tag:blogger.com,1999:blog-23753238358960522322024-03-19T12:23:04.224-07:00ESCUELA DE ESPECTADORES DE TEATROJavier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.comBlogger54125tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-2139887957550741682010-01-30T12:40:00.000-08:002010-01-30T12:44:58.412-08:00Escuela de Espectadores vuelve en abril con nuevo ciclo, libro y extensión a regionesTras la alta acogida de público e invitados del ciclo dedicado al Festival Santiago a Mil 2010, la Escuela de Espectadores anuncia la realización de una nueva serie de encuentros de análisis de obras a partir de abril en las salas Mori de Bellavista, Vitacura y Parque Arauco.<br /><br />El nuevo ciclo estará orientado a todo público, aunque pondrá énfasis en su convocatoria en estudiantes universitarios, quienes tendrán rebaja de entradas. El detalle de la programación (fechas, horarios y obras a analizar) se dará a conocer durante ese mes.<br /><br />Durante junio, se realizará una serie especial como parte del Festival de Dramaturgia Norteamericana Contemporánea en la sala Lastarria 90. Cada semana se comentarán los estrenos de textos de autores estadounidenses que serán parte de la muestra organizada por el Instituto Chileno Norteamericano.<br /><br />Los veinte encuentros realizados durante enero en el marco de Santiago a Mil serán compilados en un libro que se presentará en el mes de septiembre. La publicación incluirá los análisis realizados junto a directores y compañías nacionales e internacionales de los montajes participantes en el festival que estuvieron presentes en la Escuela de Espectadores en los foros moderados a diario por Javier Ibacache y Soledad Lagos en el salón Antártica del hotel Crowne Plaza.<br /><br />En el libro –que se distribuirá gratuitamente- se incluirán las intervenciones de Eva Yerbabuena, Daniel Veronese, Peter Pabst, Dominique Mercy, Jesusa Rodríguez, Liliana Felipe, Egon Wolff, Juan Radrigán, Nissim Sharim, Marco Antonio de la Parra, Gustavo Meza, Ramón Núñez, Ramón Griffero, Alejandro Goic, Patricia Rivadeneira, Rosa Ramírez, Raúl Osorio, Guillermo Calderón, Alexis Moreno, Manuela Infante, Luis Ureta, Alejandro Castillo, Francisco Sánchez, Trinidad González, Paula Zúñiga, Jorge Bécker, Luis Alarcón, Mauricio Pesutic, Francesca Lombardo y Luciano Cruz-Coke, entre otros.<br /><br />El ciclo Escuela de Espectadores Santiago a Mil congregó a un total de 1800 asistentes, con una media de 90 personas por sesión durante los 20 encuentros que se realizaron de lunes a viernes entre el 4 y el 29 de enero. <br /><br />Durante el segundo semestre de 2010, la Escuela de Espectadores realizará además sesiones de extensión en regiones y difundirá un estudio cualitativo de público de artes escénicas actualmente en curso. <br /><br />La iniciativa cuenta con el auspicio de Minera Escondida a través de la Ley de Donaciones Culturales y es coproducida por el Teatro del Puente.<br /><br />Los interesados en participar en los próximos ciclos de la Escuela de Espectadores y en recibir gratuitamente las publicaciones del proyecto, pueden escribir a:<br />info@escueladeespectadores.clJavier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-88903079481206415192009-12-17T18:57:00.000-08:002009-12-17T19:03:27.492-08:00En enero de 2010 vuelve Escuela de Espectadores Santiago a MilOrientada a entregar a todo público herramientas de análisis y contenidos de apreciación teatral, la <span style="font-weight:bold;">Escuela de Espectadores Santiago a Mil 2010</span> se realizará de lunes a viernes a partir del 4 de enero en el salón Antártica del Hotel Crowne Plaza (Alameda 136) a las 13.30 horas.<br />La serie de 20 encuentros – conducidos por el crítico Javier Ibacache, con la participación de la traductora y dramaturgista Soledad Lagos – estarán dedicados a las obras nacionales y extranjeras participantes del festival.<br />Cada día se comentarán aspectos de la dramaturgia y la puesta en escena junto a autores, directores e integrantes de las compañías y se privilegiará la reflexión en torno a la muestra especial <span style="font-weight:bold;">“200 Años de Teatro Chileno”.</span> En este contexto, se realizará una sesión especial con los reconocidos dramaturgos Juan Radrigán y Egon Wolff. <br />El público recibirá apuntes con pautas de análisis y –lo más importante- podrá contrastar con los invitados sus lecturas en torno a las creaciones.<br />Durante el ciclo se presentará además el libro compilatorio con las sesiones correspondientes a la temporada 2008 y al Festival Santiago a Mil 2009.<br />La Escuela de Espectadores es un programa de formación de audiencias y mediación cultural que se realiza con aportes de Minera Escondida gracias a la Ley de Donaciones Culturales, en co-producción con Teatro del Puente y Santiago a Mil. <br />Las inscripciones están abiertas a todo público y son gratuitas. <br />Pueden cursarse en <span style="font-weight:bold;">info@escueladeespectadores.cl</span> <br /><br /><span style="font-weight:bold;">Escuela de Espectadores Santiago a Mil.<br /></span>Con:<br />Javier Ibacache (crítico de teatro y danza)<br />Soledad Lagos (investigadora, dramaturgista y traductora)<br /><br /><span style="font-weight:bold;">Lunes a viernes a las 13.30 horas.<br />Desde el 4 al 29 de enero de 2010.<br /></span>Sesión jueves 7 con Tanztheater Wuppertal: 14.30 horas. <br />Salón Antártica / Hotel Crowne Plaza / Alameda 136.<br />Entrada liberada.<br /><br /><span style="font-weight:bold;">Inscripción: info@escueladeespectadores.cl <br />Programación día a día en: www.escueladeespectadores.cl <br /></span><br /><br /><span style="font-weight:bold;">Presentación de libro “Escuela de Espectadores 2008-2009”<br /></span>Jueves 21 de enero a las 11.30 horas / Salón Antártica. Hotel Crowne Plaza.Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-53221117652199525972009-08-08T14:24:00.000-07:002009-08-08T14:33:57.432-07:00ESCUELA DE ESPECTADORES LLEGA A RADIO COOPERATIVATras posicionarse como espacio de análisis de los distintos componentes de las artes escénicas, la Escuela de Espectadores se emitirá semanalmente a partir del <span style="font-weight:bold;">sábado 22</span> de agosto a través de radio Cooperativa.<br />La iniciativa resultó ganadora en el concurso del Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y de las Artes, Fondart, en la línea de Comunicación y Extensión y recibió $23.275.544 para debutar en el formato radial.<br />La serie de 12 programas se grabará con público en el <span style="font-weight:bold;">Teatro del Puente</span> y se emitirá en diferecto los sábados a las 22.00 horas. <br />Cada edición estará dedicada al análisis de montajes de teatro, danza y ópera que se presenten en cartelera, entregando contenidos que faciliten la apreciación de las obras entre espectadores y oyentes.<br />La conducción estará a cargo del crítico de teatro y danza <span style="font-weight:bold;">Javier Ibacache</span> e incorporará como panelistas estables a la investigadora y dramaturgista <span style="font-weight:bold;">Soledad Lagos</span> y a la periodista y crítica de ballet, <span style="font-weight:bold;">Carmen Gloria Larenas.</span><br />La primera edición estará al aire el <span style="font-weight:bold;">sábado 22 de agosto a las 22.00 horas</span> y tendrá como invitados a <span style="font-weight:bold;">Amparo Noguera</span> y <span style="font-weight:bold;">Marcelo Alonso</span> para comentar la obra <span style="font-weight:bold;">“Cara de fuego”,</span> de Marius Von Mayemburg, actualmente en cartelera. <br />Con la llegada a la radio, la iniciativa ampliará su cobertura a regiones y se estima que será escuchada por 20 mil auditores, de acuerdo al posicionamiento de radio Cooperativa en ese horario. <br />Las emisiones de una hora de duración se apoyarán a lo largo de la temporada en el diálogo con autores, directores, coreógrafos e intérpretes invitados, y acogerán las interrogantes que plantee la audiencia en la sala o a través del correo electrónico. <br />Los auditores que deseen asistir al espacio –que será pregrabado- deberán enviar un correo electrónico a: <br /><span style="font-weight:bold;">info@escueladeespectadores.cl <br />escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es<br /></span><br />El programa recreará un estudio de radio de acuerdo a la propuesta de diseño elaborada por Claudia Yolin (“Narciso”, “Cristo”) y contará con una banda sonora compuesta especialmente por Angela Acuña (“Geografía del deseo”). <br />La iniciativa se complementará con un sitio web interactivo (www.escueladeespectadores.cl) que acogerá el actual blog del proyecto.<br />Las emisiones estarán disponibles además en el sitio www.cooperativa.clJavier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-25390176642385444532009-05-27T22:07:00.000-07:002009-05-27T22:08:40.757-07:00EN JUNIO PARTE ESCUELA DE ESPECTADORES DE CINE DOCUMENTAL<meta equiv="Content-Type" content="text/html; charset=utf-8"><meta name="ProgId" content="Word.Document"><meta name="Generator" content="Microsoft Word 11"><meta name="Originator" content="Microsoft Word 11"><link rel="File-List" href="file:///C:%5CDOCUME%7E1%5CJAVIER%7E1%5CCONFIG%7E1%5CTemp%5Cmsohtml1%5C01%5Cclip_filelist.xml"><o:smarttagtype namespaceuri="urn:schemas-microsoft-com:office:smarttags" name="metricconverter"></o:smarttagtype><o:smarttagtype namespaceuri="urn:schemas-microsoft-com:office:smarttags" name="PersonName"></o:smarttagtype><o:smarttagtype namespaceuri="urn:schemas-microsoft-com:office:smarttags" name="time"></o:smarttagtype><!--[if gte mso 9]><xml> 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style="text-align: justify;">Tras la favorable acogida que encontrara el año pasado, el próximo 10 de junio parte la segunda versión de la <b style="">Escuela de Espectadores de Cine Documental.</b></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Concebida como un programa de análisis y discusión de los distintos lenguajes, estilos y contenidos de las creaciones pertenecientes al género, la iniciativa formará parte del <b style="">Festival Internacional de Documentales de Santiago, FIDOCS 2009,</b> y se realizará en la sala Lastarria 90 cada día a las <st1:time minute="30" hour="13" st="on">13.30</st1:time> horas.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Bajo el formato de sesiones unitarias gratuitas y dirigidas a todo público, la serie se propone entregar herramientas necesarias para ampliar la lectura, comprensión y valoración de una selección de producciones nacionales que han sido premiadas en la muestra, con la participación de directores y equipos de realización.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">La moderación de los encuentros estará a cargo de Javier Ibacache (gestor de <st1:personname productid="la Escuela" st="on">la Escuela</st1:personname> de Espectadores de Teatro y de <st1:personname productid="la Escuela" st="on">la Escuela</st1:personname> de Espectadores de Danza) y Pamela Pequeño (realizadora, investigadora y profesora universitaria especializada en el género), quienes propondrán a los/as asistentes lecturas posibles de las realizaciones que se analicen. </p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Además de la entrega de apuntes y material escrito, los encuentros se complementarán con la proyección de sinopsis y la intervención de los realizadores y directores nacionales, a quienes se les interrogará en un diálogo abierto con el propósito de indagar y profundizar en sus propuestas.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">El programa contempla la participación de <b style="">Juan Diego Spoerer</b> por “La sombra de don Roberto” (Gran Premio FIDOCS 2007), <b style="">Cristóbal Vicente</b> por “Arcana” (Gran Premio FIDOCS 2006), <b style="">Jaime Díaz</b> por “La revolución de los pingüinos” (Gran Premio FIDOCS 2008) y <b style="">Sebastián Moreno</b> por “La ciudad de los fotógrafos” (Mención Especial FIDOCS 2006).</p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Las realizaciones que se analizarán en cada encuentro serán parte de la programación de FIDOCS 2009 y se proyectarán un día antes de la sesión de análisis en la misma sala.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="">PROGRAMACIÓN JUNIO<o:p></o:p></b></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style=""><o:p> </o:p></b></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="">Miércoles 10: <o:p></o:p></b></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="">Invitado:</i> Juan Diego Spoerer, director de “La sombra de don Roberto” (Gran Premio FIDOCS 2007).</p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="">Sala Lastarria 90, 13.30 horas.<o:p></o:p></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="">Entrada liberada.<o:p></o:p></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Su película será exhibida a público el martes <st1:metricconverter productid="9, a" st="on">9, a</st1:metricconverter> las 15.30 horas, en Lastarria 90.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="">Jueves 11:<o:p></o:p></b></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="">Invitado:</i> Sebastián Moreno, director de “La ciudad de los fotógrafos” (Mención Especial FIDOCS 2006).</p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="">Sala Lastarria 90, 13.30 horas.<o:p></o:p></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="">Entrada liberada.<o:p></o:p></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Su película será exhibida a público el miércoles <st1:metricconverter productid="10, a" st="on">10, a</st1:metricconverter> las 15.30 horas, en Lastarria 90.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="">Viernes 12:<o:p></o:p></b></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="">Invitado:</i> Cristóbal Vicente, director de “Arcana” (Gran Premio FIDOCS 2006).</p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="">Sala Lastarria 90, 13.30 horas.<o:p></o:p></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="">Entrada liberada.<o:p></o:p></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Su película será exhibida a público el jueves <st1:metricconverter productid="11, a" st="on">11, a</st1:metricconverter> las 15.30 horas, en Lastarria 90.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="">Sábado 13:<o:p></o:p></b></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="">Invitado:</i> Jaime Díaz, director de “La revolución de los pingüinos” (Gran Premio FIDOCS 2008)</p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Sala Lastarria 90, 13.30 horas.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Entrada liberada.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Su película será exhibida a público el viernes <st1:metricconverter productid="12, a" st="on">12, a</st1:metricconverter> las 15.30 horas, en Lastarria 90.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style=""><o:p> </o:p></b></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style=""><o:p> </o:p></b></p> <p class="MsoNormal"><b style="">INSCRIPCIONES:<o:p></o:p></b></p> <p class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal">Las inscripciones son gratuitas y pueden cursarse en el correo: </p> <p class="MsoNormal"><a href="mailto:escueladeespectadoresfidocs@yahoo.es">escueladeespectadoresfidocs@yahoo.es</a> </p> <p class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal">O a través del grupo:</p> <p class="MsoNormal">Escuela de Espectadores de Cine Documental en Facebook.</p> <p class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p> Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-4433934708668489862009-04-18T19:14:00.000-07:002009-04-19T19:08:44.718-07:00CON CICLO SOBRE DRAMATURGIA NORTEAMERICANA VUELVE ESCUELA DE ESPECTADORES EN MAYO<div style="text-align: justify;">Con un ciclo dedicado a cuatro obras de autores norteamericanos vuelve a partir del viernes 8 de mayo la <strong>Escuela de Espectadores de Teatro</strong>, programa de discusión y análisis de las creaciones escénicas que se ofrece en forma gratuita a todo público. </div> La serie de encuentros se desarrollará en el contexto del <strong>Segundo Festival de Dramaturgia Norteamericana Contemporánea</strong> que organiza el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura, con la participación de los directores y las compañías que intervienen en la muestra, la conducción del crítico <strong>Javier Ibacache </strong>y la intervención de la traductora y dramaturgista <strong>Soledad Lagos.</strong><div style="text-align: justify;"> </div>Las sesiones se llevarán a cabo cada viernes del mes de mayo a las 13.30 horas en la sala Lastarria 90.<div style="text-align: justify;"> </div>El ciclo se reforzará con la publicación de un fanzine sobre dramaturgia norteamericana y claves de análisis de los textos programados en el festival. Las inscripciones pueden cursarse desde ya.<br /><br /><br /><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"> </div> <div style="text-align: justify;"> </div> <div style="text-align: justify;"> </div><strong></strong><div style="text-align: justify;"> </div><strong>PROGRAMA DE MAYO DE 2009:</strong><div style="text-align: justify;"> </div>- <strong>Viernes 8: </strong>Análisis de <strong>"La forma de las cosas",</strong> de Neil LaBute, con Paz Martínez y elenco de compañía Teatro Artefacto. <div style="text-align: justify;"> </div>- <strong>Viernes 15:</strong> Análisis de <strong>"Tacos aguja",</strong> de Theresa Rebeck, con Rodrigo Cabello y elenco de compañía La Furia.<div style="text-align: justify;"> </div>- <strong>Viernes 22:</strong> Análisis de <strong>"La casa del sí",</strong> de Wendy MacLeod, con Alexandra von Hummel y elenco de compañía La María.<div style="text-align: justify;"> </div>- <strong>Viernes 29:</strong> Análisis de <strong>"La casa limpia",</strong> de Sarah Ruhl, con Claudio Fuente y elenco de compañía La Fulana Teatro.<div style="text-align: justify;"> </div>Las obras se estarán presentando en la misma sala de miércoles a sábado a las 20.00 y los domingos a las 19.00 horas.<br /><div style="text-align: justify;"> </div> <div style="text-align: justify;"> </div><strong><br /><br />HORARIO:</strong> 13.30 horas.<div style="text-align: justify;"> </div><strong>LUGAR:</strong> Sala Lastarria 90.<div style="text-align: justify;"> </div><strong>INSCRIPCIONES</strong> en el 02-677 71 87 o en el correo <a href="mailto:escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es" target="_blank" rel="nofollow" ymailto="mailto:escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es">escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es</a><div style="text-align: justify;"> </div><strong>ENTRADA LIBERADA</strong>Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-51948772726857632102008-12-30T20:04:00.000-08:002008-12-30T20:17:53.511-08:00Programa de enero de 2009<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFTqFLCU9Ctq3US1tKkZcphSUXl0qfZt2mGac_tjqA4jqxBM1zw5KG1X_XnGkrNbIausYpofY9K7D62C4ruSLv5V3B93mRaz75ZD-zxizhA8psHJB3s0t5luauEwpZ7qDO0dU_TbIa0OE/s1600-h/LOGO+2009+ESCUELA+DE+ESPECTADORES.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5285802029214765474" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 320px; CURSOR: hand; HEIGHT: 170px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFTqFLCU9Ctq3US1tKkZcphSUXl0qfZt2mGac_tjqA4jqxBM1zw5KG1X_XnGkrNbIausYpofY9K7D62C4ruSLv5V3B93mRaz75ZD-zxizhA8psHJB3s0t5luauEwpZ7qDO0dU_TbIa0OE/s320/LOGO+2009+ESCUELA+DE+ESPECTADORES.JPG" border="0" /></a><br /><div><strong><span style="color:#ffcc33;">Ciclo Santiago a Mil</span></strong></div><div>Del 05 al 23 de Enero<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Horario:</span></strong><br />Lunes a viernes a las 13.30 horas<br /><span style="color:#ffcc33;"><strong>Sede:</strong></span><br />Sala Lastarria 90<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Entrada liberada</span></strong> previa inscripción en:</div><div><a href="mailto:escueladeespectadores@stgoamil.cl">escueladeespectadores@stgoamil.cl</a> </div><div><a href="mailto:escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es">escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es</a> </div><div><strong><span style="color:#ffcc33;">Lunes 5:</span></strong><br />Montaje:<br />- “Norte”, de compañía RKO Fábrica de Sueños<br />Invitados:<br />- Víctor Carrasco, director<br />- Elenco<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Martes 6:<br /></span></strong>Montaje:<br />- “Körper”, de Sasha Waltz & Guests (Alemania)<br />Invitado:<br />- Jochen Sandig, director artístico<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Miércoles 7:<br /></span></strong>Montaje:<br />- “El cuarto de Isabella”, de Needcompany (Bélgica)<br />Invitados:<br />- Jan Lauwers, director<br />- Viviane de Muynck, primera actriz<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Jueves 8:<br /></span></strong>Montaje:<br />- “Agustinian Melody”, de compañía Raffaello Sanzio (Italia)<br />Invitados:<br />- Scott Gibbons, músico<br />- Chiara Guiddi, directora<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Viernes 9:<br /></span></strong>Montajes:<br />- “Mi mundo patria”, de compañía Territorio Particular (Chile)<br />- “Simulacro”, de compañía La Re-Sentida (Chile)<br />- “Partido”, de Thomas Bernhard (Chile)<br />Invitados:<br />- Andrea Giadach, autora y directora de “Mi mundo patria”<br />- Marco Layera, director de “Simulacro”<br />- Cristián Plana, director de “Partido”<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Lunes 12:<br /></span></strong>Montaje:<br />- “Viento blanco”, ópera (Chile)<br />Invitados:<br />- Sebastián Errázuriz, compositor<br />- Rodrigo Claro, reggie<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Martes 13:<br /></span></strong>Montajes:<br />- “Medea and its double”, de Seoul Factory for the Performings Arts (Corea)<br />- “Eyes”, de Milmul Modern Dance Company (Corea)<br />- “Binari”, de compañía Dulsori (Corea)<br />Invitados:<br />- Hyoung-Taek Limb, director de “Medea and its double”<br />- Shin Jong Chul, director de “Eyes”<br />- Kaphyun Moon, director de “Binari”<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Miércoles 14:<br /></span></strong>Montaje:<br />- “Tercer cuerpo” (Argentina)<br />Invitados:<br />- Claudio Tolcachir, autor y director<br />- Elenco<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Viernes 16:<br /></span></strong>Montaje:<br />- “La orgía de la tolerancia”, de Truobleyn-Fabre (Bélgica)<br />Invitados:<br />- Jan Fabre, autor y director<br />- Elenco<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Lunes 19:<br /></span></strong>Montajes:<br />- “Hamlet”, de compañía Meno Fortas (Lituania)<br />Invitado:<br />- Andrius Mamontovas, protagonista<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Martes 20:<br /></span></strong>Montaje:<br />- “Apoteosis final: BBB-UP” (Chile)<br />Invitados:<br />- Paulina García, autora y directora<br />- Elenco<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Miércoles 21:<br /></span></strong>Montaje:<br />- “Chile Bi-200”, de compañía Teatro de Fin de Siglo (Chile)<br />Invitados:<br />- Ramón Griffero, autor y director<br />- Elenco<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Jueves 22:<br /></span></strong>Montajes:<br />- “Diciembre” y “Clase” (Chile)<br />- “La chancha” y “Niñas araña” (Chile)<br />Invitados:<br />- Guillermo Calderón, autor de “Diciembre” y “Clase”<br />- Luis Barrales, autor de “La chancha” y “Niñas araña”<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Viernes 23:<br /></span></strong>Montajes:<br />- “Orbis Vitae”, de Fura dels Baus (España)<br />- “Las pesadillas de Tony Travolta”, de La Gran Reyneta (Chile-Francia)<br />Invitados:<br />- Pep Gatell, director de Fura dels Baus<br />- Marcela Paz, actriz de La Gran Reyneta<br /><br />Importante:<br />Los contenidos y el registro de audio de las sesiones estarán disponibles en:<br />http://escueladeespectadoresdeteatro.blogspot.com/<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">CONFERENCIA<br />Jueves 15<br /></span></strong>12.00 horas<br />“Qué significa hoy ser un Festival Internacional: conceptos y desafíos”<br />Presentación a cargo de Jonathan Mills, director de Festival de Edimburgo (Reino Unido)<br />Comentan: Rubén Szuchmacher, director de Festival de Buenos Aires (Argentina), Gerardo Kleinburg, director de Festival Cervantino (México), y Frie Leysen, Directora Festival Der Welt (Alemania).<br />“Camino a los 200 años del teatro chileno”<br />Participan: Carmen Romero, directora Festival Santiago a Mil; Javier Ibacache, Soledad Lagos y directores chilenos. </div>Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-17560142337222905932008-12-21T13:18:00.000-08:002008-12-21T13:28:55.690-08:00En enero vuelve Escuela de Espectadores de Teatro con ciclo dedicado a Santiago a MilDirectores y elencos nacionales y extranjeros participarán en el nuevo ciclo de la Escuela de Espectadores de Teatro que se realizará a partir del 5 de enero en Lastarria 90 como programa especial del Festival Internacional Santiago a Mil.<br /><br />La serie de análisis y discusión de los montajes estará abierta en forma gratuita a todo público —previa inscripción— y se llevará a cabo de lunes a viernes a las 13.30 horas con la conducción y moderación del crítico teatral Javier Ibacache y la investigadora y dramaturgista Soledad Lagos.<br /><br />Se realizarán 14 sesiones que abordarán las principales tendencias en curso en las artes escénicas a partir de los montajes que integran el programa del festival.<br /><br />Entre los invitados internacionales se cuenta la <strong><span style="color:#ffcc33;">compañía de Sasha Waltz.</span></strong> También asistirán los belgas <strong><span style="color:#ffcc33;">Jan Fabre</span></strong> (“La orgía de la tolerancia”) y <strong><span style="color:#ffcc33;">Jan Lauwers </span></strong>de la Needcompany (“El cuarto de Isabella”), el argentino <span style="color:#ffcc33;">Claudio Tolcachir</span> y su grupo Timbre 4 (“Tercer cuerpo”, “La omisión de la familia Coleman”), los italianos de <span style="color:#ffcc33;"><strong>Rafaello Sanzio</strong></span> (“Agustinian Melody), el elenco de la versión lituana de “Hamlet”, el director <strong><span style="color:#ffcc33;">Pep Gatell de la Fura dels Baus</span></strong> (“Orbis Vitae”) y las compañías procedentes de Corea.<br /><br />El listado de montajes chilenos que serán objeto de análisis lo integran <strong><span style="color:#ffcc33;">“Norte”</span></strong> (Víctor Carrasco), <strong><span style="color:#ffcc33;">“Chile Bi”</span></strong> (Ramón Griffero), <strong><span style="color:#ffcc33;">“Apoteosis final: BBB UP” </span></strong>(Paulina García), <strong><span style="color:#ffcc33;">“Diciembre”</span></strong> (Guillermo Calderón), <strong><span style="color:#ffcc33;">“Niñas araña”</span></strong> (Luis Barrales), <strong><span style="color:#ffcc33;">“Las pesadillas de Tony Travolta”</span></strong> (La Gran Reyneta), <strong><span style="color:#ffcc33;">“Mi mundo Patria”</span></strong> (Andrea Giadach), <strong><span style="color:#ffcc33;">“Simulacro”</span></strong> (Marco Layera) y <strong><span style="color:#ffcc33;">“Partido”</span></strong> (Cristián Plana). También se abordará la ópera <strong><span style="color:#ffcc33;">“Viento blanco”,</span></strong> con la participación de Sebastián Errázuriz y Rodrigo Claro.<br /><br />Los asistentes recibirán apuntes de apreciación teatral y el registro de audio podrá consultarse en <a href="http://escueladeespectadoresdeteatro.blogspot.com/">http://escueladeespectadoresdeteatro.blogspot.com/</a>.<br /><br />El ciclo cuenta con el auspicio de Minera Escondida (operada por BHP Billiton) y es coproducido por el Festival Internacional Santiago a Mil.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Del 05 al 23 enero.</span></strong><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">De Lunes a Viernes.</span></strong><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">13.30 horas.</span></strong><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Lastarria 90.</span></strong><br /><br />Las inscripciones podrán cursarse escribiendo a los correos:<br /><a href="mailto:escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es">escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es</a><br /><a title="blocked::mailto:escueladeespectadores@stgoamil.cl" href="mailto:escueladeespectadores@stgoamil.cl">escueladeespectadores@stgoamil.cl</a>Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-20929238197216486302008-11-11T19:25:00.000-08:002008-11-11T19:29:39.689-08:00Escuela de Espectadores de Teatro cierra ciclo 2008 con "Domus Aurea"La última sesión 2008 de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada al análisis del montaje <strong><span style="color:#ffcc33;">"Domus Aurea",</span></strong> de Raúl Miranda y la compañía Minimale, que se presenta actualmente en el Salón Blanco del Museo de Bellas Artes.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Invitados:</span></strong><br />Raúl Miranda<br />Iñigo Urrutia<br />Eduardo Paxeco<br /><br />Lunes 17 de noviembre.<br />19.30 horas.<br />Teatro del Puente.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Entrada liberada.</span></strong><br />Inscripciones:<br />escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.esJavier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-38174294823980938092008-11-04T11:55:00.001-08:002008-11-04T11:58:57.025-08:00"Una relación pornográfica" y "Filóctetes" en nueva sesión de Escuela de EspectadoresLa sesión 15 de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada al análisis de las obras <strong><span style="color:#ffcc33;">"Una relación pornográfica"</span></strong> (en cartelera en la sala San Ginés Chucre Manzur) y <strong><span style="color:#ffcc33;">"Filóctetes"</span></strong> (que se repondrá en enero como parte de Santiago a Mil).<br /><br />Invitados:<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">- Heidrun Breier<br />- Daniel Muñoz<br />- Paulo Meza<br /></span></strong><br />Lunes 10 de noviembre.<br />19.30 horas.<br />Teatro del Puente.<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Entrada liberada.</span></strong><br /><br />Inscripciones:<br />escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.esJavier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-31619918551170325602008-11-04T11:46:00.001-08:002008-11-04T11:54:17.791-08:00Claves para el análisis de "Lágrimas, Celos y Dudas"Montaje: <strong><span style="color:#ffcc33;">“Lágrimas, Celos y Dudas”</span></strong><br /><br />Invitadas:<br />- <strong><span style="color:#ffcc33;">Marcela Salinas (Lágrimas)</span></strong><br />- <strong><span style="color:#ffcc33;">Manuela Oyarzún (Celos)</span></strong><br />- <strong><span style="color:#ffcc33;">María Paz Grandjean (Dudas)</span></strong><br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre el montaje</span></strong><br />En una línea que se aparta significativamente de lo que ofrece la cartelera santiaguina, “Lágrimas, Celos y Dudas” propone un viaje hacia las baladas románticas y melodramáticas que a fines de los ‘70 y buena parte de los ‘80 se popularizaran en la voz de intérpretes latinas.<br />El montaje está concebido como un show que revisa el repertorio de un trío ficticio surgido en 1980, de acuerdo a una biografía publicada en la web.<br />Además de cinco discos, el grupo exhibe a manera de trofeos una Gaviota de Oro del Festival de Viña del Mar y un Quíntuple Cassette de Oro, emulando los tributos que en el medio reportan valoración, estatus o prestigio.<br />Sus integrantes —Lágrimas (Marcela Salinas), Celos (Manuela Oyarzún) y Dudas (María Paz Grandjean)— son una variante de las cantantes hispanoparlantes que acuñaran un discurso adolorido, trágico y a ratos cursi sobre los vínculos de pareja, en particular en torno al abandono, el desamor y el endiosamiento del masculino.<br />La estética y el estilo de interpretación sintetizan los modos de Rocío Jurado, Mari Trini, Angela Carrasco, Amanda Miguel, Paloma San Basilio, Daniela Romo, Yuri y Pandora, entre otras, de quienes se recrean los títulos más conocidos.<br />Las actrices han realizado un intenso coaching junto al fonoaudiólogo y profesor de canto Ricardo Alvarez, quien las ha preparado para enfrentar el género, armonizar la disparidad vocal e interpretar en vivo una veintena de canciones con el acompañamiento de Marcello Martínez.<br />En la práctica, el público es involucrado desde el ingreso a la sala en la convención del show.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Citas al contexto<br /></span></strong>La puesta emplaza a un costado cuatro pequeños monitores, donde se proyectan las imágenes que contextualizan la época y aportan claves para entender que en paralelo al brillo del vestuario, las hombreras, las chasquillas lacadas y el colorido maquillaje del trío transcurre la historia de un país que, de alguna manera, la balada difumina.<br />Entre los registros se cuenta la aplaudida llegada de Augusto Pinochet a la Quinta Vergara en febrero de 1975, en mitad de una jornada del Festival de Viña del Mar, cuando recibe un espontáneo homenaje.<br />También se escuchan audios de transmisiones radiales de la época: tandas publicitarias, jingles, relatos deportivos y una proclama del Frente Patriótico Manuel Rodríguez.<br />Estos materiales operan en el contexto como complementos silenciosos y contrastan con los contenidos de las canciones, volcadas a la vivencia íntima de mujeres enamoradas, traicionadas o insatisfechas.<br /><br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">El repertorio<br /></span></strong>El atractivo del montaje se sustenta en las interpretaciones en vivo que llevan a cabo las tres actrices, teatralizadas en más de un caso y exacerbadas gestualmente para hacer evidentes las citas.<br />El registro de Manuela Oyarzún encuentra en Amanda Miguel una adecuada correspondencia y entrega una inspirada recreación de “El me mintió”. También revitaliza y dota de humor la sorprendente “Yo no soy esa”, de Mari Trini.<br />María Paz Grandjean tiene a cargo uno de los momentos que remueve a la platea con “Paloma infiel”, de Paloma San Basilio, que en algunas funciones es coreada, además de versiones de temas de Daniela Romo.<br />Marcela Salinas se aproxima a la ejecución de una baladista gracias a sus dotes de cantante que la llevan a protagonizar uno de los puntos altos del show con “Ese hombre”.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Fragmentos de un discurso amoroso<br /></span></strong>Tras apelar al imaginario en que permanecen intactas las letras, el recorrido por el repertorio del trío (incluida una incursión en solitario de Dudas) deriva en un desenlace sombrío, que parece sugerir el ocaso de un modo de expresión del femenino.<br />Aun así, el espectáculo reinstala un tópico de tantas aristas como las que Roland Barthes sistematizó en “Fragmentos de un discurso amoroso” a fines de los 70, cuando estas canciones e intérpretes comenzaban a hacer carne en el país.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Claves para el análisis:<br /></span></strong>- La condición de la mujer en la balada romántica.<br />- Melodrama y cantantes latinas.<br />- Contraste entre actrices y cantantes.<br />- Discurso romántico versus discurso político.<br />- Género musical.Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-59950596246436858122008-10-30T08:12:00.000-07:002008-10-30T08:18:37.402-07:00"Lágrimas, Celos y Dudas" llegan a la Escuela de Espectadores<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIIH8mpWOm1KzT4MZxVcEZY4x2VJcOUkBuJIdjP9gWiuWIVn_jDKcHU-KWkWtUwAXOf47iSWO6uxlhckMjF2XpUzk3RNkPY6d9JaH_03Do-3aMregD_flrMBpH49xtirk1jvkLe-yEuP8/s1600-h/LAGRIMAS+CELOS+Y+DUDAS.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5262966334198367810" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; WIDTH: 240px; CURSOR: hand; HEIGHT: 320px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIIH8mpWOm1KzT4MZxVcEZY4x2VJcOUkBuJIdjP9gWiuWIVn_jDKcHU-KWkWtUwAXOf47iSWO6uxlhckMjF2XpUzk3RNkPY6d9JaH_03Do-3aMregD_flrMBpH49xtirk1jvkLe-yEuP8/s320/LAGRIMAS+CELOS+Y+DUDAS.jpg" border="0" /></a><br /><div>La sesión número 14 de la Escuela de Espectadores de Teatro estará destinada a comentar y analizar el montaje musical <strong><span style="color:#ffcc33;">"Lágrimas, Celos y Dudas"</span></strong> que se presenta en la sala Mori Bellavista.</div><div></div><div>La puesta revisa la balada femenina y el cancionero romántico de fines de los 70 y comienzos de los 80.</div><br /><div></div><div><strong><span style="color:#ffcc33;">Invitadas:</span></strong></div><div>Marcela Salinas (Lágrimas)</div><div>Manuela Oyarzún (Celos)</div><div>María Paz Grandjean (Dudas)</div><br /><div></div><div>Lunes 03 de noviembre.</div><div>A las 19.30 horas.</div><div>Teatro del Puente.</div><br /><div></div><br /><div><strong><span style="color:#ffcc33;"></span></strong> </div><div><strong><span style="color:#ffcc33;">Entrada liberada.</span></strong></div><div>Inscripciones:</div><br /><div>escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.es</div>Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-74011772626382011692008-10-30T08:02:00.001-07:002008-10-30T08:07:12.340-07:00Claves sobre "Readymade baby": teatro para menores de 3 añosMontaje: <strong><span style="color:#ffcc33;">“Readymade baby”,</span></strong> de Karstein Solli<br />Invitados: Karstein Solli, director del montaje, y Maybritt Jensen, responsable de registro e investigación.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre el montaje:<br /></span></strong> “Readymade baby” forma parte de un programa de formación de público que se centra en niños de 0 a 3 años de edad.<br />El montaje tiene una duración de 30 minutos y emplea recursos del teatro, la danza y la performance para interpelar cara a cara al público que forman los menores y sus padres (o los adultos que los acompañan).<br />Las presentaciones resaltan la cercanía y exhiben un marcado carácter lúdico a fin de generar la atmósfera adecuada para cautivar a los mini-espectadores.<br />La escena es una gran sala blanca sobre la cual se han distribuido coloridos elementos de uso cotidiano, cuyo tamaño en algunos casos ha sido alterado.<br />Una serie de paraguas de color naranjo comparten lugar con un coche, una alfombra roja circular, mullidos botines verdes y megáfonos, entre otros objetos diseñados especialmente para el espectáculo.<br />Tres intérpretes visten indumentarias también coloridas (verdes, celestes y a rayas) que emulan los pijamas y las prendas de los recién nacidos.<br />Son ellos quienes interactúan con los elementos siguiendo una coreografía que reproduce la sorpresa de todo niño al descubrir las posibilidades de movimiento del cuerpo: saltan, se aquietan, se apegan a la superficie, mientras cantan o modulan juegos vocales con el apoyo de los megáfonos. También ejecutan instrumentos, realizan efectos sonoros con un micrófono de mano y demuestran un afinado registro lírico.<br />Las escenas se suceden con el ritmo adecuado para atrapar la atención de los pequeños. Los bebés de meses se muestran cautivados por los desplazamientos y los colores; los niños de mayor edad se prestan al juego de sorpresas, se reconocen en algunos elementos y se arriesgan a entrar a escena.<br />La convención que establece el montaje permite al mismo tiempo confrontar a los padres y a los adultos con el control que ejercen sobre los menores en un espacio público y en el primer acercamiento a una experiencia estética.<br />El montaje resalta las dinámicas que se ponen en juego en la percepción de las obras o elementos del entorno y el contexto en que pueden adquirir un estatus artístico. En este sentido, toma como referente el concepto de <strong><span style="color:#ffcc33;">ready-made</span></strong> acuñado por el artista franco-americano <strong><span style="color:#ffcc33;">Marcel Duchamp.</span></strong><br />La expresión puede traducirse como “lo ya visto” y se vincula con la conceptualización de “objeto encontrado” del surrealismo.<br />Es resultado de un acto practicado por Duchamp en 1915, cuando comenzó a titular de modo artístico objetos producidos industrialmente con una mínima o ninguna intervención porque, en sus palabras, “arte es lo que se denomina arte”. Por ende, lo puede ser cualquier cosa.<br />Los primeros ready-made fueron una rueda de bicicleta y el célebre urinario con que Duchamp (“La fuente”, 1917) provocó a la crítica al poner en crisis las categorías estéticas.<br />En el montaje, los mini-espectadores parecen cuestionar la forma habitual de mirar el arte, al igual que Duchamp.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre Karstein Solli<br /></span></strong>Director, académico, coreógrafo y performancista noruego. Ganador del Premio de la Asociación de Críticos de Noruega.<br />Realizó sus estudios en la Escuela de Jacques Le Coq en Francia. También en la Desmond Jones School of Mime, de Londres, y en la Escuela Nacional de Teatro de Amsterdan.<br />En la actualidad, es Director del Departamento de Entrenamiento Teatral de la Academia de Teatro Figurativo de Noruega. <br />Participa en el programa Glitterbird de la Comunidad Europea, que se orienta a la formación de público de 0 a 3 años, y en el proyecto de danza Isadora Duncan, dirigido a niños y adolescentes.<br />Ha presentado sus espectáculos en Alemania, España, Italia, Francia, Dinamarca, Finlandia, Brasil, Hungría y Estados Unidos.<br />Sus propuestas artísticas son difíciles de clasificar y trabajan con recursos de la danza, el teatro, la música y la perfomance. <br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre Maybritt Jensen<br /></span></strong>Master en Teatro y Filosofía por la Universidad de Oslo, Noruega. Especializada en teatro físico y circo. Participa en “Readymade baby” como encargada de registro e investigación a partir de una serie de encuestas que se aplican entre quienes asisten.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Ficha técnica<br /></span></strong>Concepto y coreografía: Karstein Solli.<br />Intérpretes: Marianne Skjeldal y Beata Kretcocicova Iden.<br />Música y composición de sonidos: Oyestein Elle.<br />Vestuarios: Ebba Johansson.<br />Escenografía: Stephan Ostensen.<br />Co-productor de América del Sur: Vitor Truzzi.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Claves para el análisis:<br /></span></strong>- Teatro familiar / Teatro infantil<br />- Percepción y experiencia estética<br />- Ready-made Control y categorizaciones estéticasJavier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-54813046853601751592008-10-21T20:20:00.000-07:002008-10-21T20:23:00.599-07:00Teatro para menores de 3 años en Escuela de EspectadoresLa sesión número 13 de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada al análisis del montaje <strong><span style="color:#ffcc33;">"Readymade baby",</span></strong> del director noruego Karstein Solli, que se presentará durante el fin de semana en la sala Finis Terrae.<br /><br />De inusual concepción, la puesta está orientada a formar espectadores entre 0 a 3 años y es parte del proyecto Glitterbird de la Comunidad Europea que apunta a la creación de nuevas audiencias.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Invitados:</span></strong><br />Karstein Sollis y compañía.<br /><br />Lunes 27.<br />A las 19.30 horas<br />Teatro del Puente.<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Entrada liberada.</span></strong><br /><br />Inscripciones:<br />escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.esJavier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-55116401346402897182008-10-21T20:14:00.001-07:002008-10-21T20:20:22.137-07:00Claves para el análisis de "La muerte de un vendedor"<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgtSRUSkv-IK2cgTS7Q9CwHJ_OOvj3x0wvMR8CCsfEkyXkYxrnS9kW1f9rDZnPY-UbPTmrr-n6C39unByI828g8cgwgIFHzXMjuwLT1_WPQs5aLKfFnq1O5rimcWd12-4o6RmhSkL2VIE/s1600-h/LA+MUERTE+DE+UN+VENDEDOR.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5259811509694198194" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgtSRUSkv-IK2cgTS7Q9CwHJ_OOvj3x0wvMR8CCsfEkyXkYxrnS9kW1f9rDZnPY-UbPTmrr-n6C39unByI828g8cgwgIFHzXMjuwLT1_WPQs5aLKfFnq1O5rimcWd12-4o6RmhSkL2VIE/s320/LA+MUERTE+DE+UN+VENDEDOR.jpg" border="0" /></a><br /><div></div><br /><p>Obra: <strong><span style="color:#ffcc33;">“La muerte de un vendedor”,</span></strong> <span style="color:#ffcc33;"><strong>de Arthur Miller.</strong></span> Dirección de Raúl Osorio.</p><p><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre la dramaturgia norteamericana:</span></strong><br />Existe unanimidad entre los especialistas en literatura de habla inglesa, que la dramaturgia norteamericana se desarrolló tardíamente en relación a la narrativa y la poesía.<br />Aun así, se reconocen factores decisivos para su consolidación en los primeros años del siglo pasado:<br />· La influencia del naturalismo y de las piezas de Ibsen y Chéjov.<br />· El impulso que diera el autor, actor y empresario David Belasco (1853-1931) a producciones de corte realista, con la configuración de escenografías y ambientaciones ad hoc.<br />· El trabajo del director Arthur Hopkins que también avanzó en el ideal de una puesta realista y en el trabajo con los actores.<br />· La difusión del <strong><span style="color:#ffcc33;">Método de Interpretación de Constantin Stanislavsky</span></strong> (desarrollado por la compañía Teatro de Arte de Rusia) que a mediados del siglo XX se sistematizaría gracias a la labor de Lee Strasberg (1901-1982) y la apertura en Nueva York del Actor’s Studio.<br />· La fundación del Taller 47 en la Universidad de Harvard en 1905 a instancias de George Pierce Baker que acogió cursos de dramaturgia elemental y avanzada y que se adoptó como modelo en otras instituciones universitarias del país.<br />· La apertura de pequeños teatros. El primero de ellos comenzó a operar en 1914 en la trastienda de una librería del Washington Square en New York, donde se montó un escenario. Fue el germen de los “Washington Square Players” hasta trasladarse a Broadway. Similar modelo operó en Provincetown, Massachussets (el “Teatro del Muelle”). Estos proyectos alentaron la formación de elencos y de un movimiento de aficionados en los 20 y 30, donde estrenaron las figuras insignes de la dramaturgia antes de pasar a Broadway (como Eugene O’Neill). También permitieron ensayar estructuras que rompían con los convencionalismos formales, constatar que existía una audiencia potencial para el teatro y tentar a novelistas y poetas a probar suerte en la escritura dramática.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre los grandes autores teatrales de Norteamérica:<br /></span></strong>La gran renovación del teatro norteamericano vino de la mano de <strong><span style="color:#ffcc33;">Eugene O’Neill</span></strong> (1888-1953), de influencias simbolistas, expresionistas e ibsenianas. Ganó el Premio Nobel de Literatura y 4 veces el Pulitzer<br />Su enfoque sobre la acción dramática está en línea con Strindbeg, Chéjov e Ibsen, como se constata en “Largo viaje del día hacia la noche”.<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Arthur Miller</span></strong> (1915-2005) ensayó también con las estructuras y la inserción de contrapuntos en escena, aunque su gran aporte fue la escenificación arquetípica del sueño americano en “La muerte de un vendedor viajero” y la fuerte crítica social a la persecución política en “Las brujas de Salem” y en “Una mirada desde el puente” que le reportaron el título de “conciencia social de Norteamérica”.<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Tennessee Williams</span></strong> (1911-1983) es postulado junto a Miller como la figura mayor de la escritura teatral estadounidense. Su estilo osciló entre el realismo y altas cuotas de lirismo y dio voz a los inadaptados, perdedores, marginados y desamparados en piezas como “Un tranvía llamado deseo” y “La gata sobre el tejado caliente”, donde además asoman las pulsiones sexuales como un territorio a descubrir.<br />El diálogo de estos autores con el cine (en especial Miller y Williams) siguió un curso y fuerza paralelos al ser parte del sistema y desarrollar vínculos con figuras relevantes en Hollywood que se tradujo en el período dorado de los 50.<br />El relevo de esta herencia en las generaciones más recientes se atribuye a Edward Albee (1928), el implacable autor de “Quién le teme a Virginia Woolf?” y “Tres mujeres altas”; David Mamet (1947), ligado estrechamente al cine y al nuevo realismo en los 70 gracias a “Búfalo americano”, un título que indaga en el lado sombrío del sueño americano, como también lo consigue “Glengarry Glen Ross” en los ’80 y “Oleanna”, en los 90, frente al discurso políticamente correcto; Sam Shepard (1943), guionista de cine (“Paris, Texas”), actor y músico, además de dramaturgo, que emplea la sátira, el absurdo, argumentaciones oblicuas, personajes desencantados y elementos de la cultura contemporánea y de los géneros visuales en títulos como “Niños enterrados” y “Locos de amor”.<br />Las historiografías más recientes han apostado además por rescatar a las llamadas “madres del teatro norteamericano” y han redescubierto a Louisa Medina, Charlotte Barnes y Anna Cora Mowatt.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre “La muerte de un vendedor” en versión del Teatro Nacional:<br /></span></strong>Calificada como “la obra del siglo XX” en la votación que organizara el Royal National Theatre, “La muerte de un vendedor viajero” se presenta en la sala Antonio Varas en una producción del Teatro Nacional Chileno bajo la dirección de Raúl Osorio.<br />La pieza se escenifica con el título de “La muerte de un vendedor” y su puesta en escena es resultado de la gestión del protagonista, Oscar Hernández, quien adquiriera los derechos de representación para Chile.<br />El texto se estrenó en Filadelfia en 1949 y obtuvo los premios Pulitzer de Teatro y del Círculo de Críticos de Teatro de Nueva York. Un año después fue montada en Santiago por el Teatro Experimental de la Universidad de Chile.<br />En ella se pesquisan referentes biográficos por el paralelo del protagonista, <strong><span style="color:#ffcc33;">Willy Loman,</span></strong> con el padre del autor, un inmigrante vienés que se estableció en Norteamérica con una fábrica de abrigos, pero que terminó en la ruina a causa de la Gran Depresión.<br /><br />Loman se ha convertido con el tiempo en un arquetipo o paradigma de las fisuras del sueño americano a partir de su oficio de vendedor viajero.<br />La pieza lo presenta como un fracasado en el trabajo que intenta erigirse en modelo ciudadano al interior de su familia, pero que deriva en víctima trágica de la utopía fallida, forzado a sacrificar su vida para que el grupo familiar cobre un seguro y pague las deudas.<br />La escritura resultó particularmente innovadora en su momento por el uso de elipsis y la superposición de planos que desentrañan los fantasmas del personaje, quien transita por los niveles del cotidiano y pronto salta a la dimensión de sus pesadillas.<br />Llevada a escena en medio del actual derrumbe que experimentan los sistemas económicos de Norteamérica y Europa, el texto recobra su capacidad de interpelación, retrata con agudeza las dinámicas de especulación que rondan a la caída de Wall Street y ofrece nuevas aristas sobre el complejo vínculo que enlaza a Loman con sus hijos (Biff y Happy), como si el autor se hubiera anticipado también a la crisis actual del poder masculino.<br />La dirección se apoya en la escenografía de Pablo Núñez, una estructura metálica de distintos niveles que sirve como soporte a todas las situaciones, e introduce las notas musicales compuestas por Patricio Solovera.<br />Respetuoso del original, el montaje tiene una duración de 2 horas y 20 minutos.<br />El elenco lo integran Oscar Hernández (Willy Loman), Carmen Disa Gutiérrez (Linda),<br />Ignacio Hurtado (Biff, el hijo mayor), Nicolás Pavez (Happy, el hijo menor), Hugo Medina (Tío Ben), Eduardo Soto (Stanley), Marcela Solervicens (Jenny y Letta), Javiera Osorio (Srta. Forsythe), Pablo Teillier (Howard), Luis Wigdorsky (Charley), Luis Wigdorsky hijo (Bernardo) y Cecilia Cucurella (la Mujer).<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre la versión del Teatro Experimental de 1950:<br /></span></strong>El Teatro Experimental de la Universidad de Chile estrenó en 1950 la pieza de Arthur Miller bajo el título de “La muerte de un vendedor (conversaciones privadas en dos actos y un réquiem)”.<br />La dirección estuvo a cargo de Agustín Siré.<br />Emilio Martínez asumió el rol protagónico de Willy Loman en un elenco que integraron Anita del Valle (Betty), Domingo Tessier (Biff), Rubén Sotoconil (Happy), Eugenio Guzmán y Bernardo Trumper (Bernardo), María Cánepa (La Mujer), Roberto Parada (Charley), Jorge Lillo (Tío Ben), Pedro Orthous (Howard), Vidia Arredondo (Jenny), Carlos García (Stanley), Flavio Candia ( El Mozo), Coca Melnick (Srta. Forsythe) y María Teresa Fricke (Letta). El diseño y la iluminación estuvieron a cargo de Oscar Navarro. La música incidental fue compuesta por Héctor Carvajal y fue interpretada por músicos de la Orquesta Sinfónica.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre la revisión del vendedor viajero:<br /></span></strong>En 1991, Arthur Miller estrenó en Londres una obra que ha sido vista como una extensión de “La muerte de un vendedor viajero”. Se trata de “The ride down Mr. Morgan”, que también tiene por protagonista a un vendedor viajero, Lyman Felt.<br />La pieza exhibe un tono sarcástico y muestra cómo el personaje debe enfrentarse a las fantasías persecutorias de un padre autoritario una vez que sufre un accidente que deja en evidencia la doble vida que ha llevado hasta entonces, al estar casado en dos ciudades distintas y sostener dos familias.<br />Esta obra se estrenó en Chile en el Teatro de la Universidad Católica con dirección de Ramón Núñez durante la temporada 2002, con el título de “El derrumbe” y actuaciones de Cristián Campos, María Izquierdo y Esperanza Silva.<br />En una entrevista realizada a mediados de los 90, en momentos en que la pieza debutaba en Broadway, Miller reconoció los paralelos entre Willy Loman y Lyman Felt.<br />Entonces afirmó: “Creo que la mayoría de las cosas terminan mal. La mayoría de las empresas humanas decepcionan”.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre el realismo sicológico:<br /></span></strong>La escritura de Athur Miller suele asociarse con el realismo sicológico a causa del modo en que se las lleva a escena y las convenciones actorales que se ponen en juego.<br />El realismo es un movimiento que rompió con las corrientes románticas, melodramáticas y clásicas del siglo XIX. Busca convencer al espectador sobre la verdad escénica tanto en el tema como en el montaje. Es decir, lograr que la acción represente a la vida diaria en todo sentido: emociones, forma de pensar, situaciones, etc.<br />El realismo sicológico es la escuela de actuación que deriva de esta mirada. De ella se apropió el cine norteamericano a través del llamado Método de Lee Strasberg, que se asentaba en el trabajo del intérprete con su memoria emotiva. Prima el estudio de las motivaciones sicológicas de los personajes y es la cuna de lo que en dramaturgia se conoció a mediados del siglo XX como el realismo norteamericano.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Claves para el análisis:<br /></span></strong>- Dramaturgia norteamericana.<br />- Sueño americano.<br />- Arquetipo y paradigma.<br />- Realismo sicológico y realismo norteamericano.</p>Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-90953566910621854772008-10-16T19:50:00.000-07:002008-10-16T19:54:26.377-07:00Escuela de Espectadores dedica sesión a "La muerte de un vendedor"La duodécima sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada al análisis de la nueva versión de la obra <strong><span style="color:#ffcc33;">"La muerte de un vendedor",</span></strong> de Arthur Miller, que se presenta en la sala Antonio Varas.<br />El montaje es una producción del Teatro Nacional Chileno y su dirección está a cargo de Raúl Osorio.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Invitados:</span></strong><br />Raúl Osorio (director)<br />Oscar Hernández (actor)<br />Carmen Disa Gutiérrez (actriz)<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Entrada liberada.</span></strong><br />Lunes 20 de octubre.<br />19.30 horas.<br />Teatro del Puente.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Inscripciones:</span></strong><br />escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.comJavier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-69286259557505402762008-10-16T19:43:00.000-07:002008-10-16T19:50:22.157-07:00Claves para el análisis de "Niñas araña" y "Dulce"<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtGzI7lLK40UWIEkg-S1nhqOG61yqTXzFGRworEPaVDZbuIwT3u21MMcYVDGz5cdfHfVDc9LcTTR4VbfK1W2ihl1t-70-cAeUs1S8UJMafBdekmwtmXECt_jGv3krxbrnntuLkt1yzjfU/s1600-h/NI%C3%91AS+ARA%C3%91A.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5257948329105323730" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtGzI7lLK40UWIEkg-S1nhqOG61yqTXzFGRworEPaVDZbuIwT3u21MMcYVDGz5cdfHfVDc9LcTTR4VbfK1W2ihl1t-70-cAeUs1S8UJMafBdekmwtmXECt_jGv3krxbrnntuLkt1yzjfU/s320/NI%C3%91AS+ARA%C3%91A.jpg" border="0" /></a><br /><div><strong><span style="color:#ffcc33;">Obras: “Niñas araña”,</span></strong> de Luis Barrales, y <strong><span style="color:#ffcc33;">“Dulce”,</span></strong> de Pierre Sauré.</div><div><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre “Niñas araña”:<br /></span></strong>La obra de Luis Barrales ficciona con las horas muertas del trío de adolescentes que ganara notoriedad por su forma de trepar y robar en comunas del sector Oriente, pese a que dos de ellas estuvieran embarazadas.<br />La pieza las presenta en la azotea de un edificio con algunos de los objetos sustraídos del departamento de turno, mirando la ciudad desde lo alto y debatiéndose entre dar una entrevista a la prensa o persistir en el delito.<br />El texto emplea el vocabulario popular y elementos del coa. Además, utiliza un sistema de métrica, rima y reiteración que cita al hip hop, el rap y las décimas locales.<br />Con esos recursos, el autor consigue crear una convención eficaz, dotar a los monólogos más brutales de belleza lírica sin traicionar el habla y conducir a los personajes a través de diálogos punzantes, sagaces y de un humor aplastante.<br />Al mismo tiempo, instala nuevas interrogantes sobre la exclusión económica y la marginalidad social y pone en crisis la demagogia que ronda el tema. El delito se muestra como resultado de tensiones sociales enquistadas y los móviles de las tres jóvenes se explican a partir del vuelco insaciable, feroz e insatisfecho de una clase desposeída hacia la cultura del consumo que endiosa la posesión de bienes y que, simbólicamente, empuja a sus miembros a trepar.<br />La comunidad a pequeña escala que conforma el trío da pistas de las pugnas de poder internas, de la segregación que también opera en la marginalidad y de la resistencia a aceptar su condición.<br />La dirección de <strong><span style="color:#ffcc33;">Daniela Aguayo</span></strong> se apega a un tratamiento realista la mayor parte del tiempo, con algunas pausas que matizan la situación. Reproduce la atmósfera de origen de los personajes mediante una banda sonora que se apoya en el reggaeton y un vestuario falsamente vistoso.<br />Su foco parece estar puesto en las actuaciones y en evitar la caricaturización y los estereotipos. Cuenta con un elenco afiatado —<strong><span style="color:#ffcc33;">Cecilia Herrera, Isidora Stevenson y Daniela Jiménez</span></strong>— que dota de contradicciones, desparpajo y encanto a los personajes<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre Luis Barrales:</span></strong><br />Luis Barrales ha venido madurando un estilo de escritura frontal que se aleja de los eufemismos y de las alegorías y que documenta la viveza de la contingencia, las contradicciones sociales y el verbo de la calle.<br />Se formó en la Escuela de Teatro de la Universidad Arcis y hasta ahora ha estrenado las obras <strong><span style="color:#ffcc33;">“La raíz del silencio”</span></strong> (2002), <strong><span style="color:#ffcc33;">“Uñas sucias”</span></strong> (2003), <strong><span style="color:#ffcc33;">“Santiago Flayte”</span></strong> (2004), <strong><span style="color:#ffcc33;">“H.P.”</span></strong> (2007), <strong><span style="color:#ffcc33;">“La chancha” </span></strong>(2008) y <strong><span style="color:#ffcc33;">“Niñas araña”</span></strong> (2008), la mayoría junto a la compañía Central de Inteligencia Teatral.<br />Ha oficiado de director de alguno de sus textos (“La chancha”) y próximamente sumará a su producción <strong><span style="color:#ffcc33;">“La epopeya de Lucho Chaveta”,</span></strong> un montaje callejero que cumplirá temporada en la Quinta Normal y en la Plaza de la Constitución.</div><div><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre “Dulce”:</span></strong><br />“Dulce” es un monólogo escrito y dirigido por Pierre Sauré y protagonizado por Claudia García. Corresponde a la tercera producción de la compañía Teatro Sub.<br />El texto canaliza una mirada generacional en torno a los vínculos filiales y se deja seguir como una interpelación a las figuras materna y paterna.<br />Se desplaza entre escenas fragmentadas que configuran la biografía de una mujer que resiente el abandono y el maltrato verbal de infancia.<br />Lo que comienza como el testimonio de quien padece bulimia pronto transita hacia los complejos de autoestima y, por ende, enlaza con los discursos recibidos en los primeros años de una madre que ha debido resentir la partida del padre. Este último se instala como una figura idealizada y ronda en los anhelos afectivos de la protagonista.<br />La escritura adopta un estilo principalmente emotivo para construir un viaje de carácter testimonial, donde el teatro, la escena y la representación se convierten en herramientas de validación personal y reparación del ego en último caso.<br />El diseño, la música y el colorido que acompañan a la pieza construyen un marco de tintes melodramáticos, con elementos kitsch, que a ratos remite a estéticas de otras disciplinas y que encuentra sintonía con los juegos verbales de la dramaturgia para revisitar lugares comunes del discurso romántico.<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Claudia García</span></strong> enfrenta en la pieza su primera interpretación en solitario y sostiene la hora de representación con un amplio rango de registros interpretativos y un aplomo en las notas más dramáticas.<br />La puesta enfatiza la atmósfera intimista y se aparta del tono lúdico y cándido que predominaba en anteriores creaciones, como “Conmigo tú” y “Sobre mi boca”.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre Pierre Sauré:</span></strong><br />Formado en la Escuela de Teatro de la Universidad del Desarrollo, Pierre Sauré ha venido llevando a escena sus obras junto a la compañía Teatro Sub.<br />Hasta ahora ha escrito y dirigido <strong><span style="color:#ffcc33;">“Conmigo tú”</span></strong> (2006), <strong><span style="color:#ffcc33;">“Sobre mi boca” </span></strong>(2007) y <strong><span style="color:#ffcc33;">“Dulce”</span></strong> (2008).<br />En estos trabajos se constata un interés por darle realce a otros lenguajes de la escena, como el diseño escenográfico y la música (en especial, canciones), junto al ingenio creativo, la economía de recursos y el uso del relato aparentemente cándido en que se incuba una situación dolorosa. Estos se han puesto al servicio de las disquisiciones de los términos de pareja (“Comigo tú”, “Sobre mi boca”) o de los vínculos filiales (“Dulce”), aunque en todos los casos se privilegia la perspectiva femenina (las protagonistas en las tres obras han sido mujeres) con citas del melodrama. <br /><br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Claves para el análisis:</span></strong><br />- Metáforas del país actual.<br />- Dramaturgia como alegoría y documento de la contingencia.<br />- Fábula y melodrama.<br />- Revisión de psicología femenina.</div>Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-12858497137416374082008-10-07T20:43:00.000-07:002008-10-07T20:47:16.560-07:00"Niñas araña" y "Dulce" en nueva sesión de Escuela de EspectadoresLa undécima sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada al análisis de las obras <strong><span style="color:#ffcc33;">"Niñas araña",</span></strong> de Luis Barrales, y <strong><span style="color:#ffcc33;">"Dulce",</span></strong> de Pierre Sauré.<br />Ambos montajes se presentan actualmente en el Teatro del Puente.<br /><br />Invitados:<br />- Luis Barrales (autor de "Niñas araña")<br />- Pierre Sauré (autor de "Dulce")<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Entrada liberada.</span></strong><br />Inscripciones:<br /><a href="mailto:escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.com">escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.com</a><br /><br />Lunes 13 de octubre.<br />19.30 horas.<br />Teatro del Puente.Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-81796508257571956832008-10-07T20:31:00.001-07:002008-10-07T20:42:15.939-07:00Travestismo y transformismo en el teatro<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-BSASuStzy4inxHOj69OBmrUImKLtkIqOdm0S9hXz2CY4rY6uG7j-c4ad7PVfIERdcGYXSFQOZmvUKt2jbM80kNzUR5k1PFxd5GaCQTJl_GNwKy7SjvxIWxl87o5zF-bHttgdJresIZU/s1600-h/LOS+QUINTANA.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5254620975658155842" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-BSASuStzy4inxHOj69OBmrUImKLtkIqOdm0S9hXz2CY4rY6uG7j-c4ad7PVfIERdcGYXSFQOZmvUKt2jbM80kNzUR5k1PFxd5GaCQTJl_GNwKy7SjvxIWxl87o5zF-bHttgdJresIZU/s320/LOS+QUINTANA.jpg" border="0" /></a><br /><div><strong><span style="color:#ffcc33;">Sesión 10. Travestismo y transformismo en el teatro.</span></strong> Con David Quintana (actor de “Tutti Frutti”), Fernando Quintana (actor de “Tutti Frutti”), Eduardo Soto (actor de “Travesti por mi abuela”) y Rodrigo Pérez (director de “Travesti por mi abuela”).<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre disfrazarse y travestirse:<br /></span></strong>El disfraz cambia lo que uno es por lo uno quisiera ser; revela más de lo que oculta en tanto manifiesta un deseo escondido; resume a quien lo lleva al sintetizar el papel que representa y el que desearía representar. Es una máscara asumida conscientemente, sobre todo en el marco de ciertos rituales religiosos y sociales.<br />El cambio de género a través del traje, complementado eventualmente por maquillajes y pelucas, es la forma más significativa de disfraz que recibe el nombre de travestismo, según el término acuñado por Magnus Hirschfeld, fundador del primer Instituto de Ciencia Sexual, en su estudio “Die Transvestiten”, publicado en 1910.<br />En opinión de la investigadora del tema Marjorie Garber, “el travestismo es un espacio de posibilidades que estructura y desorganiza la cultura: un imprevisto elemento de desorden, no solamente la categoría de la crisis de lo masculino y lo femenino sino la crisis de la categoría en sí”.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">El travestismo en la historia del teatro:<br /></span></strong>Una línea de desarrollo del travestismo se encuentra estrechamente ligada con la historia del teatro.<br />· <strong><span style="color:#ffcc33;">Grecia antigua:</span></strong> Su práctica estuvo presente en el teatro griego de la Antigüedad (que influyó más tarde en Roma). Era usual que en las representaciones, los roles femeninos se encomendaran a varones, de preferencia jóvenes, quienes se premunían de máscaras para la interpretación de los personajes.<br />· <strong><span style="color:#ffcc33;">Mitología:</span></strong> El tema estaba presente en algunos relatos de la mitología, como el pasaje en que Hércules es comprado como esclavo por la reina Onfala, de Lidia (Asia), quien lo somete, le obliga a entregar la piel de León de Nemea que llevaba hasta entonces (símbolo de la masculinidad) y a vestir de mujer.<br />· <strong><span style="color:#ffcc33;">Tragedias:</span></strong> Eurípides lo aborda también en “Las bacantes”, donde Penteo (rey de Tebas) se trasviste para espiar a su madre en el rito dionisíaco (“Tú, que estás tan ávido por ver lo que no debieras ver y te afanas en buscar lo despreciable, me refiero a ti, Penteo. Ven a la entrada de palacio, déjame verte vestido de mujer, de ménade, con el atuendo dionisíaco”, le indica el Extranjero al rey de la corte que simboliza la civilización).<br />· <strong><span style="color:#ffcc33;">Japón y China:</span></strong> Para proteger la moralidad pública en Japón, se prohibió oficialmente en 1629 la actuación de mujeres en el teatro kabuki. Pocos años después y por las mismas razones, sólo se permitieron las representaciones de este género si actores jóvenes actuaban con el pelo afeitado. La puesta en escena de papeles femeninos a cargo de actores originó el arte de los onnagata, que siguieron siendo parte inseparable del kabuki aún al levantarse aquella prohibición. El entrenamiento de estos artistas, iniciado desde la infancia, exige un minucioso aprendizaje: deben estudiar, copiar y asimilar los gestos de las mujeres (maquillaje, vestuario, movimientos, psicología) para tener la posibilidad de representar el arquetipo de la mujer. En China, se desarrolló una práctica similar en el ámbito de la ópera tradicional, donde los roles femeninos demandaban la preparación de varones con voces adecuadas desde temprana edad.<br />· <strong><span style="color:#ffcc33;">El teatro isabelino:</span></strong> Asociado principalmente con obras de William Shakespeare, el teatro isabelino adoptó durante la última parte del siglo XVI e inicios del XVII la misma convención y entregó los roles femeninos a jóvenes actores. Esto se explica también por códigos morales y la vinculación existente entre el teatro y la bohemia. En ese contexto ganaron celebridad intérpretes como Alexander Cooke, Joseph Taylor y Edward Kynaston. La disposición legal caducó en 1660 y las primeras actrices en asumir roles femeninos debieron convencer con distintas estrategias a la corte y a los espectadores que efectivamente eran mujeres.<br />· <strong><span style="color:#ffcc33;"> Los clásicos: </span></strong>El recurso suele ser común como herramienta de farsa y está en algunas comedias de W. Shakespeare (“Noche de reyes”) y Calderón de la Barca (“Las manos blancas no ofenden”).<br />· <strong><span style="color:#ffcc33;">La mujer travestida:</span></strong> El travestismo de la mujer resulta menos frecuente, aunque la historia del teatro registra ejemplos ilustres. En el siglo XIX, Sarah Bernhardt sorprendió encarnando a Hamlet y la española Margarita Xirgu hizo lo mismo. El caso de Catalina de Erauso ha encontrado más de una versión teatral bajo el título de “La monja Alférez” y no sólo en la línea del Siglo de Oro español (existen versiones de Juan Pérez de Montalbán, Thomas de Quincey y Domingo Miras).<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Variantes del travestismo:</span></strong><br />Las investigadoras argentinas Beatriz Trastoy y Perla Zayas plantean que a partir del trabajo con el simulacro propio y ajeno existe una relación productiva entre travestismo y teatro. Esto porque los travestis construyen su cuerpo teniendo como horizonte para sus intervenciones un cuerpo femenino que es leído con la minuciosidad de quien lee un texto dramático que debe aprender de memoria.<br />Por otra parte, el travestismo constituye un ejemplo de cómo los lenguajes que acompañan a la palabra en escena (en este caso, maquillaje, vestuario, gestualidad) tienen capacidad de significar e, inclusive, de incidir fuertemente en la determinación de diferentes estéticas.<br />En el libro “Lenguajes escénicos” (Editorial Prometeo), las mismas autoras establecen algunos lineamientos útiles para enfocar las distintas expresiones que el travestismo encuentra en la actualidad:<br />· <strong><span style="color:#ffcc33;">Transformismo:</span></strong> El término transformista suele ser empleado para designar a los/las drag-queens y a los/las drag-kings, quienes, a diferencia de los/las travestis, usan respectivamente ropas femeninas y masculinas, opuestos a sus rasgos sexuales biológicos que no ocultan.<br />· <strong><span style="color:#ffcc33;">Music hall:</span></strong> Con modalidades y objetivos diferentes, el travestismo ha sido asimismo uno de los recursos más transitados en el ámbito del music-hall. En su mayoría se trata de hombres devenidos en mujeres a través de cuidadosas estrategias de vestuario, maquillaje, gestualidad y voz. Sus variantes trazan un amplio arco que va de la exaltación admirativa a la burda caricatura de lo femenino.<br />· <strong><span style="color:#ffcc33;">Travestismo estetizante: </span></strong>Asociado principalmente con los espectáculos del grupo Caviar, de Buenos Aires, dirigidos por el actor, mimo y bailarín Jean Francois Casanova. Destaca por la riqueza pictórica de sus puestas que se sustenta en un vestuario y un maquillaje que capta especialmente el mundo de las grandes estrellas. Los espectáculos desbordan los límites del music-hall y combinan la danza, la mímica, la parodia, el drama y la comedia. No se emplea la voz, sino la fonomímica y lo musical contribuye a narrar.<br />· <strong><span style="color:#ffcc33;">Travestismo cuestionador:</span></strong> Se excede la problemática de género y se pretende reflexionar sobre cuestiones existenciales e, inclusive, sociales en un amplio sentido. Pone acento en las marcas de género del discurso verbal y gestual. Llega a evidenciar la crisis de la dualidad que organiza los comportamientos humanos y puede hacer de espejo de las pulsiones reprimidas de quien observa estos espectáculos.<br />· <strong><span style="color:#ffcc33;">Parodia de roles sociales:</span></strong> En este caso, el travestismo supone una cuidadosa elaboración de los lenguajes escénicos utilizados y la parodia de los roles familiares y sociales reconocibles en un contexto. También se parodian las imágenes convencionales de los/las drag-queen o se orienta la crítica hacia personalidades emblemáticas.<br />· <strong><span style="color:#ffcc33;">Travestismo como contenido dramatúrgico:</span></strong> La inclusión de personajes que se travisten en las escrituras teatrales suele operar con distintos propósitos. A veces, el recurso sirve de metáfora de una estructura paternalista castradora, que impide el crecimiento y la socialización de los individuos que somete. En otras creaciones, se lo emplea como alegoría de la dualidad o del doble de los personajes.<br />· <strong><span style="color:#ffcc33;"> Travestismo político:</span></strong> El recurso funciona como estrategia de distanciamiento para resaltar determinadas características del personaje o de lo que éste simboliza. Es usual representar el devenir contemporáneo de los discursos políticos o ideológicos bajo el prisma del travestismo, donde nadie es lo que dice ser.<br />· <strong><span style="color:#ffcc33;"> Travestismo en la puesta en escena:</span></strong> A esta figura han recurrido algunos autores latinoamericanos, como Copi en “Eva Perón” o Jorge Díaz en “Nadie es profeta en su espejo”, para dar cuenta de los mecanismos de poder o de la caída de las utopías. Similar criterio se ha usado en versiones de “Orquesta de señoritas”, de Jean Anouilh, “Las criadas”, de Jean Genet y “La nona”, de Roberto Cossa (en Chile, a cargo de Aldo Parodi), aunque en estos casos el recurso se pone al servicio de la recreación de tópicos de género y de codicia. En Chile, “La manzana de Adán”, del grupo La Memoria, dirigida por Alfredo Castro, y las adaptaciones de crónicas de Pedro Lemebel (como “Loco afán”) se han enmarcado en la misma línea, junto a la versión de Andrés Pérez de “Madame de Sade”, de Mishima. En la escena internacional, destaca la pieza “Yo soy mi propia mujer”, del norteamericano Doug Wright (presentada en Santiago por el argentino Julio Chávez).<br /><br /> <strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre Los Quintana y “Tutti Frutti”:<br /></span></strong>Los Hermanos Quintana es una compañía liderada por los actores argentinos David y Fernando Quintana, que suma a bailarines e intérpretes chilenos.<br />Residen desde hace cinco años en Chile y desde hace dos han estrenado espectáculos en cartelera, los que han ido a la par de sus presentaciones en locales nocturnos.<br />Antes estrenaron “Clásicos y algo más” y “Cabaret tropical”.<br />En sus creaciones resaltan la parodia de estereotipos femeninos y trabajan con fonomímica, que les permite citar pasajes de teleseries, películas, programas de televisión y shows, aunque ambos mantienen una línea similar de personajes. También se basan en el cancionero de los 70 y 80 y realizan producciones audiovisuales que satirizan la cultura de la televisión. En escena, exhiben un alto número de cambios de vestuario y pelucas.<br />“Tutti Frutti” es su estreno más reciente, donde integran escenas de variado origen.<br />Al margen de los espectáculos, el grupo ha logrado crear una audiencia nueva para el teatro, que repleta las funciones programadas a las 11.00 de la noche y que se extienden hasta después de medianoche.<br />En el show participan David Quintana, Fernando Quintana, Carlos Chacón, María José López, Paula Valdivieso, Nicole Ortiz y Gustavo Acevedo.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Cartelera.</span></strong><br />“Tutti fruti”. Teatro Bellavista. Dardignac 0110. 7322395. Viernes y sábado a las 23.00 horas. Convenio con Escuela de Espectadores.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre “Travesti por mi abuela”:<br /></span></strong>“Travesti por mi abuela” es un café concert estrenado en 1973 por Eduardo Soto y remontado recientemente por el actor con dirección de Rodrigo Pérez. En formato de unipersonal, la puesta vuelve sobre los códigos de principios de los 70 (especialmente la cultura de la radio) y muestra al protagonista rememorando los éxitos de su abuela en revistas y shows nocturnos.<br />Para ello, se trasviste con las prendas y vestidos que ha heredado e interpreta un repertorio de canciones popularizadas por cantantes hispanas, como Sara Montiel.<br />El espectáculo se repondrá durante las próximas semanas en el Teatro La Memoria.<br /><br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Claves para el análisis:</span></strong><br />- Travestismo y transformismo<br />- Máscara, disfraz y seducción<br />- Parodia, grotesco y melodrama<br />- Travestismo estetizante y travestismo político<br />- Cruce de géneros</div>Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-20571355313604297512008-10-03T21:28:00.000-07:002008-10-03T21:33:42.457-07:00LOS QUINTANA Y "TRAVESTI POR MI ABUELA" EN NUEVA SESION DE ESCUELA DE ESPECTADORESLa décima sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada al análisis de los espectáculos de transformismo a partir de los montajes <strong><span style="color:#ffcc33;">"Tutti Frutti",</span></strong> de Los Hermanos Quintana, y <strong><span style="color:#ffcc33;">"Travesti por mi abuela",</span></strong> de Eduardo Soto.<br />El primer título se encuentra en temporada en el Teatro Bellavista y el segundo se repondrá próximamente en el Teatro La Memoria.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Invitados:</span></strong><br />Eduardo Soto.<br />David Quintana.<br />Fernando Quintana.<br /><br />Inscripciones:<br /><a href="mailto:escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.com">escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.com</a><br /><br />Lunes 06 de octubre.<br />19.30 horas.<br />Teatro del Puente.<br />Entrada liberada.Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-64969435260755049302008-10-03T21:18:00.000-07:002008-10-03T21:27:33.153-07:00Claves de análisis para "¿Y quién no sabe cómo es un dragón?"<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqAi_a8FObdS6QLnPwzHeqQdk7yeVmYAcmryrzGA77lRoe-RDvLgBi_l0EoJJXufADtoUzcD6ZDVSDXsVFZG7AJB1ClF_L07BnKnjth4k1gc55fezAPcTaRVxY4deiITt3xek1zu33Wh8/s1600-h/INFANTIL+TEATRO+UC.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5253148901119759522" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqAi_a8FObdS6QLnPwzHeqQdk7yeVmYAcmryrzGA77lRoe-RDvLgBi_l0EoJJXufADtoUzcD6ZDVSDXsVFZG7AJB1ClF_L07BnKnjth4k1gc55fezAPcTaRVxY4deiITt3xek1zu33Wh8/s320/INFANTIL+TEATRO+UC.jpg" border="0" /></a><br /><div></div><br /><p><strong><span style="color:#ffcc33;">Sesión 9.</span></strong> Obra: <strong><span style="color:#ffcc33;">"¿Y quién no sabe cómo es un dragón?".</span></strong> Invitados: <strong><span style="color:#ffcc33;">Horacio Videla, Carla Lobos y Ping.</span></strong></p><p>La obra “¿Y quién no sabe cómo es un dragón?” forma parte de un programa de formación de público impulsado por el Teatro de la Universidad Católica y se inscribe en la línea de los montajes familiares.<br />El material de base lo otorga la adaptación que <strong><span style="color:#ffcc33;">Bret Fetzer</span></strong> (un cuentista y dramaturgo de Seattle) hiciera el año pasado del libro de Jay Williams, publicado a su vez en 1976 con atractivas ilustraciones para niños.<br />Con la estructura de los relatos clásicos, donde un personaje anónimo se involucra inesperadamente en una hazaña mayor que le muestra un aspecto heroico de sí mismo, la trama sigue la suerte de Han (Alvaro Pizarro), el solitario y huérfano barredor de la ciudad china de Wu que, secundado por su mascota Ping (un chancho), se convierte en una pieza clave para que un mítico dragón, encarnado en una ermitaña (Carla Lobos), proteja a la corte de la amenaza externa.<br />Además de desperdigar máximas sobre el valor de la amistad y el reconocimiento de los oficios más humildes, la obra configura una <strong><span style="color:#ffcc33;">metáfora acerca de la vocación</span></strong> y convierte al animal fabuloso en una <strong><span style="color:#ffcc33;">alegoría del influjo de vida,</span></strong> de los sueños de infancia y de la capacidad de trascender a las circunstancias más desafiantes para generar arraigo y construir una identidad.<br />La dirección de Horacio Videla recrea la historia incorporando la iconografía oriental popularizada por el manga, junto a algunos recursos del <strong><span style="color:#ffcc33;">bunraku</span></strong> (una variante del teatro de muñecos originaria de Japón en que se trabaja con palillos) y el <strong><span style="color:#ffcc33;">butoh.</span></strong> A ello suma la inserción del arte marcial del <strong><span style="color:#ffcc33;">aikido</span></strong> en los pasajes medulares de confrontación.<br />El elenco aporta dinamismo a la puesta gracias a una <strong><span style="color:#ffcc33;">caracterización folletinesca</span></strong> que permite revitalizar algunos estereotipos del género de aventuras.<br />La escenografía diseñada por Luis Cifuentes genera un colorido marco y recrea los ambientes orientales mediante el desplazamiento de estructuras, ceñidas a una iluminación que juega con los contrastes, superpone panorámicas en el fondo del escenario e inserta elementos lúdicos (aprovechando las paredes laterales de la sala) que permiten avistar a un voluminoso dragón en el cierre.<br />La fantasía se completa en el foyer de la sala con una <strong><span style="color:#ffcc33;">instalación multidisciplinaria</span></strong> que integra las artes visuales y la música y emplea los colores asociados en Oriente con la plenitud. Esto hace del montaje una luminosa experiencia sensorial.<br />En la puesta intervienen Carla Lobos, Álvaro Pizarro, Gabriel Gana, Pamela Guzmán, Darwin Le Roy, Fernanda Márquez, Fernando Oviedo y Jorge Ortiz.<br /><br /><span style="color:#ffcc33;"><strong>Sobre Horacio Videla<br /></strong></span>Durante la década de los 80 fue miembro fundador de la compañía Gran Circo Teatro y actor en el elenco original de “La Negra Ester”, montaje de Andrés Pérez.<br />Como director de teatro ha venido trabajando paralelamente desde entonces en montajes orientados a público familiar y ha desarrollado una línea de creaciones para público adulto (“Hamlet”, “Woyzeck”, “La sangre”, “Juana de Arco, el misterio de la luz”).<br />Uno de sus títulos más conocidos en el género familiar ha sido “El sueño de Clara”, que destacó por su instalación escenográfica hace 15 años.<br />Aunque el hito inicial lo estableció en 1988 con una versión de “La historia sin fin”, vista por un alto número de espectadores y valorada especialmente por la innovación que introdujo en la línea de trabajos para público infantil.<br />También estuvo detrás de una versión de “Crónicas de Narnia” y en la temporada 2007 montó “La niña y los sortilegios”, donde integró acrobacias, danza y técnicas de Aikido.<br />Ha dicho sobre el género del teatro infantil o familiar:<br />“Para mí, la capacidad de imaginar es más importante que la inteligencia. Por eso me parece mal que en las obras infantiles se trate a los niños como enfermos mentales, que se reduzcan las historias a códigos morales y que no haya ningún cariño por la factura de los montajes”.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Claves para el análisis:</span></strong><br />- Teatro familiar / Teatro infantil<br />- Teatro oriental<br />- Teatro de objetos<br />- Bunraku<br />- Butoh<br />- Viaje del héroe<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Cartelera:<br /></span></strong>“¿Y quién no sabe como es un dragón?”<br /> Sábado y domingo a las 17.00 horas.<br />Teatro Universidad Católica. Jorge Washington 26. Reservas: 2055652.<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Convenio con Escuela de Espectadores:</span></strong> $2.500.</p>Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-47259470127182282442008-09-27T20:17:00.000-07:002008-09-27T20:21:51.689-07:00Escuela de Espectadores dedica sesión a último montaje de Horacio VidelaLa novena sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada a la obra <strong><span style="color:#ffcc33;">"¿Quién no sabe como es un dragón?",</span></strong> de Bret Fetzer, irigida por Horacio Videla, que se presenta en el Teatro UC.<br />El montaje está orientado al público familiar e infantil.<br />Invitados:<br />Horacio Videla<br />Carla Lobos<br /><br />Lunes 29 de septiembre.<br />19.30 horas.<br />Teatro del Puente.<br /><br />Asistencia liberada.<br />Inscripciones:<br />escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.comJavier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-65216638509657210302008-09-27T20:08:00.000-07:002008-09-27T20:17:00.167-07:00Claves para el análisis de "Variaciones sobre la muerte"<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpoRVL1hQkiYSBbVpBhff9rgpJVDePR0UImQIDlho26rdAXF_QOx7JkVgO2zi-PwwIFsXrpRgTaa4EOocdDAR68ytXn_LM5taMNt9M0efY1d8VkvioYv9HabKheBuFd-BPeeFDWbeaSMc/s1600-h/VICTOR+CARRASCO.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5250904351163687474" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpoRVL1hQkiYSBbVpBhff9rgpJVDePR0UImQIDlho26rdAXF_QOx7JkVgO2zi-PwwIFsXrpRgTaa4EOocdDAR68ytXn_LM5taMNt9M0efY1d8VkvioYv9HabKheBuFd-BPeeFDWbeaSMc/s320/VICTOR+CARRASCO.jpg" border="0" /></a><br /><div></div><br /><p><strong><span style="color:#ffcc33;">Sesión 8.</span></strong> Obra: <strong><span style="color:#ffcc33;">"Variaciones sobre la muerte",</span></strong> de Jon Fosse. Dirección de <strong><span style="color:#ffcc33;">Víctor Carrasco.</span></strong></p><p>La obra “Variaciones sobre la muerte” (“Variatons sur la mort”), del autor noruego Jon Fosse, se presentó en una temporada de diez funciones seguidas hasta el pasado miércoles 17 de septiembre en la sala SAM, del Centro Cultural Antiguo San José.<br />El texto revisa la vida de una pareja a partir de la muerte de su hija mayor y fue llevada a escena en su momento por el director francés Claude Régy en el marco del Festival de Otoño de París.<br />La versión local reunió a Roxana Campos, Tomás Vidiella, Bárbara Ruiz-Tagle, Pablo Cerda, Begoña Basauri y Antonio Campos bajo dirección de Víctor Carrasco, como parte de una trilogía que se abrió en junio con “Norte”, de Alejandro Moreno, y que seguirá en noviembre con “Las tres hermanas”, de Anton Chéjov.<br />En la puesta, los personajes emergen como <strong><span style="color:#ffcc33;">espectros</span></strong> de un telón panorámico que sucesivamente cambia de color, abriéndose o cerrándose y recortando sus siluetas.<br />Fosse muestra el devenir de quienes en el ocaso repasan las frustraciones tras el suicidio de su hija y, al igual que en sus otros textos, se vale de las pausas y de las reiteraciones para develar lo que está más allá del verbo, poniendo en duda las secuencias temporales, la verosimilitud de los recuerdos y la naturaleza de la muerte.<br />El montaje subraya la alegoría de la escritura con el cuidadoso diseño de escenografía e iluminación de Fernando Briones, que genera composiciones de belleza oscura y epifánica.<br />El elenco se ajusta a las pautas que ha madurado la dirección en anteriores montajes, con una solemne rigidez corporal y un <strong><span style="color:#ffcc33;">tempo</span></strong> acompasado, como si se tratara de la ejecución de una <strong><span style="color:#ffcc33;">partitura musical</span></strong> o de una polifonía. La convención desafía a los intérpretes a limpiar y dosificar la proyección vocal y a despercudirse de los recursos más usuales.<br />El conjunto dialoga además con el edificio del antiguo hospital, donde puede pesquisarse el uso original de las salas.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre el autor y su escritura teatral:</span></strong><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Jon Fosse</span></strong> se dio a conocer como novelista (“Melancolía”, sobre el pintor Lars Hertevig) y ensayista, antes de abocarse en plenitud al teatro. Sus textos se han montado en circuitos como el Nanterre-Amandieres, de París, y la Schaubühne, de Berlín.<br />Es el autor más prolífico de Noruega y contabiliza al menos dos estrenos anuales en nynorsk (neo-noruego). Hacia el año 2002, sumaba doce piezas traducidas y representadas en 40 escenarios de Europa. En Francia, la mayoría de sus textos han sido dirigidos por Claude Régy. Entre otros, “Alguien va a venir”, con actuación de Marcial di Fonzo bo (director de “Eva Perón”, de Copi).<br />En 1996 obtuvo el premio Ibsen y en 1999 colaboró con un monólogo en el proyecto “La confesión”, de Michel Didyn.<br /><br />La crítica ha calificado su escritura de <strong><span style="color:#ffcc33;">suprarrealista</span></strong> y ha resaltado la manera en que consigue recrear el carácter repetitivo y persistente de las funciones de la conciencia. Su estilo también ha sido rotulado de minimalista, con tintes de absurdo y realismo, y se ha reparado en el retato que hace de determinados dramas sociales al describir situaciones de desocupación, desintegración familiar y abandono.<br />El estilo del dramaturgo ha encontrado resonancia recientemente en Buenos Aires con el estreno de “La noche canta sus canciones”, a cargo de Daniel Veronese.<br />Fosse ha dicho acerca de su escritura: “Lo esencial es lo que está ‘entre’, en los intersticios, en las fallas de los personajes, entre los diferentes elementos del texto. Los personajes surgen sin rostro. Son voces. Se trata de llegar a una forma en la que todo se trama desde el interior”.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre la dirección de Víctor Carrasco:</span></strong><br />Con su compañía RKO-Fabrika de Sueños ha montado desde mediados de los ’90 un alto número de piezas del francés Bernard Marie-Koltes, como “La herencia”, “En la soledad de los campos de algodón”, “Tabataba”, “De noche, justo antes de los bosques” y “Roberto Zucco”.<br />En 2001 trabajó por primera vez con un texto de Jon Fosse: “Alguien va a venir”. En 2003 volvió a montar una pieza del autor noruego, “El hijo”.<br />También ha escenificado “Hedda Gabler”, de Henrik Ibsen; “Ma vie de chandelle”, de Fabrice Melquiot; y “Norte”, de Alejandro Moreno.<br />Su método suele conceptualizar las presentaciones a público como la extensión de un proceso de indagación con los actores que se inicia en los ensayos. Por ello la mayoría de sus creaciones han cumplido funciones ininterrumpidas.<br />A la vez, ha moldeado un lenguaje en que predominan pausas inquietantes, silencios al interior de las escenas, rigidez corporal y un tempo acompasado, donde la evolución dramática se disuelve y emergen los pliegues más sutiles de los textos.<br />Uno de sus referentes lo constituye el teatrista francés <strong><span style="color:#ffcc33;">Claude Régy,</span></strong> en cuyos montajes la relación de los actores con los textos se despoja de toda emocionalidad gruesa y el lenguaje parece redescubrirse con cierta extrañeza.<br />Ha dicho sobre los textos de J. Fosse: “Sus obras tienen algo de cuento para niños. En ellas está implícito su gusto por la música. Suele ir conformando una especie de partitura y musicalidad, de verso y no-verso, de escritura fragmentada. Retrata situaciones sumamente cercanas y cotidianas de una manera esencial. Por tanto, invita a construir a partir de una atmósfera. Hay que preocuparse del estado de ánimo que posibilita la emisión de los textos. Tienen una fragilidad y una levedad características”.<br /><br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Claves para el análisis:</span></strong><br />- Tempo acompasado.<br />- Austeridad de recursos interpretativos y despojo de emocionalidad..<br />- Reiteración y pausas como mecanismos para develar la voz de la conciencia.<br />- Personajes concebidos como espectros.<br />- Puesta en escena minimalista.Composición escénica y pulcritud.</p><p> </p><p> </p>Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-29303760784210052632008-09-16T09:29:00.000-07:002008-09-16T09:33:43.280-07:00El teatro de Víctor Carrasco en nueva sesión de Escuela de EspectadoresLa octava sesión de la Escuela de Espectadores de Teatro estará dedicada a la obra <strong><span style="color:#ffcc33;">"Variaciones sobre la muerte",</span></strong> del autor noruego <strong><span style="color:#ffcc33;">Jon Fosse</span></strong>.<br />El montaje se presenta hasta el miércoles 17 en la sala SAM del Centro Cultural Antiguo San José (San José 1053), con dirección de Víctor Carrasco y un elenco integrado por Tomás Vidiella, Roxana Campos, Bárbara Ruiz-Tagle, Pablo Cerda, Begoña Basauri y Antonio Campos.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Invitados:</span></strong><br />Víctor Carrasco.<br />Tomás Vidiella.<br /><br /><span style="color:#ffcc33;"><strong>Lunes 22 de septiembre a las 19.30 horas.</strong></span><br />Entrada liberada.<br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Teatro del Puente.</span></strong><br /><br />Inscripciones:<br />escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.comJavier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-4086765283253487532008-09-16T09:23:00.000-07:002008-09-16T09:34:48.134-07:00Claves para el análisis de "Violeta: al centro de la injusticia"<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirsS8M8a0AfzDiuKn7A0Qaa5lMHvHsSt_3arjXorcKj5vgdcXrOnEWw4qrXLgmodQ53s989tVRh6rEKmQPfdW77utlzFKWlVJKblx1bLnspwlWqIC884NSOwM5FOXg3C7CAVuYjk6ta1g/s1600-h/VIOLETA+AL+CENTRO+DE+LA+INJUSTICIA.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5246656009400975362" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirsS8M8a0AfzDiuKn7A0Qaa5lMHvHsSt_3arjXorcKj5vgdcXrOnEWw4qrXLgmodQ53s989tVRh6rEKmQPfdW77utlzFKWlVJKblx1bLnspwlWqIC884NSOwM5FOXg3C7CAVuYjk6ta1g/s320/VIOLETA+AL+CENTRO+DE+LA+INJUSTICIA.jpg" border="0" /></a><br /><div></div><br /><p><strong><span style="color:#ffcc33;">Sesión 7.</span></strong></p><p><strong><span style="color:#ffcc33;">Invitados:</span></strong> Rodrigo Pérez, Claudia Vicuña y Francisca Márquez.</p><p><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre el montaje:<br /></span><span style="color:#ffcc33;">“Violeta: al centro de la injusticia”</span></strong> es un montaje dirigido por Rodrigo Pérez estrenado en julio pasado en la carpa Circo del Mundo que ha cumplido funciones populares y que se encuentra actualmente en cartelera en la sala La Memoria.<br />La puesta se estructura como una <strong><span style="color:#ffcc33;">cantata</span></strong> que entrelaza composiciones y décimas de Violeta Parra y se ordena en torno al libro “Violeta se va a los cielos”, de Ángel Parra.<br />El diseño de arte de Rodrigo Bazaes enmarca la acción sobre un escenario delimitado por coloridas ampolletas y cortinas, al modo de una pista de circo.<br />El elenco que forman intérpretes de teatro y danza (Francisca Márquez, Marcela Millie, Claudia Vicuña, Sebastián de la Cuesta, José Olavarría y Nicolás Poblete/Ernesto Orellana) entran y salen de escena apropiándose del repertorio de la cantautora y, por esa vía, de los motivos que están a la base de su obra, como el <strong><span style="color:#ffcc33;">descontento social</span></strong>, el <strong><span style="color:#ffcc33;">desamor </span></strong>y el <strong><span style="color:#ffcc33;">devenir de las clases populares</span></strong> en Chile.<br />La ejecución a capela del cancionero de la artista se lleva a cabo en solitario o en grupo respetando la <strong><span style="color:#ffcc33;">métrica de las décimas</span></strong>.<br />En algunos pasajes, los versos se convierten en material para breves monólogos y en las líneas de las historias de amor trunco o de los reclamos enrabiados frente a la injusta distribución de los recursos. También se escuchan registros de la propia cantautora y piezas compuestas por Ángel Parra.<br />Además de revisar algunos pasajes de la biografía de la artista, el espectáculo recupera aristas de su discurso que han quedado eclipsadas por las composiciones más conocidas.<br />Pese a tener una data de más de tres décadas, se trata de una mirada particularmente actual sobre los conflictos endémicos de la sociedad chilena que se abordan sin eufemismos ni idealizaciones.<br />La dirección trabaja a partir de composiciones coreográficas que guían los desplazamientos del grupo. Entre ellos se incluyen distintas variantes de una cueca acompasada, códigos pertenecientes a la danza contemporánea, una festiva rutina circense y la recurrente cita al oficio del bordado al que se abocó Parra.<br />Arropados con usanzas de ciudadanos comunes, los intérpretes pueden ser vistos como <strong><span style="color:#ffcc33;">paseantes anónimos</span></strong> que redescubren, revitalizan o despercuden el verbo de la compositora, estableciendo dinámicas de seducción y complicidad o volviendo obsesivamente a preocuparse de que la pista esté inmaculada, mientras las mujeres del elenco intercambian un vestido que parece representar a la artista.<br />A tono con los versos, el montaje retrata una chilenidad dolorosamente festiva y una poética ligada profundamente con el mundo popular.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre Violeta Parra:</span></strong><br />Violeta Parra nació en San Carlos, en la Región de Chillán, al sur de Chile, el 4 de octubre de 1917. Su padre era profesor de música y su madre, cantora popular. Tuvo nueve hermanos con quienes vivió la infancia en el campo (entre ellos, Nicanor y Roberto Parra).<br />Sus biógrafos resaltan que a los doce compuso las primeras canciones por influencia familiar y que en una primera etapa se abocó a los boleros, los corridos y las tonadas, trabajando en circos, bares, quintas de recreo y pequeñas salas de barrio.<br />Se casó en dos oportunidades y en su etapa de madurez se dedicó a recorrer zonas rurales grabando y recopilando música folklórica y valorando la poesía y el canto popular. A partir de entonces adopta el guitarrón y se especializa en la composición en décimas, mientras su discurso se contrapone a las visiones estereotipadas de América Latina y se inclina de manera pionera por la denuncia social.<br />Su labor se extiende también a otros oficios, como la pintura, la escultura, la cerámica y el bordado de arpilleras.<br />A mediados de los ’50 fue invitada a Europa del Este (Polonia, Unión Soviética) y termina grabando en París sus primeros discos. Vuelve a Francia a comienzos de los ’60 y expone sus arpilleras en una de las salas del Louvre.<br />Al regresar a Chile trabaja con sus hijos en la peña de calle Carmen e inaugura en La Reina un Centro de Arte en una carpa.<br />Se suicida en febrero de 1967 y se especula que uno los motivos fue el desamor.<br />Vista en perspectiva, su obra debió sortear con los prejuicios en torno a las voces femeninas que se levantaban en una sociedad en que predominaba el poder masculino.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Sobre Rodrigo Pérez:<br /></span></strong>Rodrigo Pérez es actor, profesor y director de teatro. Ha participado en la compañía La Memoria, de Alfredo Castro, y Teatro de Fin de Siglo, de Ramón Griffero.<br />Como director ha venido patentando en los últimos años un lenguaje escénico que privilegia el trabajo con materiales de distinta naturaleza que son puestos en tensión en escena en el cuerpo de los actores.<br />Su compañía Teatro La Provincia ha estrenado “Provincia Señalada”, "Provincia Kapital" (versión de "Auge y caída de la ciudad de Mahagonny", de B. Brecht), la trilogía La Patria (que integraron “Cuerpo”, “Madre” y “Padre”), una nueva versión de “Las brutas”, de Juan Radrigán, y recientemente “Violeta”.<br /><br /><strong><span style="color:#ffcc33;">Extracto de “Al centro de la injusticia”, de Violeta Parra:<br /></span></strong>“Pa’ no sentir la aguja de este dolor<br />en la noche estrellada dejo mi voz.<br />Linda se ve la patria señor turista,<br />pero no le han mostrado las callampitas.<br />Mientras gastan millones en un momento,<br />de hambre se muere gente que es un portento.<br />Mucho dinero en parques municipales<br />y la miseria en grande en los hospitales.<br />Al medio de Alameda de las Delicias,<br />Chile limita al centro de la injusticia”.</p>Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2375323835896052232.post-23060998445902304442008-09-12T13:22:00.001-07:002008-09-12T13:29:59.793-07:00"Violeta: al centro de la injusticia" en nueva sesión de Escuela de EspectadoresLa sesión del lunes 15 de la Escuela de Espectadores estará dedicada a <strong><span style="color:#ffcc33;">"Violeta: al centro de la injusticia",</span></strong> montaje de la compañía Teatro de la Provincia", que dirige Rodrigo Pérez.<br /><div>La puesta ofrece presentaciones durante el mes de septiembre en la sala La Memoria.</div><div>Al encuentro asistirán Claudia Vicuña, Francisca Márquez y Marcela Millie, integrantes del elenco.</div><div>Junto a ellas también estará el director Rodrigo Pérez.</div><div></div><div><strong><span style="color:#ffcc33;">Lunes 15 a las 19.30 horas.</span></strong></div><div><strong><span style="color:#ffcc33;">Teatro del Puente. </span></strong></div><div><strong><span style="color:#ffcc33;">Entrada liberada.</span></strong></div><div>Inscripciones en:</div><div><a href="mailto:escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.com">escuela.deespectadoresdeteatro@yahoo.com</a></div><div></div><div></div>Javier Ibacache / Soledad Lagoshttp://www.blogger.com/profile/13421295897113437206noreply@blogger.com0