro kabuki. Pocos años después y por las mismas razones, sólo se permitieron las representaciones de este género si actores jóvenes actuaban con el pelo afeitado. La puesta en escena de papeles femeninos a cargo de actores originó el arte de los onnagata, que siguieron siendo parte inseparable del kabuki aún al levantarse aquella prohibición. El entrenamiento de estos artistas, iniciado desde la infancia, exige un minucioso aprendizaje: deben estudiar, copiar y asimilar los gestos de las mujeres (maquillaje, vestuario, movimientos, psicología) para tener la posibilidad de representar el arquetipo de la mujer. En China, se desarrolló una práctica similar en el ámbito de la ópera tradicional, donde los roles femeninos demandaban la preparación de varones con voces adecuadas desde temprana edad.
· El teatro isabelino: Asociado principalmente con obras de William Shakespeare, el teatro isabelino adoptó durante la última parte del siglo XVI e inicios del XVII la misma convención y entregó los roles femeninos a jóvenes actores. Esto se explica también por códigos morales y la vinculación existente entre el teatro y la bohemia. En ese contexto ganaron celebridad intérpretes como Alexander Cooke, Joseph Taylor y Edward Kynaston. La disposición legal caducó en 1660 y las primeras actrices en asumir roles femeninos debieron convencer con distintas estrategias a la corte y a los espectadores que efectivamente eran mujeres.
· Los clásicos: El recurso suele ser común como herramienta de farsa y está en algunas comedias de W. Shakespeare (“Noche de reyes”) y Calderón de la Barca (“Las manos blancas no ofenden”).
· La mujer travestida: El travestismo de la mujer resulta menos frecuente, aunque la historia del teatro registra ejemplos ilustres. En el siglo XIX, Sarah Bernhardt sorprendió encarnando a Hamlet y la española Margarita Xirgu hizo lo mismo. El caso de Catalina de Erauso ha encontrado más de una versión teatral bajo el título de “La monja Alférez” y no sólo en la línea del Siglo de Oro español (existen versiones de Juan Pérez de Montalbán, Thomas de Quincey y Domingo Miras).

Variantes del travestismo:
Las investigadoras argentinas Beatriz Trastoy y Perla Zayas plantean que a partir del trabajo con el simulacro propio y ajeno existe una relación productiva entre travestismo y teatro. Esto porque los travestis construyen su cuerpo teniendo como horizonte para sus intervenciones un cuerpo femenino que es leído con la minuciosidad de quien lee un texto dramático que debe aprender de memoria.
Por otra parte, el travestismo constituye un ejemplo de cómo los lenguajes que acompañan a la palabra en escena (en este caso, maquillaje, vestuario, gestualidad) tienen capacidad de significar e, inclusive, de incidir fuertemente en la determinación de diferentes estéticas.
En el libro “Lenguajes escénicos” (Editorial Prometeo), las mismas autoras establecen algunos lineamientos útiles para enfocar las distintas expresiones que el travestismo encuentra en la actualidad:
· Transformismo: El término transformista suele ser empleado para designar a los/las drag-queens y a los/las drag-kings, quienes, a diferencia de los/las travestis, usan respectivamente ropas femeninas y masculinas, opuestos a sus rasgos sexuales biológicos que no ocultan.
· Music hall: Con modalidades y objetivos diferentes, el travestismo ha sido asimismo uno de los recursos más transitados en el ámbito del music-hall. En su mayoría se trata de hombres devenidos en mujeres a través de cuidadosas estrategias de vestuario, maquillaje, gestualidad y voz. Sus variantes trazan un amplio arco que va de la exaltación admirativa a la burda caricatura de lo femenino.
· Travestismo estetizante: Asociado principalmente con los espectáculos del grupo Caviar, de Buenos Aires, dirigidos por el actor, mimo y bailarín Jean Francois Casanova. Destaca por la riqueza pictórica de sus puestas que se sustenta en un vestuario y un maquillaje que capta especialmente el mundo de las grandes estrellas. Los espectáculos desbordan los límites del music-hall y combinan la danza, la mímica, la parodia, el drama y la comedia. No se emplea la voz, sino la fonomímica y lo musical contribuye a narrar.
· Travestismo cuestionador: Se excede la problemática de género y se pretende reflexionar sobre cuestiones existenciales e, inclusive, sociales en un amplio sentido. Pone acento en las marcas de género del discurso verbal y gestual. Llega a evidenciar la crisis de la dualidad que organiza los comportamientos humanos y puede hacer de espejo de las pulsiones reprimidas de quien observa estos espectáculos.
· Parodia de roles sociales: En este caso, el travestismo supone una cuidadosa elaboración de los lenguajes escénicos utilizados y la parodia de los roles familiares y sociales reconocibles en un contexto. También se parodian las imágenes convencionales de los/las drag-queen o se orienta la crítica hacia personalidades emblemáticas.
· Travestismo como contenido dramatúrgico: La inclusión de personajes que se travisten en las escrituras teatrales suele operar con distintos propósitos. A veces, el recurso sirve de metáfora de una estructura paternalista castradora, que impide el crecimiento y la socialización de los individuos que somete. En otras creaciones, se lo emplea como alegoría de la dualidad o del doble de los personajes.
· Travestismo político: El recurso funciona como estrategia de distanciamiento para resaltar determinadas características del personaje o de lo que éste simboliza. Es usual representar el devenir contemporáneo de los discursos políticos o ideológicos bajo el prisma del travestismo, donde nadie es lo que dice ser.
· Travestismo en la puesta en escena: A esta figura han recurrido algunos autores latinoamericanos, como Copi en “Eva Perón” o Jorge Díaz en “Nadie es profeta en su espejo”, para dar cuenta de los mecanismos de poder o de la caída de las utopías. Similar criterio se ha usado en versiones de “Orquesta de señoritas”, de Jean Anouilh, “Las criadas”, de Jean Genet y “La nona”, de Roberto Cossa (en Chile, a cargo de Aldo Parodi), aunque en estos casos el recurso se pone al servicio de la recreación de tópicos de género y de codicia. En Chile, “La manzana de Adán”, del grupo La Memoria, dirigida por Alfredo Castro, y las adaptaciones de crónicas de Pedro Lemebel (como “Loco afán”) se han enmarcado en la misma línea, junto a la versión de Andrés Pérez de “Madame de Sade”, de Mishima. En la escena internacional, destaca la pieza “Yo soy mi propia mujer”, del norteamericano Doug Wright (presentada en Santiago por el argentino Julio Chávez).

Sobre Los Quintana y “Tutti Frutti”:
Los Hermanos Quintana es una compañía liderada por los actores argentinos David y Fernando Quintana, que suma a bailarines e intérpretes chilenos.
Residen desde hace cinco años en Chile y desde hace dos han estrenado espectáculos en cartelera, los que han ido a la par de sus presentaciones en locales nocturnos.
Antes estrenaron “Clásicos y algo más” y “Cabaret tropical”.
En sus creaciones resaltan la parodia de estereotipos femeninos y trabajan con fonomímica, que les permite citar pasajes de teleseries, películas, programas de televisión y shows, aunque ambos mantienen una línea similar de personajes. También se basan en el cancionero de los 70 y 80 y realizan producciones audiovisuales que satirizan la cultura de la televisión. En escena, exhiben un alto número de cambios de vestuario y pelucas.
“Tutti Frutti” es su estreno más reciente, donde integran escenas de variado origen.
Al margen de los espectáculos, el grupo ha logrado crear una audiencia nueva para el teatro, que repleta las funciones programadas a las 11.00 de la noche y que se extienden hasta después de medianoche.
En el show participan David Quintana, Fernando Quintana, Carlos Chacón, María José López, Paula Valdivieso, Nicole Ortiz y Gustavo Acevedo.

Cartelera.
“Tutti fruti”. Teatro Bellavista. Dardignac 0110. 7322395. Viernes y sábado a las 23.00 horas. Convenio con Escuela de Espectadores.

Sobre “Travesti por mi abuela”:
“Travesti por mi abuela” es un café concert estrenado en 1973 por Eduardo Soto y remontado recientemente por el actor con dirección de Rodrigo Pérez. En formato de unipersonal, la puesta vuelve sobre los códigos de principios de los 70 (especialmente la cultura de la radio) y muestra al protagonista rememorando los éxitos de su abuela en revistas y shows nocturnos.
Para ello, se trasviste con las prendas y vestidos que ha heredado e interpreta un repertorio de canciones popularizadas por cantantes hispanas, como Sara Montiel.
El espectáculo se repondrá durante las próximas semanas en el Teatro La Memoria.

Claves para el análisis:
- Travestismo y transformismo
- Máscara, disfraz y seducción
- Parodia, grotesco y melodrama
- Travestismo estetizante y travestismo político
- Cruce de géneros

LOS QUINTANA Y "TRAVESTI POR MI ABUELA" EN NUEVA SESION DE ESCUELA DE ESPECTADORES

2008-10-03T21:28:00.000-07:00

La décima sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada al análisis de los espectáculos de transformismo a partir de los montajes "Tutti Frutti", de Los Hermanos Quintana, y "Travesti por mi abuela", de Eduardo Soto.
El primer título se encuentra en temporada en el Teatro Bellavista y el segundo se repondrá próximamente en el Teatro La Memoria.

Invitados:
Eduardo Soto.
David Quintana.
Fernando Quintana.

Inscripciones:
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.com

Lunes 06 de octubre.
19.30 horas.
Teatro del Puente.
Entrada liberada.

Claves de análisis para "¿Y quién no sabe cómo es un dragón?"

2008-10-03T21:18:00.000-07:00

Sesión 9. Obra: "¿Y quién no sabe cómo es un dragón?". Invitados: Horacio Videla, Carla Lobos y Ping.

La obra “¿Y quién no sabe cómo es un dragón?” forma parte de un programa de formación de público impulsado por el Teatro de la Universidad Católica y se inscribe en la línea de los montajes familiares.
El material de base lo otorga la adaptación que Bret Fetzer (un cuentista y dramaturgo de Seattle) hiciera el año pasado del libro de Jay Williams, publicado a su vez en 1976 con atractivas ilustraciones para niños.
Con la estructura de los relatos clásicos, donde un personaje anónimo se involucra inesperadamente en una hazaña mayor que le muestra un aspecto heroico de sí mismo, la trama sigue la suerte de Han (Alvaro Pizarro), el solitario y huérfano barredor de la ciudad china de Wu que, secundado por su mascota Ping (un chancho), se convierte en una pieza clave para que un mítico dragón, encarnado en una ermitaña (Carla Lobos), proteja a la corte de la amenaza externa.
Además de desperdigar máximas sobre el valor de la amistad y el reconocimiento de los oficios más humildes, la obra configura una metáfora acerca de la vocación y convierte al animal fabuloso en una alegoría del influjo de vida, de los sueños de infancia y de la capacidad de trascender a las circunstancias más desafiantes para generar arraigo y construir una identidad.
La dirección de Horacio Videla recrea la historia incorporando la iconografía oriental popularizada por el manga, junto a algunos recursos del bunraku (una variante del teatro de muñecos originaria de Japón en que se trabaja con palillos) y el butoh. A ello suma la inserción del arte marcial del aikido en los pasajes medulares de confrontación.
El elenco aporta dinamismo a la puesta gracias a una caracterización folletinesca que permite revitalizar algunos estereotipos del género de aventuras.
La escenografía diseñada por Luis Cifuentes genera un colorido marco y recrea los ambientes orientales mediante el desplazamiento de estructuras, ceñidas a una iluminación que juega con los contrastes, superpone panorámicas en el fondo del escenario e inserta elementos lúdicos (aprovechando las paredes laterales de la sala) que permiten avistar a un voluminoso dragón en el cierre.
La fantasía se completa en el foyer de la sala con una instalación multidisciplinaria que integra las artes visuales y la música y emplea los colores asociados en Oriente con la plenitud. Esto hace del montaje una luminosa experiencia sensorial.
En la puesta intervienen Carla Lobos, Álvaro Pizarro, Gabriel Gana, Pamela Guzmán, Darwin Le Roy, Fernanda Márquez, Fernando Oviedo y Jorge Ortiz.

Sobre Horacio Videla
Durante la década de los 80 fue miembro fundador de la compañía Gran Circo Teatro y actor en el elenco original de “La Negra Ester”, montaje de Andrés Pérez.
Como director de teatro ha venido trabajando paralelamente desde entonces en montajes orientados a público familiar y ha desarrollado una línea de creaciones para público adulto (“Hamlet”, “Woyzeck”, “La sangre”, “Juana de Arco, el misterio de la luz”).
Uno de sus títulos más conocidos en el género familiar ha sido “El sueño de Clara”, que destacó por su instalación escenográfica hace 15 años.
Aunque el hito inicial lo estableció en 1988 con una versión de “La historia sin fin”, vista por un alto número de espectadores y valorada especialmente por la innovación que introdujo en la línea de trabajos para público infantil.
También estuvo detrás de una versión de “Crónicas de Narnia” y en la temporada 2007 montó “La niña y los sortilegios”, donde integró acrobacias, danza y técnicas de Aikido.
Ha dicho sobre el género del teatro infantil o familiar:
“Para mí, la capacidad de imaginar es más importante que la inteligencia. Por eso me parece mal que en las obras infantiles se trate a los niños como enfermos mentales, que se reduzcan las historias a códigos morales y que no haya ningún cariño por la factura de los montajes”.

Claves para el análisis:
- Teatro familiar / Teatro infantil
- Teatro oriental
- Teatro de objetos
- Bunraku
- Butoh
- Viaje del héroe

Cartelera:
“¿Y quién no sabe como es un dragón?”
Sábado y domingo a las 17.00 horas.
Teatro Universidad Católica. Jorge Washington 26. Reservas: 2055652.
Convenio con Escuela de Espectadores: $2.500.

Escuela de Espectadores dedica sesión a último montaje de Horacio Videla

2008-09-27T20:17:00.000-07:00

La novena sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada a la obra "¿Quién no sabe como es un dragón?", de Bret Fetzer, irigida por Horacio Videla, que se presenta en el Teatro UC.
El montaje está orientado al público familiar e infantil.
Invitados:
Horacio Videla
Carla Lobos

Lunes 29 de septiembre.
19.30 horas.
Teatro del Puente.

Asistencia liberada.
Inscripciones:
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.com

Claves para el análisis de "Variaciones sobre la muerte"

2008-09-27T20:08:00.000-07:00

Sesión 8. Obra: "Variaciones sobre la muerte", de Jon Fosse. Dirección de Víctor Carrasco.

La obra “Variaciones sobre la muerte” (“Variatons sur la mort”), del autor noruego Jon Fosse, se presentó en una temporada de diez funciones seguidas hasta el pasado miércoles 17 de septiembre en la sala SAM, del Centro Cultural Antiguo San José.
El texto revisa la vida de una pareja a partir de la muerte de su hija mayor y fue llevada a escena en su momento por el director francés Claude Régy en el marco del Festival de Otoño de París.
La versión local reunió a Roxana Campos, Tomás Vidiella, Bárbara Ruiz-Tagle, Pablo Cerda, Begoña Basauri y Antonio Campos bajo dirección de Víctor Carrasco, como parte de una trilogía que se abrió en junio con “Norte”, de Alejandro Moreno, y que seguirá en noviembre con “Las tres hermanas”, de Anton Chéjov.
En la puesta, los personajes emergen como espectros de un telón panorámico que sucesivamente cambia de color, abriéndose o cerrándose y recortando sus siluetas.
Fosse muestra el devenir de quienes en el ocaso repasan las frustraciones tras el suicidio de su hija y, al igual que en sus otros textos, se vale de las pausas y de las reiteraciones para develar lo que está más allá del verbo, poniendo en duda las secuencias temporales, la verosimilitud de los recuerdos y la naturaleza de la muerte.
El montaje subraya la alegoría de la escritura con el cuidadoso diseño de escenografía e iluminación de Fernando Briones, que genera composiciones de belleza oscura y epifánica.
El elenco se ajusta a las pautas que ha madurado la dirección en anteriores montajes, con una solemne rigidez corporal y un tempo acompasado, como si se tratara de la ejecución de una partitura musical o de una polifonía. La convención desafía a los intérpretes a limpiar y dosificar la proyección vocal y a despercudirse de los recursos más usuales.
El conjunto dialoga además con el edificio del antiguo hospital, donde puede pesquisarse el uso original de las salas.

Sobre el autor y su escritura teatral:
Jon Fosse se dio a conocer como novelista (“Melancolía”, sobre el pintor Lars Hertevig) y ensayista, antes de abocarse en plenitud al teatro. Sus textos se han montado en circuitos como el Nanterre-Amandieres, de París, y la Schaubühne, de Berlín.
Es el autor más prolífico de Noruega y contabiliza al menos dos estrenos anuales en nynorsk (neo-noruego). Hacia el año 2002, sumaba doce piezas traducidas y representadas en 40 escenarios de Europa. En Francia, la mayoría de sus textos han sido dirigidos por Claude Régy. Entre otros, “Alguien va a venir”, con actuación de Marcial di Fonzo bo (director de “Eva Perón”, de Copi).
En 1996 obtuvo el premio Ibsen y en 1999 colaboró con un monólogo en el proyecto “La confesión”, de Michel Didyn.

La crítica ha calificado su escritura de suprarrealista y ha resaltado la manera en que consigue recrear el carácter repetitivo y persistente de las funciones de la conciencia. Su estilo también ha sido rotulado de minimalista, con tintes de absurdo y realismo, y se ha reparado en el retato que hace de determinados dramas sociales al describir situaciones de desocupación, desintegración familiar y abandono.
El estilo del dramaturgo ha encontrado resonancia recientemente en Buenos Aires con el estreno de “La noche canta sus canciones”, a cargo de Daniel Veronese.
Fosse ha dicho acerca de su escritura: “Lo esencial es lo que está ‘entre’, en los intersticios, en las fallas de los personajes, entre los diferentes elementos del texto. Los personajes surgen sin rostro. Son voces. Se trata de llegar a una forma en la que todo se trama desde el interior”.

Sobre la dirección de Víctor Carrasco:
Con su compañía RKO-Fabrika de Sueños ha montado desde mediados de los ’90 un alto número de piezas del francés Bernard Marie-Koltes, como “La herencia”, “En la soledad de los campos de algodón”, “Tabataba”, “De noche, justo antes de los bosques” y “Roberto Zucco”.
En 2001 trabajó por primera vez con un texto de Jon Fosse: “Alguien va a venir”. En 2003 volvió a montar una pieza del autor noruego, “El hijo”.
También ha escenificado “Hedda Gabler”, de Henrik Ibsen; “Ma vie de chandelle”, de Fabrice Melquiot; y “Norte”, de Alejandro Moreno.
Su método suele conceptualizar las presentaciones a público como la extensión de un proceso de indagación con los actores que se inicia en los ensayos. Por ello la mayoría de sus creaciones han cumplido funciones ininterrumpidas.
A la vez, ha moldeado un lenguaje en que predominan pausas inquietantes, silencios al interior de las escenas, rigidez corporal y un tempo acompasado, donde la evolución dramática se disuelve y emergen los pliegues más sutiles de los textos.
Uno de sus referentes lo constituye el teatrista francés Claude Régy, en cuyos montajes la relación de los actores con los textos se despoja de toda emocionalidad gruesa y el lenguaje parece redescubrirse con cierta extrañeza.
Ha dicho sobre los textos de J. Fosse: “Sus obras tienen algo de cuento para niños. En ellas está implícito su gusto por la música. Suele ir conformando una especie de partitura y musicalidad, de verso y no-verso, de escritura fragmentada. Retrata situaciones sumamente cercanas y cotidianas de una manera esencial. Por tanto, invita a construir a partir de una atmósfera. Hay que preocuparse del estado de ánimo que posibilita la emisión de los textos. Tienen una fragilidad y una levedad características”.

Claves para el análisis:
- Tempo acompasado.
- Austeridad de recursos interpretativos y despojo de emocionalidad..
- Reiteración y pausas como mecanismos para develar la voz de la conciencia.
- Personajes concebidos como espectros.
- Puesta en escena minimalista.Composición escénica y pulcritud.

El teatro de Víctor Carrasco en nueva sesión de Escuela de Espectadores

2008-09-16T09:29:00.000-07:00

La octava sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada a la obra "Variaciones sobre la muerte", del autor noruego Jon Fosse.
El montaje se presenta hasta el miércoles 17 en la sala SAM del Centro Cultural Antiguo San José (San José 1053), con dirección de Víctor Carrasco y un elenco integrado por Tomás Vidiella, Roxana Campos, Bárbara Ruiz-Tagle, Pablo Cerda, Begoña Basauri y Antonio Campos.

Invitados:
Víctor Carrasco.
Tomás Vidiella.

Lunes 22 de septiembre a las 19.30 horas.
Entrada liberada.
Teatro del Puente.

Inscripciones:
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.com

Claves para el análisis de "Violeta: al centro de la injusticia"

2008-09-16T09:23:00.000-07:00

Sesión 7.

Invitados: Rodrigo Pérez, Claudia Vicuña y Francisca Márquez.

Sobre el montaje:
“Violeta: al centro de la injusticia” es un montaje dirigido por Rodrigo Pérez estrenado en julio pasado en la carpa Circo del Mundo que ha cumplido funciones populares y que se encuentra actualmente en cartelera en la sala La Memoria.
La puesta se estructura como una cantata que entrelaza composiciones y décimas de Violeta Parra y se ordena en torno al libro “Violeta se va a los cielos”, de Ángel Parra.
El diseño de arte de Rodrigo Bazaes enmarca la acción sobre un escenario delimitado por coloridas ampolletas y cortinas, al modo de una pista de circo.
El elenco que forman intérpretes de teatro y danza (Francisca Márquez, Marcela Millie, Claudia Vicuña, Sebastián de la Cuesta, José Olavarría y Nicolás Poblete/Ernesto Orellana) entran y salen de escena apropiándose del repertorio de la cantautora y, por esa vía, de los motivos que están a la base de su obra, como el descontento social, el desamor y el devenir de las clases populares en Chile.
La ejecución a capela del cancionero de la artista se lleva a cabo en solitario o en grupo respetando la métrica de las décimas.
En algunos pasajes, los versos se convierten en material para breves monólogos y en las líneas de las historias de amor trunco o de los reclamos enrabiados frente a la injusta distribución de los recursos. También se escuchan registros de la propia cantautora y piezas compuestas por Ángel Parra.
Además de revisar algunos pasajes de la biografía de la artista, el espectáculo recupera aristas de su discurso que han quedado eclipsadas por las composiciones más conocidas.
Pese a tener una data de más de tres décadas, se trata de una mirada particularmente actual sobre los conflictos endémicos de la sociedad chilena que se abordan sin eufemismos ni idealizaciones.
La dirección trabaja a partir de composiciones coreográficas que guían los desplazamientos del grupo. Entre ellos se incluyen distintas variantes de una cueca acompasada, códigos pertenecientes a la danza contemporánea, una festiva rutina circense y la recurrente cita al oficio del bordado al que se abocó Parra.
Arropados con usanzas de ciudadanos comunes, los intérpretes pueden ser vistos como paseantes anónimos que redescubren, revitalizan o despercuden el verbo de la compositora, estableciendo dinámicas de seducción y complicidad o volviendo obsesivamente a preocuparse de que la pista esté inmaculada, mientras las mujeres del elenco intercambian un vestido que parece representar a la artista.
A tono con los versos, el montaje retrata una chilenidad dolorosamente festiva y una poética ligada profundamente con el mundo popular.

Sobre Violeta Parra:
Violeta Parra nació en San Carlos, en la Región de Chillán, al sur de Chile, el 4 de octubre de 1917. Su padre era profesor de música y su madre, cantora popular. Tuvo nueve hermanos con quienes vivió la infancia en el campo (entre ellos, Nicanor y Roberto Parra).
Sus biógrafos resaltan que a los doce compuso las primeras canciones por influencia familiar y que en una primera etapa se abocó a los boleros, los corridos y las tonadas, trabajando en circos, bares, quintas de recreo y pequeñas salas de barrio.
Se casó en dos oportunidades y en su etapa de madurez se dedicó a recorrer zonas rurales grabando y recopilando música folklórica y valorando la poesía y el canto popular. A partir de entonces adopta el guitarrón y se especializa en la composición en décimas, mientras su discurso se contrapone a las visiones estereotipadas de América Latina y se inclina de manera pionera por la denuncia social.
Su labor se extiende también a otros oficios, como la pintura, la escultura, la cerámica y el bordado de arpilleras.
A mediados de los ’50 fue invitada a Europa del Este (Polonia, Unión Soviética) y termina grabando en París sus primeros discos. Vuelve a Francia a comienzos de los ’60 y expone sus arpilleras en una de las salas del Louvre.
Al regresar a Chile trabaja con sus hijos en la peña de calle Carmen e inaugura en La Reina un Centro de Arte en una carpa.
Se suicida en febrero de 1967 y se especula que uno los motivos fue el desamor.
Vista en perspectiva, su obra debió sortear con los prejuicios en torno a las voces femeninas que se levantaban en una sociedad en que predominaba el poder masculino.

Sobre Rodrigo Pérez:
Rodrigo Pérez es actor, profesor y director de teatro. Ha participado en la compañía La Memoria, de Alfredo Castro, y Teatro de Fin de Siglo, de Ramón Griffero.
Como director ha venido patentando en los últimos años un lenguaje escénico que privilegia el trabajo con materiales de distinta naturaleza que son puestos en tensión en escena en el cuerpo de los actores.
Su compañía Teatro La Provincia ha estrenado “Provincia Señalada”, "Provincia Kapital" (versión de "Auge y caída de la ciudad de Mahagonny", de B. Brecht), la trilogía La Patria (que integraron “Cuerpo”, “Madre” y “Padre”), una nueva versión de “Las brutas”, de Juan Radrigán, y recientemente “Violeta”.

Extracto de “Al centro de la injusticia”, de Violeta Parra:
“Pa’ no sentir la aguja de este dolor
en la noche estrellada dejo mi voz.
Linda se ve la patria señor turista,
pero no le han mostrado las callampitas.
Mientras gastan millones en un momento,
de hambre se muere gente que es un portento.
Mucho dinero en parques municipales
y la miseria en grande en los hospitales.
Al medio de Alameda de las Delicias,
Chile limita al centro de la injusticia”.

"Violeta: al centro de la injusticia" en nueva sesión de Escuela de Espectadores

2008-09-12T13:22:00.001-07:00

La sesión del lunes 15 de la Escuela de Espectadores estará dedicada a "Violeta: al centro de la injusticia", montaje de la compañía Teatro de la Provincia", que dirige Rodrigo Pérez.

La puesta ofrece presentaciones durante el mes de septiembre en la sala La Memoria.

Al encuentro asistirán Claudia Vicuña, Francisca Márquez y Marcela Millie, integrantes del elenco.

Junto a ellas también estará el director Rodrigo Pérez.

Lunes 15 a las 19.30 horas.

Teatro del Puente.

Entrada liberada.

Inscripciones en:

escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.com

Claves para el análisis de "Jaula obesa" y "Todas las fiestas del mañana"

2008-09-12T13:07:00.000-07:00

Sesión 6.

Invitados: Marcelo Leonart (autor y director de "Todas las fiestas del mañana"), Nona Fernández (actriz de "Todas las fiestas del mañana"), Tomás Espinosa (autor y director de "Jaula obesa") y Bárbara Vera (actriz de "Jaula obesa").
Sobre "Todas las fiestas del mañana".

A fuerza de persistencia, disciplina y autogestión, Marcelo Leonart se ha convertido en uno de los pocos dramaturgos locales que estrena una obra cada temporada como parte de un proyecto personal junto a su compañía La Fusa.
A partir de “Grita” (2004) —uno de sus títulos más consistentes— y “Lo invisible” (2006) ha venido indagando en los conflictos velados en que descansa el Chile actual. Si en un momento fueron las víctimas y victimarios de la tortura política, desde el año pasado ha enfocado su interés en la agudización local de las diferencias socioeconómicas como caldo de cultivo para una fisura de violencia insospechada.
Desde esta perspectiva, se diría que “Todas las fiestas del mañana” prolonga una arista que asomaba en “Cuerpos mutilados en el campo de batalla” (2007).
La obra que protagonizan Nona Fernández y Alvaro Morales toma el título de la canción del grupo Velvet Underground y muestra a una pareja que se automargina de una encendida fiesta y que, encerrados en una habitación de hotel, denigran el ambiente de alegre confort.
Pronto la pieza insinúa que se trata de dos simuladores que se han apropiado de los ademanes y tics de la clase acomodada en un juego de alienación que les permite encubrir el desencanto, el resentimiento y el hambre, aun cuando les acose el fantasma de un tercer personaje que ha tenido peor suerte y que ha sido objeto de humillaciones y de una cruel marginación social.
La escritura introduce desplazamientos de tiempos, monólogos truncos y quiebres formales para retratar la enajenación pesadillesca a la que ha sucumbido la pareja. Ensucia los diálogos para recrear literalmente el habla del cotidiano chileno que se muestra vacuo, primario y grotesco.
Los protagonistas se apegan a los recursos de la parodia para dar cuenta de la desesperación, la angustia y la rabia latentes. En escena generan una dinámica de provocación mutua y extreman el desparpajo en medio de un meticuloso diseño (Carola de Negri).
Mientras de fondo se escucha un repertorio tropical, el montaje se reserva para la última parte un giro propio de thriller y cine gore en que el hambre que acecha a la pareja se vuelve palpable.
La obra puede seguirse como metáfora de un país que no gusta de mirarse a sí mismo, que intenta difuminar su clasismo endémico y donde incluso las víctimas más patéticas deciden encubrir sus carencias con un ambiente de fiesta.
Marcelo Leonart es además guionista de televisión y narrador. Ha clasificado en la Muestra de Dramaturgia Nacional. En literatura, ha publicado “Mujer desnuda fumando en la ventana” (Planeta, 1999), donde se incluye “Maribel bajo el brazo”, cuento ganador del Premio Juan Rulfo, otorgado en París por Radio Francia y el Instituto Cultural de México. Durante los años 90 formó parte del grupo Merri Melodys.

Sobre "Jaula obesa".

Escrita y dirigida por Tomás Espinosa, la obra de la compañía Geografía Teatral se ambienta en una familia de clase media baja, encabezada por una madre sobreprotectora y dominante, obsesionada con resguardar a sus hijos de la delincuencia y la violencia exterior.
La anécdota se centra en el único varón del grupo y su hermana, quien a fuerza de permanecer recluida ha desarrollado obesidad mórbida.
La gordura opera como metáfora del encierro físico e intelectual y constituye la materialización del temor compartido por el clan que enfrenta el mundo desde una marginalidad no asumida. Sus miembros realizan intentos por defenderse del peligro exterior y diferenciarse de quienes son sus iguales.
El temor a la delincuencia hace además las veces de síntoma de un estado social y su tratamiento en el montaje está teñido por la óptica que entregan los medios de comunicación (especialmente la televisión), donde la violencia es presentada como un espectáculo.
La puesta sigue la línea de anteriores trabajos del grupo, cuya labor se define a partir de la observación de lugares, espacios sociales, políticos y emotivos que dejaron de constituirse en foco de atención y se encuentran insertos en el imaginario local.
Por ende, definen su trabajo como una operación crítica de análisis de la sociedad a partir de fenómenos rutinarios.
En esta línea han estrenado “After”, “Menú B” y, durante el primer semestre de 2008, “Natacha”, de Armando Moock.
En “Jaula Obesa” ponen en juego además una estructura realista, donde el equilibrio del grupo se altera con la irrupción de un personaje del exterior.
El elenco del montaje lo integran Bárbara Vera (Carla), Horacio Pérez (Víctor), Rafael Contreras (Nelson) y la actriz invitada Mónica Carrasco (Elda).

Claves para el análisis:
- Metáforas del país actual.
- Actuación realista.
- El cuerpo como recipiente de las tensiones sociales.

Teatro comercial y de entretención

2008-09-05T12:59:00.000-07:00

Sesión 05
Invitadas:
- Rosita Nicolet, directora y actriz
- Grimanesa Jiménez, actriz

Sobre el teatro comercial:
La conceptualización en torno al teatro comercial es ambigua. La expresión en sí misma resulta vaga cuando la mayor parte de las propuestas teatrales aspiran o deben sustentarse económicamente de no mediar algún tipo de subsidio (estatal o privado).
En general, la categoría se ha empleado históricamente en oposición o contraste con el teatro de arte (aquel que explora en las distintas posibilidades de los lenguajes escénicos y promueve un discurso), teatro oficial (aquel que es subvencionado por el Estado y cumple un rol educativo al poner al alcance del público clásicos universales o contemporáneos) y teatro off o independiente (aquel que realizan las compañías independientes sin estar condicionados por la rentabilidad económica).
En ciudades con una alta actividad teatral, como Nueva York o Buenos Aires, la calificación se ha prestado incluso para generar cartografías. De este modo, las manzanas que forman parte de Broadway en NY o las grandes salas emplazadas en la avenida Corrientes, de la capital trasandina, constituyen circuitos representativos del teatro comercial.
Allí suelen predominar estrategias de marketing. Las obras son en general de estilo realista, están apegadas al formato de dramas o comedias y se enfocan como productos. Los elencos reciben un tratamiento en igual sentido y al espectador se le asegura la posibilidad de asistir a creaciones de un alto estándar de producción.
En Santiago, la categoría se ha asociado con determinadas salas a lo largo del tiempo, como el Teatro El Conventillo, Teatro Alcalá, Teatro Circus OK, Teatro San Ginés, Teatro Bellavista y Teatro Aparte.
En estos espacios ha prevalecido un modelo común de gestión, donde actores o actrices pasan a ser propietarios, productores y programadores del lugar. Su labor suele estar condicionada por la sustentación económica y para ello operan con pautas empresariales de pequeña escala en que los ingresos provienen del auspicio privado y de la taquilla, toda vez que la subvención estatal (vía Fondos Concursables de cultura) es inexistente.

Recursos y elementos distintivos
Los montajes que se presentan en el circuito comparten algunos elementos distintivos:
- Pertenecen al género de la comedia
- Las anécdotas son de fácil lectura o seguimiento
- Las situaciones que se recrean son reconocibles y se enfatizan con diseños de vestuario y escenografía acordes
- La estructura dramática privilegia los diálogos, con entradas y salidas de personajes, aunque son comunes también los unipersonales que operan como confesiones a público o la narración de escenas independientes que conforman un todo
- Abordan generalmente temáticas sexuales, de género o referidas a la convivencia o las relaciones de pareja
- Los personajes se sustentan en caracterizaciones o estereotipos
- Incluyen referencias directas a la contingencia
- Establecen una convención en el escenario que respeta la cuarta pared y que se altera con interpelaciones a público para enfatizar el humor
- Los elencos suelen incluir a actores o actrices que se han perfilado como comediantes
- La labor de dirección se concentra en la puesta en escena de la trama y en la mantención de un determinado ritmo
- Se privilegia la función de entretención
- La crítica social se encubre bajo la parodia

Cuestionamientos
El género ha sido objeto de cuestionamientos en el país desde las primeras décadas del siglo XX, cuando la emergente escena comercial y empresarial solía asociarse con el bataclán, espectáculo revisteril que combinaba canciones, sketches y la participación de algún humorista.
El escritor y crítico Daniel de la Vega llegó a escribir en 1930: “Este nuevo teatro, mareado por los alaridos del jazz, arrastrado por la fealdad agresiva del charlestón, ha vuelto definitivamente las espaldas a los valores artísticos”.
Las críticas tienden a reparar en el nivel de profundidad de los contenidos, en el deslizamiento recurrente de los argumentos hacia el humor, en la carencia de un enfoque de dirección y en la frecuente alusión a la sexualidad.
No obstante, el público tiende a responder favorablemente a las propuestas de este orden y en el listado de hitos de taquilla figuran: “¿Quién me escondió los zapatos negros” y “De uno a diez, ¿cuánto me quieres?”, de la compañía Teatro Aparte; “¿Quién dijo que los hombres no sirven para nada?”, una adaptación de “Hombres”, de Sergi Belbel, con dirección de Rosita Nicolet; y “Sinvergüenzas”, adaptación local de Liliana Ross a partir de “Full Monty”.
Hoy en día se sostiene que las obras pertenecientes al teatro comercial son aquellas por las cuales el espectador debe pagar una entrada. Según esta acepción, la mayoría (sino la totalidad) de las creaciones en cartelera se inscriben en esta categoría. La diferencia radica en sus fuentes de financiamiento, ya que concursos como Fondart han modelado una línea de creaciones que se aparta del interés puramente comercial.

Sobre el Teatro Alcalá
El Teatro Alcalá se encuentra emplazado en Bellavista 97. Lo conforman dos salas: García Lorca y Neruda. La primera tiene 350 butacas; la segunda, 160.
Es gestionado por una sociedad comercial encabezada por Rosita Nicolet, quien además de propietaria hace las veces de productora y programadora.
Comenzó a operar en mayo de 2001 con la reposición de la obra “Boeing Boeing”, dirigida por Cristián Campos.
El montaje fue un homenaje al director y actor español José Vilar, quien ganó notoriedad en Chile a fines de los años 70 y comienzos de los 80 con el proyecto “Teatro en el teatro”, que escenificó comedias para la televisión.
En la sala se presentan anualmente alrededor de 6 montajes. Una alta cuota es gestionada por Nicolet. En ellos participan elencos que, en la práctica, constituyen una compañía estable, con Tichi Lobos, Javiera Contador y Luis Gnecco, entre otros.
Algunos títulos programados en el lugar son: “El cuando quiere, ellas cuando pueden”, “Infieles de ocasión”, “Colegio de monjas”, “Se quieren mucho, poquito, nada”, “Brujas” y “El gato bakano” (infantil).

Nueva sesión de Escuela de Espectadores analiza el Teatro Comercial

2008-08-31T19:50:00.001-07:00

El llamado Teatro Comercial o de Entretención será analizado en la próxima sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro, que se llevará a cabo el miércoles 3 de septiembre a las 19.30 horas en el Teatro del Puente.
Las invitadas para profundizar en el tema son las actrices Cristina Tocco y Rosita Nicolet.
Ambas han desarrollado proyectos independientes y llevan a cabo producciones sustentables en el tiempo.
Rosita Nicolet es propietaria y gestora del Teatro Alcalá. Además de actuar, ha cumplido labores de dirección y producción.
Cristina Tocco se ha dedicado en los últimos años a la producción y presentación de espectáculos unipersonales.
Entrada liberada.

Fecha: Miércoles 03 de septiembre
Horario: 19.30 horas
Lugar: Teatro del Puente

Inscripciones en:
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.com

Claves para el análisis de "Clase", de Guillermo Calderón

2008-08-26T15:40:00.001-07:00

Sesión 04
Lunes 25 de agosto, Lastarria 90.

Obra analizada: “Clase”, de Guillermo Calderón
Invitados:
- Guillermo Calderón, autor y director
- Francisca Lewin, actriz
- Roberto Farías, actor

Sobre la obra:
La obra “Clase” ha sido escrita y dirigida por Guillermo Calderón y comenzó temporada el fin de semana en la sala Mori Bellavista, tras cumplir un período de rodaje.
El texto encara el Chile de las protestas estudiantiles para cuestionar el sistema de educación, las relaciones de poder profesor-alumno y la perpetuación de la discriminación social.
En escena se muestra a un profesor abatido y despiadado (R. Farías) que luciendo una herida ensangrentada en el rostro se sincera con una alumna aparentemente impoluta, empeñada en disertar sobre el Buda y la iluminación (F. Lewin), mientras el resto del alumnado protesta en las calles.
La situación da curso a una confrontación generacional de tintes ideológicos en torno al sentido de futuro, la desesperanza y la precaria posibilidad de un cambio social.
Junto al humor sombrío e irreverente frente a todo precepto políticamente correcto (en especial, en torno a la conducta ejemplar e inmaculada que se espera de un profesor), la puesta se apoya en la dinámica actoral del elenco.
El montaje enriquece sus niveles de lectura gracias al diseño de Loreto Martínez, que reserva para el cierre una imagen alegórica que se ofrece al espectador como una instalación conceptual sobre el movimiento estudiantil, mientras se escuchan mantras.

Sobre el autor:
Guillermo Calderón (1971) es actor, director y dramaturgo. Ganador de premio del Círculo de Críticos en 2006, Altazor 2007 y recientemente del premio José Nuez Martín 2008.
Estudió actuación en la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile y completó un post-grado en el Actor's Studio de Nueva York, además de estudios de cine en la City University of New York y formación superior en la Escuela de Teatro Físico Dell´Arte en California. Ha dirigido “La caída de la Casa Usher”, montaje por el cual fue invitado a Cádiz y Bayonne, e “Historias de Familia”.
En 2006 estrenó “Neva”, una de las piezas chilenas que mayor reconocimiento ha alcanzado en el extranjero. La puesta contó dramaturgia y dirección de Calderón y fue desarrollada junto a la compañía Teatro en el Blanco, que integran Trinidad González, Paula Zúñiga y Jorge Bécker.
En ella patentó una escritura que se distancia tanto de la tradición como de los ejercicios estilísticos y formales de quienes podrían ser sus compañeros de generación.
La obra propone un acercamiento al contexto social de Antón Chéjov y a su trastienda personal y hace patente los límites del realismo, lo que –de alguna manera – equivale a volver sobre la crisis de la escena del siglo XX.
Para ello ficciona en torno a la suerte de Olga Knipper, la viuda de Chéjov, cuando a seis meses de la muerte de este último ensaya “El jardín de los cerezos’’ en San Petersburgo el 22 de enero de 1905, jornada que se conocería como Domingo Sangriento a causa de los cruentos hechos que costaron la vida a miles de obreros tras la represión de las tropas zaristas y que constituyeron la antesala de la revolución.

Sobre la dramaturgia:
Tanto en “Neva” como en “Clase”, el autor ha mostrado dominio del tempo, de las técnicas narrativas, los monólogos y los diálogos.
Además, tiende a introducir quiebres en el desarrollo de las obras que permiten hablar de una meta-dramaturgia. Sugiere no temerle a las palabras ni a la capacidad de remoción.
En “Neva”, la escritura adopta a ratos el tono de un alegato frente a la discutida validez de las técnicas de actuación y al ensimismamiento creativo del artista que lo aparta del presente histórico.
En “Clase”, muestra una fuerza lírica de arrolladora contingencia.
Estilísticamente, la dramaturgia de Calderón parece tender un puente entre los fantasmas y preocupaciones que rondaron a los autores de la generación del ’50 y las rupturas a que han dado pie los nuevos dramaturgos.

Sobre la compañía:
“Clase” ha sido escenificada por la Agrupación La Reina de Conchalí, que reúne a Francisca Lewin, Roberto Farías y la diseñadora Loreto Martínez.

Extracto de “Clase”:
“En mi casa no había libros.
Sólo cariño.
Mis padres tenían un corazón grande y la mirada simple.
No tenían libros.
A veces llovía y llegaba el otoño pero todo lo que sentíamos se quedaba ahogado aquí porque sabíamos pocas palabras.
Partí tarde”.

Claves para el análisis:
- Vínculo entre maestro y alumno.
- Crisis educacional.
- El enfoque de Oriente y Occidente frente a la trascendencia
- El budismo, la iluminación y la inmanencia

Cartelera:
“Clase”. Funciones: Jueves a sábado a las 20.30 horas. Sala Mori Bellavista. Constitución 183. Reservas: 7776246. Valor entradas público general: $6.000.
Convenio Escuela de Espectadores: $3.000*
* Para hacer uso del convenio es requisito estar inscrito en la Escuela de Espectadores, hacer reservas previamente dado que los cupos son limitados y presentar en la boletería del teatro la tarjeta distribuida en la sesión del lunes 25 de agosto.

Nota importante:
Las próximas sesiones de la Escuela de Espectadores se llevarán a cabo los días miércoles 3 y 10 de septiembre en el Teatro del Puente (Parque Forestal s/n) a las 19.30 horas.

Apuntes sobre el Festival de Dramaturgia Europea Contemporánea

2008-08-19T17:35:00.000-07:00

Sesión 03

Realizada el lunes 18 de agosto.
Invitados:
- Heidrun Breier, directora de “Pánico escénico”, de Mirjam Neidhart (Suiza)
- Héctor Noguera, director de “Enemigo interior”, de José Sanchis Sinisterra (España)
- Kathy Salosny, protagonista de “La Madonna de Shoreditch”, de Rebecca Lenkiewicz (Reino Unido)
- Luis Ureta, director de “Los Mountainbikers”, de Volker Schmidt (Austria).

Sobre el festival:
El Festival de Dramaturgia Europea Contemporánea se realiza desde el año 2000 en Santiago por iniciativa de misiones diplomáticas e institutos binacionales.
Su objetivo es difundir textos de autores europeos contemporáneos que no han sido estrenados en Chile.
Conforme se han ido sucediendo las versiones, se han ido sumando países a la organización del certamen. La programación de 2008 incluye un total de 16 obras provenientes de Alemania, Austria, Croacia, España, Francia, Italia, Reino Unido y Suiza.
Los textos son elegidos durante el primer semestre de cada año por un comité asesor y su escenificación se encarga a directores y elencos chilenos en dos formatos: lecturas dramatizadas y semi-montajes.El ejercicio de cruce de escrituras europeas y estéticas locales permite ahondar en nuevas lecturas de los textos y confrontar miradas respecto de los temas de las obras.

Claves para el análisis:
- Dramaturgia y fragmentación: “Para quien ya no tiene una imagen global y unificada del mundo, la reproducción de la realidad por el teatro sigue siendo necesariamente fragmentaria. En tal caso ya no se intenta elaborar una dramaturgia que reúna artificialmente una ideología coherente y una forma adecuada, de modo que una única representación recurre a menudo a varias dramaturgias. (Patrice Pavis en “Diccionario del teatro”):
- Nueva Dramaturgia: Calificativo que suele darse a un movimiento de autores teatrales que estrenan con posterioridad a la década de los ’80 y a la caída del Muro de Berlín, cuyas obras retratan el nuevo escenario occidental tras la desaparición de las utopías colectivas. Se caracterizan por la renuencia a emplear estructuras clásicas de escritura y por ensayar formas heterogéneas en que fusionan corrientes, modelos y citas (incluso a otras disciplinas artísticas). Su desarrollo es particularmente significativo en los países de habla alemana e inglesa.

- Superficie textual: Expresión acuñada para categorizar textos contemporáneos que no incluyen indicaciones, didascalias ni caracterización de personajes. Suelen leerse como una suma de voces y estados internos, aunque es corriente que se titule cada escena. En ellos predominan las elipsis y se transforman en un material que el director habrá de poblar con su poética en la puesta en escena.

Tópicos corrientes de la dramaturgia europea contemporánea:
- Nostalgia por un espacio de pertenencia en contraposición a un entorno de desamparo;
- Descripción de la ciudad como un espacio inhóspito que activa la desazón en el individuo;
- Estructuras sociales y familiares en crisis a causa de un sistema económico que demuele todo vínculo;
- Predominio de la enajenación, la indolencia y el ensimismamiento como barreras de defensa frente a la violencia cotidiana y los conflictos bélicos en curso;
- Reelaboración del absurdo como una herramienta para encubrir un sistema hostil y una convivencia en precario equilibrio;
- Retrato del fracaso de las utopías personales tras el derribamiento de las utopías colectivas;
- Imposición de una visión de mundo individual tributaria del zapping, del consumo y la insatisfacción;
- Carencia, desconfianza o improbabilidad de elaborar discursos o desarrollar sicologías;
- Retrato de comunidades atrofiadas en sus vínculos por el desarrollo tecnológico (en particular, por los medios audiovisuales, la comunicación virtual y la interacción digital); Fracaso en Occidente de un mundo civilizado libre de las pulsiones básicas, el abuso y la violencia

Cartelera:
Festival de Dramaturgia Europea Contemporánea.
Desde el jueves 21 de agosto al 5 de septiembre.
Semi-montajes:
Horario: 20.00 horas
Sedes: Goethe Institut (Esmeralda 650) y Centro Cultural de España (Providencia 927)
Lecturas dramatizadas:
Horario: 17.30 horasSede: Instituto Italiano de Cultura (Triana 843, Providencia)

Claves para el análisis de obra "Un roble", de Tim Crouch

2008-08-13T22:15:00.000-07:00

Sesión 02
Invitados:
- Marcelo Alonso, protagonista
- Constanza Brieba, traductora
- Claudia di Girolamo, actriz invitada

Sobre la obra:
“Un roble” fue escrita, dirigida y protagonizada por el inglés Tim Crouch en el año 2005. Tuvo un preestreno en Alemania y luego ha cumplido temporada en Londres y Nueva York.
Las condiciones para llevarla a escena son inusuales: un actor o actriz es informado poco antes de la función de la estructura general del texto y, una vez en escena, debe seguir las indicaciones específicas que le susurra el protagonista, su único compañero de reparto.
La pieza se desarrolla a la manera de una rutina de hipnosis en la que el actor/actriz invitado/a toma parte como voluntario. La sesión está fechada en el futuro (un año después de que se lleva a cabo la representación) y es dirigida por un hipnotizador que ha perdido sus dotes.
Conforme avanzan las 8 escenas, se hace evidente que el vínculo que enlaza a los personajes es un accidente donde ha muerto una menor, que el hipnotizado es el padre de la víctima y el hipnotizador, el responsable de la colisión.
El primero ha recurrido aparentemente para procesar el duelo y dilucidar el acto de transferencia por el cual ha trocado a su hija muerta en un roble.
No obstante, el texto no entrega una lectura definitiva de la situación y la deja en un punto incierto, ya que la anécdota puede ser descifrada también como un contenido de la psiquis del hipnotizado que emerge durante la sesión.
El título de la obra alude a una mini instalación que en 1973 presentara el artista irlandés Michael Craig-Martin y que mostraba un vaso de agua arriba de una repisa, con un cartel que indicaba que allí se habían transportado las cualidades físicas de un roble.
Además de las indicaciones sobre la puesta en escena, el texto original detalla las composiciones que se escucharán durante la representación: el aria de las “Variaciones de Goldberg”, de Johann Sebastian Bach, y un fragmento de la cantata “Carmina Burana”, de Carl Orff (la primera parte del preludio: “O Fortuna”).
La actuación de Crouch en el montaje original fue premiada en el Festival de Teatro de Brighton, en 2006. En Nueva York y Londres han sido incorporados célebres actores como invitados. Entre ellos, Mike Myers (“Austin Powers”) y Frances McDormand (“Fargo”).

Sobre el autor:
Tim Crouch es actor, director y dramaturgo. Además de “Un roble” (“An oak tree”) ha montado y protagonizado “My arm”, “I, Caliban” y recientemente “England”.
En estos trabajos ha sellado un discurso que le otorga una valoración prioritaria al espectador. En su opinión, “el teatro sólo puede ser completado por el público” y “demasiado a menudo se ignora la implicación del espectador”, al que también considera autor.
En igual sentido, afirma que quienes “pueden cambiar el mundo son los espectadores, no los actores”. Con ese fin, sus creaciones ofrecen a la audiencia instancias de variado tipo: lecturas abiertas (“Un roble”) u objetos que luego se emplean en escena (“My arm”). El objetivo es permitir que cada uno “escriba” su propio montaje.
Respecto a “Un roble” ha dicho:
- “Lo que hago es contar historias. Cuando escribí esta obra, me interesaba cuestionar el poder del director en el teatro. Quería demostrar al público que había un camino distinto de representación”.
- “De algún modo, la estructura le indica a los actores que no hay nada que puedan hacer mal. No los encierra, sino les invita a confiar en las instrucciones que son visibles y audibles”.
- “La reflexión en torno al control es importantísima. En un montaje tradicional, está siempre difuminado a través de las instrucciones escondidas de la dirección. Y lo que el espectador ve es a un elenco siguiendo esas indicaciones. Por tanto, hay un truco que explica que uno crea en aquello que ve. En «Un roble», todas estas dinámicas se hacen visibles”.
- “La hipnosis es una metáfora. Soy un convencido de que en el teatro el público efectivamente está hipnotizado: creen en cosas que no son ciertas y que operan en el subconsciente. El hipnotizador de esta obra es una alegoría del artista por el hecho de trabajar con el poder de la sugestión. Es lo que hace cualquier creador. La historia es la muerte de una niña y lo que me interesa es la respuesta del intérprete a esta pérdida. Pienso que la metáfora traspasa a los personajes y queda como una idea. Uno es el artista y el otro no es el artista. Después del accidente, el artista pierde sus habilidades y el padre crea una obra de arte en el árbol”.
- “Siempre me preguntan si el próximo trabajo tendrá esta modalidad. Es un área que estoy investigando. Lo que me interesa es indagar en la reacción del espectador”.
(Citas correspondientes a entrevista concedida al diario La Segunda).

Sobre el montaje chileno:
La obra fue traducida al español el año 2007 por la directora chilena Constanza Brieba, quien conoció el trabajo de Tim Crouch en Londres junto a Alfredo Castro.
El texto tuvo una primera versión en formato de lectura dramatizada en el contexto del Festival de Dramaturgia Europea Contemporánea bajo dirección de Constanza Brieba.
El pasado viernes 8, Alfredo Castro estrenó una versión que protagoniza Marcelo Alonso. El listado de actores invitados incluye a Claudia di Girolamo, Amparo Noguera, Catalina Saavedra, Luis Gnecco, Néstor Cantillana y Rodrigo Pérez.
Durante agosto, la puesta ofrecerá una mini temporada de 6 funciones.

Conceptos asociados al montaje:
- Distanciamiento (o extrañamiento): Concepto acuñado por el teatro épico de Bertolt Brecht que apunta a distanciar la realidad representada en escena para que sea vista bajo una nueva perspectiva y se ponga de manifiesto un lado que hasta entonces ha permanecido oculto. Para este fin se emplean distintos componentes de la puesta en escena: la fábula, el decorado, la gestualidad, las interpelaciones al público, las canciones o la interpretación actoral (el actor no encarna al personaje: lo muestra, manteniéndolo a distancia). Según Brecht, “el efecto del distanciamiento transforma la actitud aprobadora del espectador basada en la identificación, en una actitud crítica… Una imagen distanciadora es una imagen hecha de tal modo que el objeto sea reconocible pero que al mismo tiempo le dé un aspecto extraño” (Pequeño Organon, 1963).
- Transferencia: Concepto de uso frecuente en la terapia psicoanalítica que alude a la proyección inconsciente que el paciente hace de sus complejos o conflictos (especialmente de la infancia) sobre el vínculo que establece con su terapeuta. Es usual que a este último se le identifique con alguna de las figuras parentales. El proceso de transferencia se desarrolla de modo intenso al inicio de la terapia y decanta conforme se avanza en el análisis. Los contenidos que se transfieren pueden ser de distinta naturaleza (hostiles, eróticos, etc).
- Hipnosis: Inducción de estado de trance individual o grupal que se lleva a cabo a través de técnicas verbales o no verbales de sugestión. Es usual que los sentidos de quien es hipnotizado se mantengan en estado de alerta, aunque no registre los comportamientos que lleva a cabo. Aparentemente, durante la hipnosis se produce una disolución de los contornos de la identidad del yo y la persona se identifica con la psique de quien le hipnotiza. Los estados hipnóticos o de trance son propios del éxtasis místico y se los sistematiza desde el antiguo Egipto. Su estudio en Occidente data del siglo XVIII cuando Franz Anton Mesmer aplicó estas técnicas para curar a numerosos pacientes con crisis de histeria, lo que se considera el primer acercamiento al inconsciente y antecedente del psicoanálisis. De hecho, hay quienes sostienen que la persona histérica se auto-hipnotiza inconscientemente y se sume en un estado somático determinado para evitar un conflicto interno.
- Texto sugerido: “Las bacantes”, de Eurípides.
- Película sugerida: “Solaris”, de Andrei Tarkovsky .

Cartelera:
“Un roble”.
Funciones: 21, 22, 29 y 30 de agosto a las 21.00 horas.
Teatro La Memoria. Bellavista 0503.
Reservas: 732 30 00.
Valor entradas público general: $7.000.
Convenio Escuela de Espectadores: $3.000**

Para hacer uso del convenio es requisito estar inscrito en la Escuela de Espectadores, hacer reservas previamente dado que los cupos son limitados y presentar en la boletería del teatro la tarjeta distribuida en la sesión del lunes 11 de agosto.

Entradas rebajadas para inscritos en Escuela de Espectadores

2008-08-10T20:43:00.000-07:00

La obra “LA OMISION DE LA FAMILIA COLEMAN”, de Claudio Tolcachir, ofrecerá descuentos a los inscritos en la Escuela de Espectadores en las funciones de las 22.00 horas del martes 12 y miércoles 13 en la sala Mori Bellavista (Constitución 183. Fono: 7776246).
Las entradas tendrán un valor de $3.000 para quienes presenten la tarjeta distribuida en la sesión del 11 de agosto.
El análisis del montaje se incluye en el libro editado con las sesiones del primer ciclo.

"Un roble", de Tim Crouch, en nueva sesión de Escuela de Espectadores

2008-08-09T16:56:00.000-07:00

La obra "Un roble", de Tim Crouch (en la imagen), será analizada en la sesión de la Escuela de Espectadores del lunes 11 de agosto.

De estructura atípica, la pieza ha sido estrenada en la sala La Memoria con dirección de Alfredo Castro y ofrecerá durante agosto una breve temporada.

La puesta es protagonizada por Marcelo Alonso, quien en cada función es acompañado por un actor o actriz invitado para tomar parte en una sesión de hipnosis teatral.

El original fue traducido al español por Constanza Brieba.

La sesión de análisis contará con la participación de Marcelo Alonso, Constanza Brieba y Claudia di Girolamo (una de las actrices invitadas en la temporada).

Lunes 11 de agosto.

19.30 horas.

Sala Lastarria 90.

Entrada liberada previa inscripción en:

escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.com

Claves para el análisis de "La pequeña historia de Chile"

2008-08-06T11:17:00.001-07:00

Apuntes de la sesión del lunes 4 de agosto.

Invitado:
Marco Antonio de la Parra, dramaturgo

Sobre el texto:
La obra “La pequeña historia de Chile” fue escrita por Marco Antonio de la Parra en el año 1994. Fue seleccionada en la Muestra de Dramaturgia Nacional en 1996 y estrenada esa misma temporada por el Teatro Nacional con dirección de Raúl Osorio.
El texto muestra a un grupo de profesores en una zona incierta (acaso el purgatorio) pugnando por llevar a cabo una clase de historia en medio de trastos desperdigados, mapas extraviados y referentes clásicos desdibujados.
El Rector y sus cuatro colaboradores parecen condenados a persistir con la rutina escolar pese a la ausencia del alumnado.
En los comentarios que acompañan a la pieza original, el autor indica que los personajes “parecen más espectros que seres de carne y hueso. Se diría recuerdos deformados por el mal trato del olvido”.
Ello explica que en las 19 escenas que integran la obra se formulen citas recurrentes a los patrones clásicos de la instrucción pública local, como el empleo de tiza, pizarrón y pupitres o el ejercicio de pasar la lista.
En clave de sátira, farsa y absurdo, el texto configura progresivamente un espejo del modo en que la sociedad chilena enfoca la memoria colectiva. A la vez, rinde tributo al magisterio y retrata las condicionantes que deben enfrentar los llamado “profesores fiscales”.
Al desplazar la situación hacia un territorio no realista, la dramaturgia explora en una narrativa onírica en que se entrecruzan los delirios y pesadillas de los protagonistas.

Sobre el autor:
Marco Antonio de la Parra (1952) suma 30 años abocado a la dramaturgia. En ese período ha escrito cerca de 50 obras y se ha mostrado proclive a experimentar con las formas.
Estrenó sus primeras creaciones en 1978 (“Matatangos”, “Lo crudo, lo cocido y lo podrido’’) en paralelo a su ejercicio como médico psiquiatra. Desde entonces ha dado pie a una significativa producción literaria, no sólo teatral, y ha impulsado una variedad de iniciativas.
Su producción de tres décadas es posible parcelarla en cuatro campos temáticos:
- Revisión crítica de la historia local con recursos expresionistas, deformación del realismo y matices esperpénticos (“Lo crudo, lo cocido y lo podrido’’, “La pequeña historia de Chile’’).
- Reescritura de grandes mitos universales y de relatos de la cultura pop subvirtiendo cánones (“King Kong Palace’’) o apegándose a la narrativa del sueño (“Tristán e Isolda’’, “Ofelia o la madre muerta’’).
- Reubicación de los discursos y las escrituras que han modelado el pensamiento de Occidente en formatos fílmicos (“Dostoievski va a la playa’’), claves humorísticas (“La secreta obscenidad de cada día’’) o simbólicas (“Dios ha muerto’’).
- Retrato de los vaivenes que han seguido las relaciones de pareja –en particular, en la clase media – en un mundo en que se desdibuja la utopía del amor (“Infieles’’) merced a la traición de la memoria (“El continente negro’’).
En la última etapa conserva su interés por revisitar la historia, aunque desde el relato doméstico (“Las costureras’’) o poniendo en perspectiva íconos latinoamericanos (musical “Pancho Villa”). Junto a ello ha acrecentado el uso de la plataforma escénica como espacio para denostar los vicios de la sociedad del espectáculo (“La vida privada’’) o llamar la atención sobre el abandono infantil (“La cruzada de los niños’’).
De gran elocuencia y exacerbación verbal, el conjunto de su dramaturgia es ecléctico e híbrido. A causa de esto se le califica de postmoderno.

Sobre el montaje:
Las dos versiones que ha tenido “La pequeña historia de Chile” se han presentado en la sala Antonio Varas y han sido dirigidas por Raúl Osorio.
En 1996, el elenco lo integraron Sergio Aguirre, Gaby Hernández, Alex Zisis, Rebeca Ghigliotto y Pablo Macaya. En la puesta estrenada en junio de 2008, intervienen Blanca Mallol, Víctor Rojas, Nicolás Zárate, Rodrigo Muñoz-Medina y Priscila Huaico.
El actual montaje enfatiza el tono grotesco insinuado en el original de un país renuente a reconocerse en su historia y establece vínculos con el debate en torno a la calidad de la educación que se ha venido desarrollando.
Tácitamente contrasta además técnicas rudimentarias de instrucción que han sido objeto de una revisión crítica a partir de la incorporación de las nuevas tecnologías en las aulas.
La producción introduce pasajes musicales (composición: Patricio Solovera) y las actuaciones adoptan un estilo esperpéntico (según la terminología de Valle Inclán: es decir, una realidad excéntrica y distorsionada).

Claves de análisis:
- Vínculo de la obra con otras creaciones del autor
- Convención ideada por la dramaturgia (mundo onírico, absurdo, purgatorio) y la dirección (sátira, farsa)
- Metáfora o alegoría que ofrece el montaje respecto de la contingencia
- Estilo de actuación que adopta el elenco (farsa, esperpento)

Cartelera:
“La pequeña historia de Chile”.
Funciones: de jueves a sábado a las 20.00 horas.
Sala Antonio Varas. Morandé 25.
Reservas: 6961200.
Valor entradas: $6.000 y $3.000.
Convenio Escuela de Espectadores: $2.000*

* Para hacer uso del convenio es requisito estar inscrito en la Escuela de Espectadores y presentar en la boletería del teatro la tarjeta distribuida en la sesión del lunes 4 de agosto.

"La pequeña historia de Chile" abre nuevo ciclo de Escuela de Espectadores

2008-07-24T20:38:00.000-07:00

Con la participación de la actriz Blanca Mallol, el director Raúl Osorio y el dramaturgo Marco Antonio de la Parra se abre el nuevo ciclo de la Escuela de Espectadores de Teatro el próximo lunes 4 de agosto.

La sesión estará dedicada a la obra "La pequeña historia de Chile" que se encuentra en cartelera en la sala Antonio Varas y abordará los distintos aspectos de la puesta en escena.

La Escuela de Espectadores es un programa de análisis y discusión de los espectáculos y lenguajes teatrales en que los responsables de cada creación abordan la trastienda del proceso artístico y se entregan claves de interpretación.

La sesión del lunes 11 de agosto estará dedicada a la obra "Un roble", del inglés Tim Crouch, y en ella intervendrán el director Alfredo Castro y el actor Marcelo Alonso.

Cada encuentro se desarrollará a las 19.30 horas en la sala Lastarria 90.

Invita: Minera Escondida

Nuevo ciclo de Escuela de Espectadores de Teatro a partir de agosto

2008-06-26T17:01:00.000-07:00

La Escuela de Espectadores de Teatro realizará un nuevo ciclo a partir del mes de agosto.
Las sesiones serán semanales, se realizarán los días lunes a las 19.30 horas en la sala Lastarria 90 y estarán dedicadas a las obras que se encuentren en cartelera en las distintas salas de Santiago.
Desde ya se reciben inscripciones en el siguiente correo:
escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es

O en el teléfono:
02-328 18 65
Cupos limitados.
El ciclo está dirigido a todo público y es gratuito.

Presentan libro de Escuela de Espectadores en el Teatro Municipal

2008-05-13T20:53:00.000-07:00

Una sesión especial dedicará la Escuela de Espectadores de Teatro a la obra “El capote” el sábado 17 de abril en la sala Claudio Arrau del Teatro Municipal.

Además de analizar los distintos componentes de la puesta en escena creada por Aline Kuppenheim y Paola Giannini, el encuentro servirá de marco para el lanzamiento del libro que compila el ciclo desarrollado en enero pasado como parte del Festival Internacional Santiago a Mil y que totalizó 220 inscritos.

La iniciativa gestionada por el crítico Javier Ibacache y la investigadora Soledad Lagos se plantea como un espacio de discusión en torno a los espectáculos teatrales en cartelera y se orienta a dotar al público de herramientas que le permitan enriquecer su capacidad analítica de los montajes.

La primera versión del programa se llevó a cabo con aportes de Fondart y en coproducción con Santiago a Mil, tuvo como sede el Centro Cultural Alameda y reunió en promedio a 85 personas por encuentro.

La conformación del público asistente fue variada e incluyó a niños, estudiantes secundarios y universitarios, profesionales jóvenes y adultos, dueñas de casa y jubilados.

Además de recibir apuntes de apreciación teatral, 114 de los participantes respondieron una encuesta de consumo cultural.

El material fue procesado por la socióloga Camila van Diest y demuestra que más del 70 por ciento de los participantes no tenían vinculación con el teatro y que en el conjunto predominaron los jóvenes y los adultos de la tercera edad. Asimismo, se constató una favorable predisposición a seguir participando en la iniciativa.

En paralelo, las sesiones fueron transcritas, editadas y compiladas en un libro de 180 páginas que reproduce las intervenciones de los invitados a los encuentros.

El listado incluye a Claudio Tolcachir (Argentina), director de “La omisión de la familia Coleman”; Alexander Stillmark (Alemania), director de “Philotas”; Declan Donnellan (Inglaterra), director de “Noche de reyes”; Diego de Brea (Eslovenia), director de “Eduardo II”; Alex Rigola (España), director de “2666”; Janez Pipan, director general del Teatro Nacional de Eslovenia; Miriam Rinaldi y Sergio Siviero (Brasil), protagonistas de “El libro de Job”.

De Chile figuran Juan Carlos Zagal y Laura Pizarro de la compañía Teatro Cinema (“Sin sangre”); Ramón Griffero y Verónica García-Huidobro del grupo Teatro de Fin de Siglo (“Fin del eclipse”); Elizabeth Rodríguez y Claudia Vicuña del montaje de danza contemporánea “Cuando bailo, bailo; cuando duermo, duermo”; Juan Radrigán, autor de “Las brutas”; Alexis Moreno y Alexandra Von Hümmel de compañía La María (“Abel”); y Rodrigo Bazaes, autor y director de “Pelo negro, boca arriba”.

La publicación –diseñada e impresa por LOM – será distribuida en forma gratuita entre los asistentes a las sesiones de enero y estará disponible además en bibliotecas públicas y escuelas de teatro.

La sesión del sábado 17 contará con la participación del elenco que ha adaptado el relato de Nikolai Gogol (Aline Kuppenheim, Paola Giannini, Loreto Moya y Tiago Correa), se realizará después de la función programada a las 19.00 en la sala ubicada en el segundo piso del Teatro Municipal (Agustinas 794) y los asistentes recibirán un ejemplar del libro.

En abril parte segundo ciclo de Escuela de Espectadores

2008-03-18T20:09:00.000-07:00

Tras el concurrido ciclo de enero, la Escuela de Espectadores de Teatro realizará una segunda serie de sesiones durante el mes de abril como parte del Festival de Dramaturgia Norteamericana Contemporánea.
Los encuentros se desarrollarán cada viernes en la sala Lastarria 90 (sede de la muestra) entre las 13.00 y las 14.30 horas.

En cada reunión se analizará un texto de reciente escritura de autores estadounidenses, se dialogará con los directores que estarán participando en el festival y se entregarán pautas de interpretación de la dramaturgia norteamericana actual.

El calendario es el siguiente:

Viernes 4:

"Talk radio", de Eric Bogosian

Viernes 11:

"Hurly Burly", de Dave Rabe.

Viernes 18:

"How learned to drive", de Paula Vogel.

Viernes 25:

"Young man from Atlanta", de Horton Foote.

La iniciativa se propone:
- Entregar a los espectadores las herramientas para ampliar la lectura, comprensión y valoración de los montajes.
- Formar un público capaz de dialogar con creadores, directores, elencos y dramaturgos.
- Alentar el desarrollo de un pensamiento crítico frente a los espectáculos.

Los encuentros son encabezados por Javier Ibacache (crítico de teatro y danza) y Soledad Lagos (investigadora, traductora y dramaturgista).
A las reuniones de análisis se sumarán dos encuentros abiertos con la dramaturga norteamericana Paula Vogel, principal invitada del certamen, que se llevarán a cabo los días jueves 17 y viernes 18 a las 10 de la mañana.

El ciclo es gratuito y está orientado a todo público.

Horario: 13.00 a 14.30 horas.

Lugar: Lastarria 90.

Inscripciones en el teléfono 677 71 87.

Escuela de Espectadores logra alta convocatoria de público en su primera versión

2008-01-27T17:20:00.000-08:00

Un total de 220 personas conforman la nómina de inscritos en la primera Escuela de Espectadores de Teatro que se desarrolló en el Centro Cultural Alameda como actividad paralela al Festival Santiago a Mil.

La cifra contabiliza a quienes cursaron su inscripción a través del blog (http://escueladeespectadoresdeteatro.blogspot.com/) y el teléfono durante el ciclo que se extendió entre el 4 y el 25 de enero.

Cada encuentro reunió en promedio a 85 personas, con un mínimo de 70 y un máximo de 120 asistentes.

La conformación del público fue variada e incluyó a niños, estudiantes secundarios y universitarios, profesionales jóvenes y adultos, dueñas de casa y jubilados, quienes tomaron parte de los encuentros que se llevaron a cabo los días lunes, miércoles y viernes entre las 13.00 y las 14.30 horas.

Los asistentes recibieron apuntes de apreciación teatral y pautas de interpretación de las obras y respondieron una encuesta sobre consumo cultural centrada en las artes escénicas, cuyos resultados se entregarán en marzo.

Cada reunión estuvo dedicada a uno o dos montajes de la programación del festival Santiago a Mil y consideró la participación de directores, autores y miembros de los elencos nacionales y extranjeros.

Los invitados compartieron con el público las claves artísticas que facilitan la lectura e interpretación de sus montajes.

El grupo de participantes extranjeros lo formaron Claudio Tolcachir (Argentina), director de “La omisión de la familia Coleman”; Alexander Stillmark (Alemania), director de “Philotas”; Declan Donnellan (Inglaterra), director de “Noche de reyes”; Diego de Brea (Eslovenia), director de “Eduardo II”; Alex Rigola (España), director de “2666”; Janez Pipan, director general del Teatro Nacional de Eslovenia; Miriam Rinaldi y Sergio Siviero (Brasil), protagonistas de “El libro de Job”.

De Chile intervinieron Juan Carlos Zagal y Laura Pizarro de la compañía Teatro Cinema (“Sin sangre”); Ramón Griffero y Verónica García-Huidobro del grupo Teatro de Fin de Siglo (“Fin del eclipse”); Elizabeth Rodríguez y Claudia Vicuña del montaje de danza contemporánea “Cuando bailo, bailo; cuando duermo, duermo”; Juan Radrigán, autor de “Las brutas”; Alexis Moreno y Alexandra Von Hümmel de compañía La María (“Abel”); y Rodrigo Bazaes, autor y director de “Pelo negro, boca arriba”.

Las sesiones fueron presentadas y moderadas por el crítico de teatro Javier Ibacache y la dramaturgista e investigadora Soledad Lagos, impulsores de la iniciativa.

El material fue registrado y a futuro se editará un cuadernillo con los contenidos del ciclo.

El proyecto se llevó a cabo gracias a aportes de Fondart 2007 y en coproducción con el Festival Santiago a Mil.

Director de "2666" cierra ciclo de Escuela de Espectadores de Teatro

2008-01-22T16:03:00.001-08:00

El director español Alex Rigola participará en la última sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro, que se realizará el viernes 25 en el Centro Cultural Alameda (Alameda 139) a partir de las 13.00 horas.
Considerado una de las figuras más relevantes de la escena catalana y reconocido en Alemania, Rigola presenta en Santiago la adaptación teatral de la novela "2666", de Roberto Bolaño.
El teatrista comentará diversos aspectos del montaje que tiene una duración de 5 horas y que cumple temporada en la sala Matucana 100.
La puesta del Teatro de Lliure de España recrea las cinco secciones en que se encuentra dividido el original.
Entrada liberada.
Centro Cultural Alameda.
Alameda 139.
Viernes 25 a las 13.00 horas.
Inscripciones dejando su nombre y correo en esta página o llamando a los teléfonos:
09-646 23 60
08-893 11 70

"Eduardo II" en versión eslovena será el tema de la penúltima sesión de la Escuela de Espectadores

2008-01-21T15:09:00.000-08:00

La versión eslovena de

"Eduardo II" será el tema de la penúltima sesión de la Escuela de

Espectado-

res de Teatro, que se llevará a cabo el miércoles 23 a partir de las 13.00 horas en el Centro Cultural Alameda (Alameda 139).
La obra de Christopher Marlowe es dirigida por Diego de Brea, quien participará en el encuentro para entregar algunas pistas de interpretación y lectura del montaje que se estrena en el Teatro de la Universidad Católica como parte del Festival Internacional Santiago a Mil.

La pieza fue escrita en 1592 por el contemporáneo de Shakespeare bajo el título de "El desventurado reinado y la muerte lamentable de Eduardo II de Inglaterra", basada en la vida del monarca que asumiera a los 23 años el reino de Gran Bretaña.

El personaje ha sido objeto de relecturas en el teatro y en el cine, desde Bertolt Brecht hasta Derek Jarman.

Además de internarse en la pugna en torno al poder, la obra indaga en la homosexualidad del protagonista.

Entrada liberada.

Centro Cultural Alameda (Alameda 139).

Inscripciones dejando nombre y correo en esta página o llamando a los teléfonos:

09-646 23 60

08-893 11 70.

Juan Radrigán y "Las brutas" en octava sesión de Escuela de Espectadores

2008-01-19T08:08:00.000-08:00

El dramaturgo Juan Radrigán será el invitado en la octava sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro que se realizará el lunes 21 a las 13.00 horas.
El autor comentará la puesta en escena de la pieza escrita en el año 1980 que ha sido dirigida por Rodrigo Pérez, con actuaciones de Claudia di Girolamo, Amparo Noguera y Catalina Saavedra.

El montaje fue elegido por el Círculo de Críticos de Arte como el mejor estreno de la temporada 2007 junto a "Sin Sangre", de la compañía Teatro Cinema.

La sesión abordará la escritura de Radrigán y contará además con la participación de algunos integrantes del grupo que cumple temporada en el Teatro La Memoria.
Entrada liberada.
Lunes 21 desde las 13.00 horas.
Centro Cultural Alameda (Alameda 139).
Inscripciones dejando nombre y correo en este blog o llamando a los teléfonos:
09-646 23 60
08-893 11 70

Compañía brasileña Teatro del Vértigo en Escuela de Espectadores

2008-01-16T20:45:00.001-08:00

Los integrantes de la compañía brasileña Teatro del Vértigo participarán en la séptima sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro el viernes 18 de enero.
El grupo se encuentra en Santiago para presentar la obra "El Libro de Job", inspirada en el relato bíblico y que se propone como una alegoría de las plagas contemporáneas, en particular del VIH.
Como otros trabajos del colectivo, el espectáculo ocupa un espacio público. En este caso, el director Antonio Araujo ha elegido como entorno la antigua maternidad del Hospital del Salvador.
La sesión se desarrollará a partir de las 13.00 horas en el Centro Cultural Alameda (Alameda 139).
Entrada liberada.
Inscripciones dejando su nombre y correo en esta página o llamando a los teléfonos:
09-646 23 60
08-893 11 70

"Abel" y "Pelo negro, boca arriba" en próxima sesión de Escuela de Espectadores

2008-01-14T18:02:00.000-08:00

La sexta sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada a analizar las obras "Abel" y "Pelo negro, boca arriba".
Ambas creaciones son representativas de directores y compañías que renuevan la escena local.
Para dialogar en torno a las temáticas y la puesta en escena de cada montaje participarán Alexis Moreno y Alexandra Von Hummel, de la compañía La María, cocreadores de "Abel", y Rodrigo Bazaes, autor y director de "Pelo negro, boca arriba".
El primer título fue estrenado en octubre de 2007 y enlaza cuatro historias que emergen de la desocupación en el Chile actual, escenificadas en una alternancia de estilos que oscilan entre el realismo y el teatro artaudiano, donde el cuerpo de los intérpretes evidencia lo que las palabras oscurecen.
El montaje transcurre en un cuidadoso y colorido living, sobre el cual pende desde un costado un aparatoso e imponente cuadro.
El elenco lo integran Tamara Acosta, Alexandra Von Hummel, Alexis Moreno y Manuel Peña.

"Pelo negro, boca arriba" también se estrenó en 2007. Se trata de la ópera prima del director de arte y diseñador teatral Rodrigo Basaez.
El protagonista es un peluquero que en mitad de la noche permanece tendido en la calle y en un instante (quizá poco antes de morir) pasa revista a los nudos medulares de su biografía, guiado por una suerte de alter ego que le ayuda a dimensionar la pesadumbre del abandono paterno y la falta de arrojo para elegir que ha primado en su vida.

La sesión se desarrollará a partir de las 13.00 horas del miércoles 16 en el Centro Cultural Alameda (Alameda 139).
Entrada liberada.
Inscripciones dejando su nombre y correo en esta página.
O llamando a los teléfonos:
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Le invitamos a dejar sus comentarios y asistir.

Importante: sesión sobre la obra "Las brutas" se traslada para el lunes 21 de enero

2008-01-13T18:23:00.000-08:00

Por razones de agenda de los invitados, el programa de la Escuela de Espectadores del miércoles 16 ha sido modificado.

Ese día se analizarán las obras “Abel” y “Pelo negro, boca arriba”, con la participación de los directores Alexis Moreno, Alexandra von Hummel y Rodrigo Bazaes.

El análisis de “Las brutas” se realizará en la sesión del lunes 21 con la intervención del dramaturgo Juan Radrigán, el director Rodrigo Pérez y el elenco de la obra.

La danza contemporánea llega a la Escuela de Espectadores

2008-01-12T14:57:00.001-08:00

La quinta sesión de la Escuela de Espectadores estará dedicada a la danza contemporánea y tendrá como invitadas a la coreógrafa Elizabeth Rodríguez y a la bailarina Claudia Vicuña.
A partir de las 13.00 horas del lunes 14, ambas analizarán el montaje "Cuando bailo, bailo; cuando duermo, duermo" que forma parte de la programación del Festival Santiago a Mil y que cuenta con la realización audiovisual de Carola Sánchez.
Aunque trabaja en el circuito de la danza contemporánea desde la década de los '80, Elizabeth Rodríguez estrenó su primera creación en 1990 ("Entre-Lunas"), con la que fue premiada en los Encuentros Coreográficos de la Universidad Católica.
En 1997 reapareció con el solo “De cómo un espacio invertido se convirtió en… pescado’’, que la llevó a Alemania, Argentina y a la Judson Church, de Nueva York, al amparo del Mouvement Research.
En 1998 recibió aportes de Fondart y de la Fundación Andes para una investigación más ambiciosa: “Espacios invertidos (y lo que el cuerpo no se acuerda) ’’, donde dirigió a Mauricio Barahona, Ana Carvajal, Paula Sacur, José Luis Vidal y Claudia Vicuña y contó con la colaboración de dos escultores (Osvaldo Luco y Paula Rubio) para indagar en la diversidad de posibilidades y formas que puede asumir el espacio escénico.

En el año 2000 dirigiría sólo a mujeres (Ana Carvajal, Julieta Figueroa, Eileen Jacar, Paula Sacur, Francisca Sazié y Claudia Vicuña) en el entendido de aproximarse a la narrativa de los sueños que opera con una lógica de asociaciones en “Sin respiro”.En esa etapa incorporó el trabajo audiovisual de Carola Sánchez para recrear el espacio onírico.

En las últimas temporadas ha intervenido como intérprete en “La Patria’’, una trilogía teatral creada por Rodrigo Pérez.
En 2007 volvió a la dirección con “Cuando bailo, bailo; cuando duermo, duermo’’, un trabajo de investigación coreográfica donde también intervino Claudia Vicuña.
Su interés estuvo puesto en el quiebre de toda línea narrativa, en poner a prueba la percepción habitual del tiempo y en desorganizar la secuencia de distintos actos cotidianos.

La sesión se llevará a cabo el lunes 14 a las 13.00 horas en el Centro Cultural Alameda (Alameda 139).
Entrada liberada.
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Ramón Griffero analiza "Fin del eclipse" en Escuela de Espectadores

2008-01-09T11:40:00.000-08:00

Ramón Griffero y Verónica García-Huidobro asistirán este viernes 11 a la cuarta sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro.

El autor y director de "Fin del eclipse" analizará junto a la protagonista de la obra las claves de la puesta que actualmente se presenta en el Teatro de la Universidad Católica.

El montaje es una estilización de la estética que patentara Griffero durante la década de los '80 y que lo convirtiera en un referente local, al trasladar al teatro elementos de la narrativa cinematográfica y modelar la llamada "dramaturgia de la escena" que divide el espacio en distintas zonas de acción.
Con esas herramientas a cuestas, la puesta avanza un paso más en la búsqueda de las posibilidades del relato escénico constatando el ocaso de las utopías sociales (un tema que siempre ha movilizado al autor) y mostrando al teatro y a la creación artística como los últimos refugios para otorgar sentido a la existencia humana.
A la manera de un juego de espejos y reflejos, entrelaza situaciones que transcurren en distintos escenarios (una balsa en el océano, el Chile de los '70, Irak, la playa de Varadero), cuyos personajes parecen soñarse entre sí en una trepidante superposición de imágenes y de motivos ligados al amor y el acecho de la muerte.

Sin artificios aparatosos, el marco lo otorgan un teatro a la italiana montado al final de la escena, los ingresos laterales que emulan la trastienda de una sala y la cubierta de una barca que simboliza el viaje.
Las interpretaciones se desplazan permanentemente entre las nociones de personaje y de actor rompiendo la ilusión teatral con comentarios aparte y probando una variedad de estilos para cada escena, donde los mejores pasajes los consigue una contundente Verónica García-Huidobro.

Homenaje a la historia del teatro, el conjunto se potencia con una lírica de gran belleza que va a la par de una riqueza de lecturas que hacen del texto un manifiesto personal del autor y, a la vez, una cantera de máximas sobre cómo asimilar hoy la existencia.

La sesión se llevará a cabo a partir de las 13.00 horas en el Centro Cultural Alameda (Alameda 139).

Entrada liberada.

Inscripciones dejando su nombre y correo en esta página o llamando a los teléfonos:

09-646 23 60

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La unidad la otorga la constante tensión entre el protagonista (un dramaturgo que escribe las escenas) y la obra o alma de la inspiración (encarnada por una suerte de diva que se resiste a la precariedad).

Teatro Cinema en Escuela de Espectadores

2008-01-08T19:53:00.000-08:00

Juan Carlos Zagal, Laura Pizarro y la compañía Teatro Cinema delinean en “Sin sangre” una manera decididamente cinematográfica de aproximarse al teatro y ensayan, de paso, una vía de clemencia frente a los dolorosos quistes sociales ocasionados en Chile por la tortura y el crimen político.

El montaje es una adaptación de la novela homónima de Alessandro Baricco (“Seda”, “Novecento”), que a su turno explora en los reveses que enlazan a víctima, salvador y victimario una vez que se sobreponen al escenario de la guerra.

Bajo el tono de fábula que predomina en la mayoría de sus relatos, el autor italiano desnuda los mecanismos que hacen de la venganza una ley arcaica y conduce a sus personajes a rebelarse y a probar un modo estoico e impasible de confrontar las heridas abiertas que los mantienen cautivos del pasado.

La versión teatral muestra un meticuloso apego al original con una variedad de resortes escénicos que la compañía pone en juego en función de las imágenes que se desprenden del libro, las que resuenan poderosamente en la historia local y configuran una elocuente alegoría.

Nina, la protagonista, es la hija de Manuel Roca, un médico que ha sido activo colaborador de prácticas de tortura en tiempos de guerra sucia y a cuyo asesinato ella sobrevive como mudo testigo, gracias a la benevolencia del más joven de los pistoleros que participan en el crimen del desquite.

Cincuenta años más tarde, la mujer se propone resarcir el daño y saldar cuentas con sus victimarios, hasta que se enfrenta cara a cara con quien antes le ha perdonado. La misericordia emerge entonces desde una zona pantanosa y fluye como una súplica reparadora que alborota el tiempo detenido en que la niña y el pistolero han quedado presos, mientras el país ha vivido el jolgorio del confort.

Asociados a un numeroso equipo de diseñadores (Rodrigo Basáez, Cristián Reyes, Cristián Mayorga, Loreto Monsalve) y técnicos (Luis Alcalde), un guionista de cine (Dauno Tótoro) y tres jóvenes actores (Diego Fontecilla, Ernesto Anacona, Etienne Bobenrieth), Zagal y Pizarro se han rebautizado para el proyecto como Teatro Cinema y con los dos lenguajes a los que aluden en el título de la nueva compañía recrean la historia en 1 hora y 40 minutos de vertiginoso encadenamiento de imágenes.

Junto con cuestionar la narrativa que se ha constelado en torno a las llamadas “violaciones a los derechos humanos” –donde el victimario carece de interés argumental y de densidad sicológica –, el montaje emplea los códigos teatrales y cinematográficos para representar los sucesos que rondan a la protagonista como una pesadilla atiborrada de viñetas sueltas, carentes de sentido, y el espacio escénico pasa a teñirse de su universo mental.

La perenne cadencia de estímulos visuales se enmarca en un soporte rectangular cerrado, con las proporciones de una pantalla de cinemascope, en que se superpone el material fílmico proveniente de tres proyectores (uno frontal y dos traseros), mientras el elenco se desplaza al interior del dispositivo en zonas delimitadas por una iluminación de alta precisión.

La amalgama de lenguajes deriva en una suerte de friso multimedia en que la mirada del espectador es guiada por una variedad de encuadres y desplazamientos de cámara y planos (paneos circulares, tilt, primerísimos primeros planos, imágenes congeladas, secciones de storyboard) proyectados sobre la escena y ordenados por recursos del montaje fílmico (cortes, fundidos, raccontos, planos secuencia y la banda sonora compuesta por J.C. Zagal).

En esto, el grupo perfecciona la convención establecida en “Jesús Betz” (2005) e insinuada en “Lobo” (1992), ambas estrenadas con formación de La Troppa.

Pese a la elaborada integración de códigos del cine, la puesta no abandona su naturaleza teatral y, al igual que en “Gemelos” (1999), las interpretaciones mediadas por el uso de micrófonos inalámbricos juegan con estereotipos y una dicción y cadencia vocal más propias de las historietas de televisión que del realismo, efecto que se acentúa con el uso de máscaras de Arlequino y pelucas en los flash-backs de la historia.

La mixtura de recursos visuales y el tratamiento de la sombría fábula en un tono propio del teatro de guiñol, no restan contundencia al alegato de fondo del texto que pulveriza todo discurso reconciliador para instalarse en el campo de las preguntas sin respuestas y, gracias a un despiadado duelo verbal de los protagonistas, sobreponerse paradójicamente a los eufemismos de la piedad y el perdón.

Por Javier Ibacache V.

Publicado en revista “Ciertopez”.

Los creadores de "Sin Sangre" e integrantes del grupo Teatro Cinema participarán en la sesión de la Escuela de Espectadores del miércoles 9 de enero a las 13.00 horas en el Centro Cultural Alameda (Alameda 139).
En diálogo con los expositores y el público comentarán el proceso de puesta en escena del montaje que cumple temporada actualmente en el Teatro Mori Parque Arauco.
Entrada liberada.
Inscripciones:
Dejando nombre y correo en esta página
O llamando a los teléfonos 09-646 23 60 / 08-893 11 70

"Noche de reyes", "Sin sangre" y "Fin del eclipse" en próximas sesiones de Escuela de Espectadores

2008-01-05T20:26:00.001-08:00

En su apertura del viernes 4 de enero, la Escuela de Espectadores de Teatro tuvo una asistencia de 95 personas, una cifra que da cuenta del extendido interés por enriquecer el análisis de las obras en cartelera y abrir un espacio de diálogo entre espectadores y creadores.
El director argentino Claudio Tolcachir y su par alemán Alexander Stillmark entregaron pistas respectivamente sobre el proceso de montaje de "La omisión de la familia Coleman" y "Philotas" y dieron cuenta de la trastienda de cada puesta en escena, además de responder las preguntas de los asistentes.
A las 13.00 horas del lunes 7 se retoman las sesiones con el análisis de la obra "Noche de reyes", de William Shakespeare, en la versión de la compañía rusa Chejov International Theatre Festival.
Su director, el inglés Declan Donnellan, asistirá junto a algunos integrantes del elenco para comentar las claves del aplaudido espectáculo que debutó el fin de semana en el Teatro Municipal.

La sesión del miércoles 9 estará dedicada a la obra "Sin sangre", de la compañía chilena Teatro Cinema (ex La Troppa), elegida como la mejor producción teatral de 2007 por el Círculo de Críticos de Arte.
El montaje se basa en la novela de Alessandro Baricco y cumple temporada actualmente en el Teatro Mori Parque Arauco.
En su factura resalta la amalgama de códigos teatrales y de recursos provenientes del cine y el cómic.
En el diálogo tomarán parte Juan Carlos Zagal y Laura Pizarro, quienes encabezan el grupo.

La reunión del viernes 11 se centrará en "Fin del eclipse", obra escrita y dirigida por Ramón Griffero que se presenta en la sala 2 del Teatro de la Universidad Católica.
La puesta superpone distintas tradiciones actorales y enlaza otras tantas situaciones históricas de la mano del viaje creativo de un dramaturgo.
En la sesión intervendrán Ramón Griffero y Verónica García-Huidobro, una de las protagonistas del montaje.

Importante: Las sesiones están abiertas a todo público.
No es necesario tener conocimientos previos.
La asistencia al ciclo es flexible (es posible participar en todas las sesiones o en las que sean de su interés).
Lunes, miércoles y viernes. De 13.00 a 14.30 horas.
Centro Cultural Alameda (Alameda 139).
Entrada Liberada.

Para cursar inscripción, deje su nombre y su correo como comentario en esta página o comuníquese a los teléfonos:
09-646 23 60
08-893 11 70

La invitación para asistir está extendida.
Y agradecemos a quienes ya se han inscrito y nos acompañan en la formación de la primera Escuela de Espectadores del país.

Por qué "aprender" a ver teatro

2008-01-02T19:29:00.000-08:00

El teatro constituye hoy en día un género de códigos propios que desafía la capacidad de lectura del espectador.
Si en algún momento se lo consideró un género literario, las corrientes artísticas del siglo XX demostraron que extiende su potencial mucho más allá de la palabra y que la escena pone en juego una caligrafía que complementa, comenta o releva al verbo.

Desde esta perspectiva, parece inadecuado continuar sosteniendo que la mera lectura de "Romeo y Julieta" o de "La viuda de Apablaza" signifique conocer en plenitud alguna de estas obras en términos teatrales. La lectura es sólo un punto de partida. Personal y parcial, por cierto.

El arte de la representación avanza hacia territorios más vastos, donde los textos se re-descubren, potencian o re-leen cuando son puestos en tensión en los cuerpos de los actores o intérpretes y se hace de ellos una metáfora, echando mano a los demás recursos de la escena.
Tal complejidad demanda un público con mayor dominio de referentes, que descifre un espectáculo no sólo en función del grado de entretención o impacto que éste les provoque, sino con un background que enriquezca su capacidad de goce estético, vinculándolo con su entorno y su realidad.

Esto no descarta ni traiciona el sentido original de la representación: conducir al espectador a un punto de identificación, empatía o conmoción que, a la larga, convierte al espectáculo en una experiencia transformadora o compensadora de algún resorte de la conciencia.

Cuando se dominan pautas de análisis y apreciación es más fácil clarificar, discutir o dirimir por qué un montaje determinado desencadena una sensación específica, ya que asistir a una representación es tomar parte en una experiencia compartida que sólo ocurre allí, en la amalgama de escena y espectadores.

NUESTROS PROPÓSITOS:

1. Entregar a los espectadores de teatro las herramientas para ampliar la lectura, comprensión y valoración de los montajes.
2. Formar un público capaz de dialogar con los creadores, alentando el desarrollo de un pensamiento crítico frente a los espectáculos.
3. Dar consistencia a un acercamiento a la puesta en escena más allá de la mera entretención.

PROGRAMA DE LAS PRIMERAS SESIONES

Viernes 4:

"La omisión de la familia Coleman" y "Philotas".

Participan los directores Claudio Tolcachir (Argentina) y Alexander Stillmark (Alemania).

Lunes 7:

"Noche de reyes" (en la imagen superior).

Participan: Declan Donnellan (Gran Bretaña) y miembros de la compañía Chejov International Theatre Festival (Rusia).

Miércoles 9:

"Sin Sangre".

Participan: Juan Carlos Zagal y Laura Pizarro de la compañía Teatro Cinema.

Viernes 11:

"Fin del eclipse".

Participan: Ramón Griffero y Verónica García-Huidobro de la compañía Teatro de Fin de Siglo.

Las sesiones, gratuitas y abiertas a todo público, se desarrollarán a partir de las 13.00 horas y hasta las 14.30. Se proyectarán imágenes de las obras para facilitar el análisis, los comentarios y el diálogo.

Inscripciones dejando su nombre y su correo en esta página o llamando a los números: 09-6462360 / 08-8931170 / 09-349 16 33.

Los directores Claudio Tolcachir y Alexander Stillmark en apertura de Escuela de Espectadores

2007-12-29T10:26:00.001-08:00

El director argentino Claudio Tolcachir (arriba) y el alemán Alexander Stillmark (imagen de abajo) participarán en la primera sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro, el próximo viernes 4 de enero.
Tolcachir estará presentando en la sala Galpón 7 su obra "La omisión de la familia Coleman" como parte del Festival Internacional Santiago a Mil. El montaje data de 2005 y es considerado uno de los hitos de la escena independiente de Buenos Aires. El texto aborda la disolución de un clan trasandino de clase media pero se presta además para ser leído como metáfora de una crisis de época.
La puesta abunda en aciertos de interpretación en un estilo propio del naturalismo.
Alexander Stillmark repondrá desde el viernes 11 en la sala Antonio Varas su versión de "Philotas", de Gotthold Ephraim Lessing, que revisa el texto escrito en 1758 e indaga en la validez actual del ideario heroico.
Con el propósito de facilitar el análisis y el diálogo, se proyectarán pasajes de las obras.

La sesión, gratuita y abierta a todo público, se extenderá entre las 13.00 y las 14.30 horas del viernes 4 de enero en el Centro Cultural Alameda (Alameda 139).
Inscripciones en los teléfonos: 09-646 23 60 / 08-893 11 70 / 02-328 18 65.
También puede dejar su solicitud como mensaje en este blog junto a su correo electrónico.

2007-12-25T19:37:00.000-08:00

Director de "Noche de Reyes" en Escuela de Espectadores

2007-12-20T20:04:00.000-08:00

El director inglés Declan Donnellan, responsable del montaje "Noche de Reyes", será uno de los invitados de la Escuela de Espectadores de Teatro.
El creador participará en la sesión del lunes 7 de enero a las 13.00 horas en el Centro Cultural Alameda.
Además de fundar en su país la compañía Cheek by Jowl en 1981, Donnellan montó la pieza de Shakespeare con la compañía de actores del Festival Internacional de Teatro Chejov, de Rusia, en 2003.
Desde entonces, la puesta ha itinerado por festivales de Europa y América.
El espectáculo se presentará en el Teatro Municipal de Santiago desde el viernes 4 de enero como parte del Festival Internacional Santiago a Mil.
Reconocido además por otras versiones de obras de Shakespeare, el director ha sintetizado su mirada en torno al oficio en el libro "El actor y la diana" (Editorial Fundamentos).
Durante su intervención en la Escuela de Espectadores, Donnellan entregará antecedentes acerca del trabajo desarrollado con la compañía rusa.
El ciclo es gratuito, está dirigido a todo público y se realizará los días lunes, miércoles y viernes del mes de enero en la sede de Alameda 139.
Inscripciones dejando su correo en este blog o llamando a los teléfonos:
09- 646 23 60
08- 893 11 70
02- 328 18 65

Escuela de Espectadores de Teatro 2008

2007-12-13T17:39:00.000-08:00

La Escuela de Espectadores de Teatro es un proyecto que tiene por objetivo alentar el análisis en torno a las creaciones teatrales, abrir un espacio de discusión sobre las artes escénicas y formar nuevas audiencias para el teatro.
La primera versión se desarrollará entre el 4 y el 25 de enero de 2008 en la sede del Centro Cultural Alameda (Alameda 139), los días lunes, miércoles y viernes entre las 13.00 y las 14.30 horas, como actividad paralela al Festival Internacional Santiago a Mil.
Las sesiones serán gratuitas y estarán dirigidas a todo público.
El programa analizará los montajes que foman parte del festival y considera la participación de autores, directores y actores locales y extranjeros.
El ciclo de 10 sesiones está concebido como un taller de apreciación teatral dirigido por el crítico de teatro y danza Javier Ibacache y la investigadora, académica y dramaturgista Soledad Lagos.
En cada encuentro se distribuirán apuntes.
Quienes se interesen en asistir pueden inscribirse dejando su correo en esta página o llamando a los teléfonos:
09-646 23 60
08-893 11 70
02-328 18 65